miércoles, 29 de febrero de 2012

La invención de Hugo, de Martin Scorsese.


Scorsese aparte de ser un excelente director, es un gran cinéfilo.
Es un verdadero placer leer sus críticas y opiniones de los grandes clásicos, cine moderno etc.
En esta película se nota y mucho el amor que tiene al cine.

Reconozco que cuando me enteré que estaba rodando una historia infantil y en 3D, me desconcertó bastante.

La última película suya me dejó bastante frío. No me gustó. Tan solo el estupendo comienzo era lo único salvable de Shutter Island.

Al director de Obras Maestras como Taxi Driver, Toro Salvaje, Uno de los nuestros (Goodfellas), se le debe exigir más.
Tiene una estupenda filmografía ya que aparte de estas obras inmortales ha rodado espléndidas películas como Malas Calles, After Hours, Casino y una cinta que no está reconocida como la gran película que es: Bringind out the dead (me opongo a llamarle por el estúpido título en español... Al límite).

En este caso de Hugo es toda una sorpresa. Por el giro en su filmografía y porque realmente ha salido airoso de ella. 

Hugo (lo de la invención... mejor obviarlo) es una maravillosa película

Hugo. (Hugo Cabret) 2011.  
Director: Martin Scorsese
Guión: John Logan - Novela: Brian Selznick-
Música: Howard Shore
Fotografía: Robert Richardson 
Reparto: Asa Butterfield, Chloe Moretz, Ben Kingsley, Sacha Baron Cohen, Jude Law, Christopher Lee



A través de la historia de un niño huérfano que vive y "trabaja" en una estación de trenes de París, el director  realiza un emotivo homenaje al cine y a sus pioneros. En especial a George Meliés.

Scorsese nos deslumbra de principio a fin con una estupenda historia y con el gran apoyo de unos maravillosos decorados, puesta en escena, dirección artística, etc.

 Visualmente es perfecta


Además, como os decía, nos ofrece un brillante y merecido homenaje unos de los grandes pioneros del cine, y de los más imaginativos que ha habido: George Meliés. 


Se nota el entusiasmo de Scorsese a la hora de rodar esta película. Su amor al cine está presente en cada fotograma de ella. Un París de los años treinta, maravilloso. Además, que esté ambientada en una estación, la hace todavía más especial.
La historia del chico, del autómata, la llave y sobre todo de la aparición del propio Meliés hace que todo el conjunto sea realmente delicioso.

 Sentimiento, ilusión y sueños

Me gusta mucho el tratamiento del personaje de Meliés. Un genio del séptimo arte, que desgraciadamente vive en el anonimato con su tienda de "maquinitas", y antigüedades.
Una historia muy real, ya que tristemente esto pasa a menudo. Son muchos los genios que han quedado en el olvido.



Al parecer Scorsese se inspiró  en el libro de Selznick que habitualmente leía con su hija, de doce años.
Quería rodar una película que pudiese ver su hija. No olvidemos que una de las características del director son sus dosis de violencia en muchas de sus anteriores producciones.
Aquí sin embargo cambia total y radicalmente de registro. Scorsese cambia el chip y nos regala un viaje delicioso desde el 3D en el cual esta rodada la película hasta los orígenes del cine. 

Este 3D, que por cierto esta francamente muy bien, aunque no es primordial para el desarrollo de la película, creo que no es casual.
Hay cierto paralelismo entre los inicios del cine y el 3D.
Ya en 1895 en las primeras proyecciones del corto "Un tren llegando a la estación" de los hermanos Lumière, los espectadores se levantan asustados ante el realismo de las imágenes (imagen que vemos en Hugo).
Sorpresa parecida (creo sinceramente que fue más en aquella época. Un shock sin duda) a la que ofrece ver el 3D. Aunque no siempre con grandes resultados.
En Hugo hay una fantástica escena. El magnífico inicio para mostrarnos la torre del reloj de la estación.

Habría que preguntarse que es realmente el 3D. ¿Los "bichos" y acción de Avatar, que sinceramente poco ha aportado? ¿O los primeros planos que salen de la pantalla para alojarse literalmente en nuestra retina y cerebro?
Este "3D" es el bueno, el que me gusta. El otro... un camelo. 

