sábado, 26 de enero de 2013

Bestias del Sur Salvaje...El Cuento Magico del Pantano


Este año aunque ha empezado francamente bien, seguimos estando carentes de buenas películas. Somos muchos los amantes del cine, que ante cualquier propuesta nueva y diferente la recibimos con los brazos abiertos. En muchas ocasiones todo queda en nada y es otra película más. En otras, las menos, descubrimos que todavía hay un pequeño rayo de esperanza. 
Afortunadamente hay historias nuevas por contar. Existen directores y guionistas en los que creer, que son como aquellas pepitas de oro de los primeros colonos... cuando encontramos una gritamos bien fuerte: "orooooooooo" y nos la guardamos con nosotros. 

El año pasado encontramos "Declaración de guerra", "Take Shelter" o "Profesor Lazhar". En lo que llevamos de 2013 nos ha surgido la maravillosa "Tabu"  y esta que os quiero recomendar...

Bestias del Sur Salvaje. Director: Benh Zeitlin



Anteriormente a esta película, existe un magnífico cortometraje en donde encontramos el germen de su historia, "Glory at sea" del mismo Zeitlin. Un hermoso relato sobre las devastadoras consecuencias del huracán Katrina.

Os dejo con él, está en V.O, y aunque no dominemos a la perfección el inglés, podemos disfrutar de sus estupendas y sugerente imágenes, acompañadas de una excelente banda sonora (utilizada posteriormente para la campaña de Obama en 2008). Además posee un final impresionante. No os lo perdáis. 


Glory at Sea de Benh Zeitlin (2008)

Fuente: wholphindvd


Una vez visto este corto nos situamos aún más en el contexto de la ópera prima de Zeitlin. 
Y es que el director nos manda a los confines del mundo, a esa América sureña destrozada por el terrible huracán. No es un lugar concreto, pero todo apunta a ese espacio barrido del mapa en las entrañas de Luisiana. 

Un mundo diferente, post apocalíptico y desolado, en donde solo falta Noé y su Arca para estar a salvo de una especie de diluvio universal.  

En "Bestias del Sur Salvaje" asistimos a la historia de una niña, su padre y todas las personas y animales, muchos animales, que encontramos alrededor. Un regreso a los origines del hombre, convertidos en "bestias", en donde dentro de la precariedad son libres y viven a su forma y modo. 

Un mundo que comparte el caos con lo salvaje de la naturaleza, una regresión a lo primitivo. 

Paradójicamente sus habitantes son felices en él, tienen todo lo que pueden desear para su existencia, se resisten a abandonar esta clase de vida. Esa intensa lucha por mantener su hogar es expresada de manera manifiesta. 
Al otro lado, la civilización, separada por un muro, una presa que divide esos dos mundos tan diferentes pero tan cercanos. 


Quvenzhané Wallis es "Hushpuppy"

Sin duda el gran descubrimiento de la película es la niña protagonista. 
Hilo conductor de la misma, y a través de su voz en off, Wallis nos cuenta como es su mundo, sus inquietudes y pensamientos. 

Hermosa mirada inocente a este mundo tan salvaje. 

Sus sueños son oníricos y reales. En donde la figura de su madre desaparecida, se mezcla con otra tan irreal como es un animal de la prehistoria, su monstruo personal llamado "uro".
Uno de los mejores momentos de la película, y una imagen para el recuerdo, es su cara a cara con uno de ellos. 



Es realmente hermoso como Hushpuppy ama su mundo. Aunque reina el caos y la destrucción ella no lo ve como algo malo. Para la pequeña es algo natural. Sus animales, su entorno y la naturaleza que le rodea son componentes mágicos. Sin duda, esta visión es uno de los grandes aciertos de la película. 

Por cierto su delicioso nombre no es casual. Hushpuppy es una preparación sureña. Unas bolas de maíz que se sirven de acompañante a muchos platos. Al parecer su nombre viene de cuando cazadores y pescadores de la zona daban estas bolas a sus perros. De esta forma "callaban a sus cachorros".

La interpretación de Quvenzhané Wallis es estupenda. Con tan solo seis años nos ofrece uno de los mejores viajes de iniciación y descubrimiento que hemos visto en el cine.  Sus reflexiones, sus miradas y sus gritos son maravillosos. 



La voz en off es pieza clave. En cierto momentos me recuerda a los inicios de Terrence Malick y sus "Malas Tierras".  
Es un instrumento para conocer el mundo que le rodea y mostrarnos la visión de esta terrible realidad. 

Hushpuppy no tiene amigos. Tan solo posee la figura de un padre enfermo, el cual como "bestia" que es, no sabe expresar sus sentimientos hacia su hija. Un amor exento de cariño, pero que comprendemos y sentimos.
La relación entre padre e hija es hermosa, triste y necesaria. Ambos se necesitan para no quedarse solos en ese mundo.  

También a través de esa voz en off, comprobamos la imaginación de Hushpuppy plasmada en los "uros". Estos animales encarnan la fuerza incontrolable de la naturaleza.

La dirección de Benh Zeitlin destaca como si fuera un veterano. En muchos momentos realiza una película muy próxima al documental. Una fotografía e iluminación muy cercana a la naturaleza, cámara en mano, con planos del entorno muy detallados.

Pero el director no quiere un cuento realista, Zeitlin construye su personal visión, una ficción irreal, humana y fascinante de ese mundo, sin grandes efectos, convirtiendo lo cotidiano en algo fuera de lo común y extraordinario. 
Una conexión entre los seres humanos y la naturaleza. La dependencia de unos con los otros, y como la salvaje naturaleza nos acoge, nos cuida y nos destruye.  

Película poética, cargada de simbolismo que logra fascinarnos.
 Las bestias que llevamos dentro es un claro mensaje que logra que despierte en nosotros un sentimiento de sensibilidad y conciencia.
 Y sobre todo sin olvidar la sensación de sentirnos libres.






Otro aspecto destacado es su fabulosa banda sonora. El propio director junto a Dan Romer, componen una música muy sugerente que dota de una especial magia a la película.

Me gusta mucho la propuesta de la deshumanización como como vía de escape de nuestra sociedad. Aferrarse a lo que nos queda y al renacer de las cenizas, de la destrucción, quedando como vida principal lo salvaje y primitivo.



 “Veo que soy una pequeña pieza de un gran, gran universo, y así es como debe ser.”


"Bestias del Sur Salvaje" es una película que nos lleva por territorios inhóspitos, una pequeña joya libre y arriesgada.
Un soplo de aire fresco, que aunque a veces cae en algún convencionalismo, nos sumerge en una historia que nos atrapa, sin juicios morales, sin denuncia social ni nada por el estilo.

Un cuento de hadas doloroso pero repleto de luz. 
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Se ha "colado" en las nominaciones de los próximos premios Oscars. Ahí se las tendrá que ver con muchos pesos pesados. Pero... ¿por qué no puede ser otra "Pequeña Miss Sunshine"? Why not? Ya veremos...

Trailer. "Bestias del Sur Salvaje" VOSE
Fuente: cherrytrailers






miércoles, 23 de enero de 2013

Django... Tarantino Desencadenado


En una escena de esta película, se juntan Django (Jamie Foxx) y el Django del 66 (Franco Nero). En ella con una seriedad pasmosa y con unas miradas de hielo, el personaje de Franco Nero le pregunta al de Foxx como se llama. El nuevo Django responde deletrando su nombre con la ya famosa frase final, "la D es muda".
Este juego de identidades, homenajes y humor es puro Tarantino. Este momento y situación es aplicable a esta memorable película del director de Knoxville. Y es que "Django" aparte de acción, rebosa humor y mala leche por los cuatro costados. 



Una película de Quentin Tarantino siempre es diferente y provoca las más dispares opiniones. Es un tipo que gusta mucho o no gusta, así de tajante. Si no te gusta su cine es difícil que te puede gustar esta película. 
Sus películas están repletas de multitud de referencias cinematográficas. El director como ha declarado es "carne de videoclub", ha visto mucho, tanto bueno como malo, y es en sus films donde plasma todo ese universo tan personal y propio. 

Muchos le señalan de ser un mal copiador, otros que vive de homenajear a sus queridas películas. Y que  mismo da. El caso es que cada película de Tarantino es una nueva experiencia, que en mi parte me transporta a esa época donde se disfrutaba del cine de una manera maravillosa. En donde ir a alquilar una película al videoclub era uno de los mayores placeres, y donde asistir al cine en programas de reestreno o sesión doble era una experiencia única. 

Crítica Django Desencadenado

No voy a hacer una sesuda crítica sobre lo bueno y malo de la película. Es Tarantino y se merece recibir lo que ofrece.
Es verdad que la historia se puede alargar en el tramo final, que hay ciertos momentos en donde el montaje le falla (supongo que al no contar con su colaboradora habitual Sally Menke fallecida en el 2010), y que la actriz que interpreta a la mujer de Django (Kerry Washington) no ofrece un gran papel, sobre todo estando sus enormes compañeros de reparto. Pero es tan grande la capacidad de Tarantino para desbordarnos con la historia, que estos detalles hacen que pasen desapercibidos. 