También hay muchos homenajes. Al cine mudo, a los orígenes. Chaplin, Harold Lloyd, etc. Esa escena de Hugo colgando de la manecilla del reloj!



Otro aspecto de la película que me gusta mucho son las pequeñas y paralelas historias que nos encontramos en la estación. 
Destacan dos sobre todas las demás. La aparición de la chica y las visitas a la biblioteca (otro gran homenaje al maravilloso mundo del libro!), recíprocamente recompensado con el descubrimiento por parte de ella del cine.

Que maravilla este descubrimiento!

La otra historia es la del policía. Aquí tengo mis dudas.
El personaje interpretado por Sacha "Borat" Cohen, me gusta y me disgusta a partes iguales. Un policía chapliniano, pero sin el talento del gran Chaplin.
Supongo que el cierto histrionismo del actor me resulta algo "cargante".
Es el único punto débil que encuentro a la película.



He oído y leído críticas sobre el comienzo. Que si es muy lento, que la historia no avanza, etc. No las comparto, a mi me gusta mucho. Tanto, como el alabado descubrimiento de Meliés.

Por último os quiero lanzar una pregunta. ¿Es una película para niños?

Creo sinceramente que la mayoría de los niños, "endemoniados" por playstation y demás artilugios, no van a percibir el mensaje de la película.

Supongo que soy de una generación perdida, en donde los tebeos, los libros y las maravillosas sesiones de cine en programa doble eran una auténtica delicia.

Hugo es bastante pedagógica. Cine y literatura como grandes pasiones, ni más ni menos!
Los padres que todavía no han inculcado estos valores, lo maravilloso que puede ser un libro o una película en el cine, que cambien el chip cuanto antes!

Hugo más que para niños, es para el niño que llevamos nosotros dentro. (El que lo lleve, claro está. Yo por mi parte, no lo he perdido)


Como os digo siempre, ya sabéis, la tenéis en el cine...

Hugo es pura magia



Por último termino como empezaba. Resaltando el verdadero placer que es escuchar a Scorsese hablando de cine. 
Os recomiendo dos estupendos documentales:


Un viaje personal con Martin Scorsese a través del cine americano. (1995)
Cuatro horas de repaso al cine. Desde sus inicios hasta los setenta, donde el director empezó su carrera
Mi viaje a Italia. (1999)
Otro viaje de cuatro horas a través de todo el cine italiano que tanto fascinó a Scorsese cuando era pequeño.

 _______________________________________________________________

El director también aparece brevemente en Hugo.







 

lunes, 27 de febrero de 2012

Premios Oscars 2012, la resaca.

Pues otro añito mas y ya se han entregado los premios a los ¿mejores?

No voy a detallaros quien ha ganado en todas las categorías, que para eso hay muchas páginas y muy buenas.

Solo quiero expresar mi opinión y la incongruencia de los mismos.



Para mí la mejor película tiene que ganar cuatro apartados fundamentales. Película (lógico), Director, Guión, Montaje. Y si nos ponemos, algún premio a los actores, pero esto se puede perdonar.

Estos cuatro aspectos son pilares básicos en los que se apoya una película.

En esta ocasión, la ganadora ha sido la discutible The Artist.
Premios gordos a Película y Director. ¿Pero y el guión y montaje?
Se lo han dado a Woody Allen,como guión original. Como adaptado, a la estupenda historia de Los Descendientes. Y el montaje a la de Fincher.


La del gran Woody... pues como dijo Segura en los Goya, había que quedar bien. "Le damos un Oscar al amigo Woody y todos contentos.."
Pues no, sinceramente, donde más flojea la mediocre Midnight in Paris, es en el guión. Muy, muy flojito.
En el montaje ni me meto. La película de Fincher está entretenida, pero por qué otra versión de algo que ya está hecho. ¿Qué pasa que no hay ideas ni imaginación?

Pero a lo que voy, ¿por qué no se ha llevado estos dos premios The Artist?
La mejor tiene que ganar estos dos, sí o sí, por Dios!







¿No se lo merecía?
¿Un ataque de nostalgia de la vieja academia?

Hoy he escuchado, alguna opinión importante "en contra" de esta película. Realmente no se lo merece. Es una película bonita, algo aburrida, pero no tiene la culpa de toooda esta campaña que se ha hecho, un poquito harto estoy.
Yo la llamo la película de mi vecina. Hace años que no va al cine, pero esta la ha visto. "Es que es muda y como las de antes.." En fin, creo que no hay nada más que decir.

Los Oscar, como todos los premios, son intereses y opiniones en la gran mayoría desacertadas. Nunca nos van a premiar "nuestra película".

Realmente entre las nominadas había tres excelentes.
El árbol de la vida.... la portentosa película de Malick.
Hugo..... la maravilla (y este si que es un homenaje!) del gran Scorsese.
Y Los descendientes... otra joyita de Alexander Payne.



Mañana os comento esta maravilla, de momento si podéis hoy id a verla...

En fin, que para el año que viene otra vez. La "misma canción". La misma gala aburrida.


Por cierto, una preguntita. Me tenéis que contestar rápidamente. ¿Quien ganó el año pasado....?
Tic, tac, tic, tac.....Tiempo!!

Si es que al final todo queda en el olvido.
Respuesta: La aburrida, El discurso del rey.


Ya sabéis contra la resaca un buen

 Bloody Mary.....

jueves, 23 de febrero de 2012

Restaurante Kabuki y Koy Shunka.... los más grandes.

Hoy, con el permiso del respetable, cambio de tercio.

Volvamos a la cocina.

Soy un gran fan de la cocina asiática. Prácticamente me gusta todo de ella. China, Japonesa, Coreana, Vietnamita, Thailandesa, etc...
Me parece una comida muy rica en preparaciones, sabores y texturas.

En los últimos años son muchos los restaurantes que nos han "inundado", y no siempre con calidad. Al típico "Chino" de toda la vida, llegaron los japoneses con el sushi. Y ahora la moda son los mediocres Wok.

Es difícil encontrar un gran restaurante. En general lo que encontramos son de una calidad más bien discutible. 
 
Aparte de los buenos, que son pocos, yo me he encontrado sorpresas muy agradables y maravillosas con algún asiático "de barrio". Por ejemplo tenemos un maravilloso coreano llamado Tulipán, que ya os comente aquí

En este caso vamos con la cocina japonesa.



Son muchos los amigos que me piden que les recomiende un restaurante japonés. "Oye este finde quiero ir a comer sushi..", o "Cual es el mejor Japo para ir?". 
Difícil elegir,  porque son muchas las ciudades en los que no se encuentra prácticamente ninguna opción. 
Yo siempre recomiendo dos. Además bien alejadas una de otra. Madrid y Barcelona. Barcelona y Madrid.

Koy Shunka y Kabuki

Para mi estos son los mejores que he estado. Donde he disfrutado más. ¿Cual es el que más me gusta?...


Restaurante Kabuki & Kabuki Wellington
Plaza Presidente Carmona 2 y Calle Velázquez 6. Madrid

Sin duda de lo mejorcito y también de los más famosos. 

En el verano del 2000, abría sus puertas el primer Kabuki
En aquella época, restaurantes japoneses en Madrid eran muy limitados.
Un empresario José Antonio Aparicio apostó por otro más. Para ello necesitaba a un cocinero. Y la forma de encontrarle fue de lo más ¿normal?  Aparicio lo encontró a través de un anuncio en Segunda Mano! Toma ya!
 “Se busca cocinero de sushi-sashimi” Esta era la oferta de empleo. Y zas! apareció Ricardo Sanz. Un cocinero que  había trabajado en una hamburguesería, un bar de tapas y haciendo sushi en una cocina industrial. 

Y así empezó todo. Desde el primer momento Ricardo Sanz empezó a elaborar sus propias creaciones. Novedosas. Asoció la cocina japonesa con el concepto de la tapa española. Y señores fue y es todo un éxito.

Estaba claro que el público ansiaba una oferta diferente que se desmarcara de los grandes clásicos y que a la vez ofertara una cocina de mucha calidad.

Doce años después, después de abrir otro restaurante en Madrid , otro en el Hotel Abama de Tenerife, me atrevería a decir que Kabuki es mundialmente conocido.

Reconocido por la Guía Michelin con una estrella para ambos restaurantes, es el primer restaurante no español ni francés en conseguirla. Todo un logro y éxito. 
Una nueva inauguración mano a mano con el restaurante Sudestada llamada Kirei, y también tienen previsto a corto-medio plazo abrir también en Londres y Nueva York! Aprovecharemos la excusa para darnos un viajecito!

¿Pero que hace tan estupendo a este restaurante?

Sin duda sus elaboraciones y el gran producto utilizado. Una combinación que no falla. 

El alma mater de todo esto es Ricardo Sanz, un estupendo e inquieto cocinero. Lo podemos encontrar en el Wellington.
Y en el original Kabuki, tenemos a un discípulo excelente: Mario Payán. Sin duda sus manos nos ofrecen los mejores niguiris que hemos probado
Vía: comerjapones.com

Vía: comerjapones.com
  
Como todo japonés que se precie, tiene todo tipo de platos. Desde  Sopa de Miso, todo tipos de makis, carne de kobe, toro(atún) etc.

El tratamiento del toro es excelente. Lo podemos encontrar en sashimi, tartar, usuzukuri, etc. Un producto extraordinario, que Ricardo Sanz se encarga de buscar.
Si hay que ir a una "levantá" a Zahara de los Atunes, se va.
El del medio con chaqueta negra y gafas: Ricardo Sanz


Pero sobre todo, donde destaca de manera descomunal es en los niguiris. Más de sesenta diferentes. Extraordinarios
De toro, mero, gamba blanca, carabinero, ostra, erizo, tartar de kobe, pez mantequilla, etc. etc. Un auténtico festín

La forma más fácil y segura de tener éxito en una comida es entrar en Kabuki , ponerse en las manos de Mario y disfrutar de un menú a base de estas maravillosas elaboraciones.
Además con el fin de que el arroz no pierda el punto y llegue a la mesa con la temperatura adecuada (36-37 grados), continuamente se está cociendo en distintas tandas y lo que sobra se desecha en el acto. 

Ya sabéis si queréis daros un buen homenaje y disfrutar de uno de los grandes de verdad...Restaurante Kabuki



Por cierto Kabuki es una forma de teatro japonés  tradicional, que se caracteriza por su drama estilizado y un uso del maquillaje muy precioso y elaborado. 


Nos cojemos el Ave y casi tres horas y seiscientos kilómetros después aparecemos en Barcelona, en pleno Barrio Gótico, y entramos en ...Koy Shunka

Restaurante Koy Shunka
Calle Copons,7. Barcelona


Al igual que el anterior este no es un japonés al uso. En este caso seguimos con la fusión japonés-española, con especial interés en la catalana. Así pues podemos encontrar productos de primerísima calidad como la gamba de Palamós, la anguila del Delta del Ebro, las espardenyes, calamarcets y todo el pescado y marisco autóctono de la zona. 

Inaugurado en el año 2008. Y hermano pequeño del Shunka. Se puede decir que este corto periodo de tiempo le ha ganado, le ha tomado la mano, y eso que el primer Shunka es muy bueno también.

Dirigido por el gran chef Hideki Matsuhisa, podemos disfrutar de una maravillosa comida en este local fantástico con una barra absolutamente imprescindible.

 Una comida y experiencia única

El restaurante es muy bonito. Con una estética limpia, cálida y acogedora. Paredes de madera, juncos de metal... 
La sala principal está presidida por su barra para quince personas.

 Una cocina abierta al comensal

Sin duda, aparte de la comida, su mayor atractivo...


Es realmente fantástico ver el espectáculo que allí se monta. Nos entretenemos observando y aprendiendo las elaboraciones que vamos a degustar. 
Pero no os creáis que es un ambiente serio o cortante, ni mucho menos. Hay una comunicacion fluida, amena y muy divertida entre nosotros y los cocineros. El mismo chef aparte de ser un prodigio es un tipo francamente divertido y chistoso.  

Tiene una carta bastante extensa, con grandes elaboraciones. Lo mejor sin duda elegir un menú degustación.
Vía: comerjapones.com


Por ejemplo, trás un estupendo cocktail de sake y yuzu, empieza la fiesta y podemos degustar maravillas como:

-Alga nori frita, tartar de atun y mojama.
-Espardenyas con secreto iberico, setas y caldo dashi.
-Gamba roja de Palamós a la brasa. Sobre un lecho de sal gorda y con un sutil  flambeado de soplete nos sirven este soberbio producto.
-Sashimis. En especial el de salmonete con palomita de arroz y el de toro. Maravillosos
-Berenjena frita con pasta de soja y magret de pato
-San Pedro gratinado con salsa de ciruela japonesa
-Tataki de ternera de Waygu.
-etc, etc,
terminando con sus excepcionales Niguiris


Grandísimas elaboraciones, con una técnica impecable. Sabores, texturas, matices que no encontramos en otro restaurante similar. 

Una auténtica lección de gran cocina

Los sabores, el recuerdo de su cocina, esa barra preparándolo todo, lo tengo  grabado.
Dos lagrimones al acordarme, uno de alegría y otro de tristeza por los más de setecientos kilómetros de distancia que nos separan. 

Koy Shunka, significa "intenso aroma de temporada"

_________________________________________________________

Si tuviera que elegir entre uno u otro. Kabuki o Koy? ¿A quién quieres más a papá o a mamá?..mmm.. seguramente me decanto por este último: Koy Shunka


Ya sabéis, si tenéis la ocasión no dejéis escaparla. Tanto en Madrid como en Barcelona existen dos lugares imprescindibles y maravillosos. 

Disfrutemos de la comida!

 


 

miércoles, 22 de febrero de 2012

Amanecer... de F.W. Murnau....Cine Mudo del bueno.

Empiezo dando un "poquito de caña".

He visto The artist, como "todo perro pichichi". La vi hace un par de meses y me gustó. Incluso tengo una entrada en la cual hablo muy bien de ella aquí

El asunto es que me ha dado por verla otra vez. Y se me ha caído con todo el equipo.
Lo que antes me había parecido una maravillosa película, ahora me parece que está bien sin más. Un bonito homenaje al cine, pero nada más. Incluso me ha llegado a aburrir en ciertas partes.

Mi conclusión es, que a veces nos dejamos llevar por la euforia.
Propuestas diferentes, bienvenidas sean, pero no siempre hay que alabarlas.

"Una película muda!" "En blanco y negro!" "Como las de antes!"
Dejémonos de gaitas y seamos un poco serios.
Calificar a esta película de obra maestra... no, rotundamente no. Por ahí no paso. 

Las Obras Maestras mudas, ya están hechas, hace muchos años.
Que se lo pregunten a Chaplin, Keaton, Lang, Dreyer, Murnau y todos los grandes de esa época. 

No vamos a ir corriendo a ver todas las películas mudas para ponernos al día. Pero, y lanzo esta pregunta, ¿cuantas personas han visto alguna película muda? Y no me valen las de Charlot, El "gordo y el flaco", etc. 
Pocas, muy pocas, o ninguna. El caso que ahora The Artist, es lo más. Es lo que se lleva. Pues no. Sintiéndolo mucho cambio de opinion. 

Supongo que con esto me ganaré algún "enemigo" y críticas, pero es lo que siento.
Como rectificar es de sabios, lo que en un momento me gusto y mucho ahora me ha decepcionado.
El tiempo pone todo en su lugar. En dos, tres meses ha perdido todo el encanto.

Os pongo un ejemplo del paso del tiempo. Ochenta y cinco años después.. os propongo una película muda de verdad.
Un prodigio que se rodó en 1927.
Una de las mejores películas que he visto. Y he visto muchas.

 Una Obra Maestra como un piano

 Para llevársela a una isla desierta

 Una maravilla, una obra de arte llamada..........Amanecer


Amanecer. (Sunrise: A song of two humans) 1927.
Director: F.W. Murnau
Guión: Carl Mayer
Música: Hugo Riesenfeld
Fotografía: Charles Rosher & Karl Struss (B&W)
Reparto: George O´Brien, Janet Gaynor, Margaret Livingston, Bodil Rosing.


El 23 de septiembre de 1927. En el Time Square Theatre de Nueva Tork se estrenaba con gran expectación la primera película americana de Murnau. Un director alemán de mucho prestigio con obras tan importantes como Nosferatu o El Último.
No fue un gran éxito, tuvo una irregular carrera comercial. Pero el tiempo la ha puesto en el lugar que se merece. 

Nos cuenta una historia universal. El personaje de El Marido, un granjero que vive  felizmente en el campo con su Esposa. La aparición de La Mujer de la Ciudad. El encuentro de El Marido con esta  mujer, la cual le seducirá y le incitará al asesinato de su Esposa

Con esta premisa Murnau crea una obra imperecedera y revolucionaria.
Por aquellos tiempos la cámara se basaba prácticamente en planos fijos. Murnau rompe con todo. Un virtuosismo, un dinamismo en los planos realmente increíble para la época.
Hay ciertos travellings en la película que a más de un director actual le gustaría realizar. Por ejemplo el de El Marido acudiendo al encuentro con su amante La Mujer de la Ciudad en el pantano, es sencillamente magistral.
 
Aparte de estos fantásticos travellings y movimientos de cámara existen también muchos "efectos especiales". Transparencias, sobre-impresiones etc.

Todo un logro para la época. Es un caso similar, pero no muy reconocido, a lo que supuso Orson Welles y su uso de la profundidad de campo, el majeno de las lentes, el contrapicado para mostrar los techos... O en los últimos años el uso de la Steadycam por parte de Kubrick en El Resplandor.


Murnau es un director excelente. En toda su obra lo ha demostrado tanto en su etapa alemana como en su paso por Hollywood. 
Y sobre todo era un artista. Lo tenía todo bajo control. Decidía puestas en escena, ángulos de cámara, la éstetica de la película...
Una de sus principales fuentes de inspiración es la pintura. Munch, Rembrandt, etc.
Fijaros hasta donde contralaba todo y estaba pendiente de cada detalle, que cuentan que en una ocasión llegó a escoger como actriz a una mujer que caminaba por la calle porque su rostro encajaba con el que había imaginado para un personaje.

Otro de los factores en esta película es el simbolismo. Muy presente a lo largo de ella. Sobre todo en la iluminación.
Por ejemplo, la muerte que acecha al matrimonio está representada en la figura de la luna. 
Y esa escena final con los rayos de sol, cuando el amor vuelve a recuperarse...




Dejando aparte el excepcional apartado técnico, Amanecer es por encima de todo, 
 un canto a la vida y al amor.

En ella se recoge las diferencias de una vida en el campo, sencilla y plácida, y como lado opuesto la ciudad. Incómoda, peligrosa y frívola. Sin duda, el eje central de la película.

Respecto a Murnau, poco más que decir, un grandioso autor. Lamentablemente moriría en un accidente de coche cuatro años después dejándonos como legado final otra maravilla llamada Tabú.

Como curiosidad están las palabras de François Truffaut, el cual dijo en unas palabras ciertamente tristes que "llegaría un día en que los cineastas no verán una sola película del genio alemán".
Sabias y premonitorias palabras ya que seguramente muchos directores jóvenes e incluso entre la nueva crítica, Murnau es muy desconocido. 


Yo por mi parte y en este caso especial sigo recomendándola vivamente.

No tengáis prejuicios, os aseguro que es una película que os gustará mucho.
No os pido que sea una de las películas de vuestra vida como a mí me pasa, (en un Top Ten, seguro que estaría), pero por lo menos darle una oportunidad.

Romántica como pocas. Una película que te reconforta la vida. Te recupera el ánimo, el amor. Con un gran final, optimista y vital como pocos.

Gracias por esta lección de cine y de vida
 





Estreno en Times Square

Reposicion en el año 2007. Buen programa doble junto a El Séptimo Cielo

lunes, 20 de febrero de 2012

Shame....... el otro Steve McQueen


Bueno, después de haber padecido la gala de los Goya, no hay nada mejor que olvidarla rápidamente y sumergirte en una sala de cine.


En este caso he visto una extraordinaria película

Este pasado fin de semana se ha estrenado........Shame

Un drama potente, impactante y perturbador
 

Shame. 2011.  
Director: Steve McQueen
Guión: Steve McQueen y Abi Morgan
Música: Harry Escott
Fotografía: Sean Bobbitt
Reparto: Michael Fassbender, Carey Mulligan, James Badge Dale, Nicole Beharie, Hannah Ware

 
Reconozco que sabía muy poco de este director. ¿Un tipo que se llama igual que el gran actor? mmm. Por lo menos suena raro. 

Descubrí su anterior película, su ópera prima, Hunger, por casualidad. Desconocía todo de la película y me quede muy sorprendido. Pocas veces se ha visto una primera película tan impactante y brillante.
Además de un gran descubrimiento el excelente... Michael Fassbender.

Apunté el nombre y esperé su segunda película. Pues bien, ya esta aquí y dará que hablar y mucho. 

El director nos cuenta la historia de Brandon, su particular vida, un adicto al sexo. La aparición de su hermana Sissy harán que las cosas cambien y empiece su personal bajada a los infiernos. 

Rodada de manera exquisita, con mucho estilo y talento

McQueen utiliza muchos planos secuencia. Nos transmite en cada fotograma la amargura que siente y padece nuestro protagonista.
La utilización de la música y una magnífica fotografía completan un conjunto en donde sobresale de manera clara la interpretación de los actores.

Michael Fassbender, que actorazo! Impresionante
Posiblemente estemos ante uno de los mejores de su generación. Aparte de sus dos grandes interpretaciones en las dos películas de McQueen, hay que recordar que también está estupendo en la excelente Un Método Peligroso del gran David Cronenberg.
¿Por cierto, hablando del director canadiense, encontráis alguna similitud entre Shame y la magistral Crash? Aunque no tengan nada que ver, a mi me revuelven y me alteran de la misma manera.


Luego está Carey Mulligan. I love it
Otra interpretación espléndida. 

La descubrimos en An Education. Nos sorprendió su frescura en esta sobrevalorada película. 
Luego en la estupenda e injustamente olvidada Nunca me abandones estaba muy bien.
Y la hemos visto últimamente como Irene, en la maravillosa Drive

Hay en Shame una escena en plano fijo donde canta "New York, New York"..impagable. Una de los momentos del año


Una gran película, en donde el sexo cobra vida.
Nuestro protagonista lo necesita como el aire que respira. Una relación que es un tormento, no puede escapar de ella. 

Una película valiente en la cual el director nos sumerge en un mundo perturbador, el lado oscuro del sexo y sus obsesiones. Y como fondo un Nueva York diferente. 

Por último es realmente lamentable la ausencia de nominaciones al Oscar de esta película. Sobre todo en el apartado de interpretación. ¿Demasiado para la vieja Academia?

La tenéis en cartel. Daros prisa, porque las cosas buenas siempre duran poco

Os dejo con la escena que os he comentado anteriormente. 


 




El de la derecha es el otro  Steve McQueen. Un director a seguir, sin duda. 


Algunos posters son realmente peculiares

viernes, 17 de febrero de 2012

La ley del deseo......de Pedro Almodóvar..... 25º Aniversario

A dos días de entregarse los Premios Goya, nuestro director más conocido e internacional opta con varias nominaciones a 16 premios.
Entre ellos a la mejor película por la estupenda La piel que habito

Una película que va ganando más adeptos. En su corto recorrido va obteniendo mejores críticas. Tiene toda la pinta de quedar como la película de "culto" de la última etapa de Almodóvar

Pero montémonos en la maquina del tiempo cual DeLorean y vamos al año 1987. Hace veinticinco años, estrenaba la magistral: La ley del deseo

Incomprensiblemente todavía hay muchos espectadores (sobre todo los más jóvenes) que desconocen o no han visto parte de la obra de Almodóvar. Su mejor etapa está en esos diez años maravillosos que van desde 1984 hasta 1995.
En este intervalo alberga sus grandes películas: ¿Que he hecho yo para merecer esto? (1984), Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988), Átame (1990), La flor de mi secreto (1995), y sobre todo esta que os comento. 

La ley del deseo. 1987  
Director: Pedro Almodóvar
Guión: Pedro Almodóvar
Música: Bernardo Bonezzi
Fotografía: Ángel Luis Fernández
Reparto: Eusebio Poncela, Carmen Maura, Antonio Banderas, Miguel Molina, Fernando Guillén, Rossy de Palma, Nacho Martínez, Helga Liné, Manuela Velasco, Bibi Andersen.



La película es un magistral melodrama sobre el amor, con la personal visión de su director.

Almodóvar nos muestra una historia de pasiones, de amores entrelazados, con una temática homosexual presente en toda la película.
Son personajes solitarios, perdidos, torturados psicológicamente, sonámbulos de amor, dispuestos a todo para conseguirlo.
Poncela, Maura, Banderas, todos ellos excelentes, sobre todo los dos primeros, descomunales. 
Tal vez M. Molina sea lo que flojea en la película, pero se perdona. Todo lo demás es tan grande, tan redondo que lo pasamos por alto. 

Un retrato del Madrid de los ochenta, espléndido. Los bares, la noche, el calor... Impagable la escena regando a Carmen Maura....

Riégueme, Riégueme!!




Fue la primera película producida por El Deseo. La compañía que su hermano Agustín y el propio Almodóvar crearon. Se nota y mucho.
Libertad a la hora de construir una historia arriesgada. 
Una historia de carácter homosexual, sin tapujos, con escenas fuertes para la época. De temática diferente.


Sin dudas es una película clave en su filmografía. Almodóvar empezó a llamar la atención entre la gran crítica. Un director que empezó a ser reconocido y muy tenido en cuenta. Sobre todo fuera de nuestro país. Las mejores críticas siempre las ha recibido fuera de España. Hay verdadera pasión en el extranjero por el director manchego. 


Gran dirección, y sobre todo un grandísimo guión. Seguramente el mejor de su carrera.

Con algunas escenas memorables. El relato que hace Carmen Maura a su hermano sobre su pasado real. El playback de Manuela Velasco con la grandísima canción de Jacques Brel, Ne me quitte pas... excepcional!

La escena final con Antonio Banderas cantándole a Eusebio Poncela la canción "Lo dudo" de Los Panchos, uf.. maravillosa.

Momentos realmente inolvidables. Clásicos dentro de nuestro cine y del personal mundo del director.

Una de las grandes, grandes de verdad, del cine español. 


 Aquí os dejo con la escena anteriormente citada de Ne me quitte pas. Y la traducción de su letra. Me parece una de las canciones de amor más bonitas que se han hecho. Eso de..."traerte perlas de lluvia del país que nunca llueve" .... oh!!

No me dejes
Hay que olvidar
Todo se puede olvidar
Lo que ya se fue
Olvidar el tiempo
De los malos entendidos
Y el tiempo perdido
Para aclararlos
Olvidar esas horas
Que mataban a veces
A golpes de porqués
al corazón de la felicidad.
No me dejes,
no me dejes,
no me dejes,
no me dejes
Yo te ofreceré
perlas de lluvia
venidas de países
donde no llueve.
Yo escarbaré la tierra
Hasta después de mi muerte
Para cubrir tu cuerpo
De oro y de luz
Yo haré un reino
Donde el amor será rey
Donde el amor será ley
Donde tu serás reina.
No me dejes,
no me dejes,
no me dejes,
no me dejes
Yo te inventaré
Palabras locas
Que tu comprenderás
Yo te hablaré
De esos amantes
Que han visto por dos veces
Arder sus corazones.
 Yo te contaré
La historia de un rey
Que murió por no haber
Podido encontrarte.
No me dejes,
no me dejes,
no me dejes,
no me dejes
Se ha visto a menudo
Resurgir el fuego
Del antiguo volcán
Que se creía demasiado viejo.
Existen tierras quemadas
Que dan más trigo
que un mejor abril
 Y cuando viene la noche
para que un cielo arda
El rojo y el negro
¿Acaso no se unen?
No me dejes,
no me dejes,
no me dejes,
no me dejes
no me dejes
No voy a llorar
No voy a hablar
Yo me ocultaré
Para mirarte
bailar y sonreír
Y escucharte
cantar y después reír
Déjame volverme
La sombra de tu sombra
La sombra de tu mano
La sombra de tu perro
No me dejes,
no me dejes,
no me dejes,
no me dejes.

Ne me quitte PasJacques Brel




 

LinkWithin

Related Posts Plugin for WordPress, Blogger...