Django es una película deslumbrante, sensacional  y jodidamente excesiva. 
Son casi tres horas de puro goce y disfrute. 

En ella Tarantino, fan absoluto de los westerns de serie B y de Sergio Leone, da rienda suelta a toda su verborrea tanto visual como dialéctica, y nos ofrece un festín lleno de homenajes y referencias a multitud de películas.

Pero como os decía no todo es western y acción en "Django", también podemos apreciar mucho humor. Es sin duda, la película más divertida hasta la fecha del director. Tiene momentos realmente delirantes, como la discusión sobre los sacos de la cabeza de ese ku klux klan tan particular. Tremenda y desternillante. 

También podemos apreciar el gusto del director por el Blaxploitation y sobre todo por el cine de venganzas. Pocos directores ruedan como él una venganza. Es el mejor. Solo hay que recordar su obra maestra: "Kill Bill"(2003-2004)



Se ha generado una cierta polémica entre la comunidad de color por esta película. Abanderados por el director Spike Lee, al parecer no ha sentado nada bien esta historia y sobre todo la palabra "nigger" (que se podría traducir como "negrata") que en la película se repite en multitud de ocasiones. 

No entiendo estas críticas. "Django" me parece un excelente alegato en contra del racismo y la esclavitud, y como no, sobre la sociedad de la época que lo permitió.
Tarantino da una patada a la historia y nos ofrece una gran denuncia sobre el racismo.


Personajes e intérpretes de Django.

Tarantino, como gran director de actores, no podía fallar y nos ofrece unos personajes antológicos. 

-Jamie Foxx es Django. El actor realiza una buena interpretación, la cual va transformándose, hasta llegar a ese climax final con su delirante baile a lomos de su caballo. 

-Christopher Waltz es el Dr. King Schultz. De nuevo Waltz nos regala otra magistral interpretación, muy similar a la de "Malditos Bastardos". Un cazarecompensas atípico, un asesino sarcástico que deambula por el sangriento oeste con una verborrea y violencia inusual. 
Tremenda la escena en la que incita a Django a matar a una de sus presas (un padre arando con su hijo). O esos momentos, puro western, en torno a una hoguera.

-Leonardo DiCaprio es Calvin Candie. Mi personaje favorito. Soberbia interpretación y una de sus mejores de toda su carrera. Un personaje ambiguo. Un hijoputa francófilo, que hace que le cojas un cariño especial. No puedo olvidar esa escena y ese discurso sobre el cráneo de un esclavo, mostrando las diferencias entre un blanco y un negro y los recovecos de la sumisión. Impresionante. 

-Samuel L. Jackson es Stephen. El actor realiza un trabajo sobresaliente en la caracterización del "mandamás" de la casa. Un "Tío Tom" anciano, cojo y cabrón, negro por fuera y blanco por dentro (coño! como una Oreo!), que se destapa como la gran sorpresa de la historia. 

-Don Johnson es Spencer Gordon Bennett o Big Daddy. Vestido de blanco inmaculado (siempre le ha sentado muy bien, recordemos "Miami Vice"), vemos a un personaje que con la llegada de los cazarecompensas ve destruido su mundo. Por no hablar del mencionado ataque racista tipo kkk.




 
La violencia y Tarantino.

No hace falta decir que en Django hay sangre, mucha sangre.
Asistimos a palizas, peleas, torturas y tiros, muchos disparos al más puro estilo Peckimpah. 
Nada de pijaditas digitales. Aquí la sangre y los cuerpos explotan de verdad.

Es una auténtica gozada, ver de nuevo efectos especiales que no dependen de un ordenador. Trucos pasados de moda, dirán algunos, pero que les dan cien mil vueltas a toda la tecnología que tenemos en la actualidad.
 Un sangriento ejercicio de nostalgia. 



Banda Sonora Django Desencadenado.

No podía faltar una inolvidable y sorprendente banda sonora. Como en sus anteriores trabajos Tarantino cuida con mimo el apartado musical.
Para ello vuelve a contar con innumerables éxitos de películas, e incluso de algunas que solo él conoce. Son pocas las nuevas composiciones, pero las que incluye son estupendas como ese "Freedom", sensacional. 

La película empieza con la mítica canción del "Django" de Sergio Corbucci, que por cierto es en lo único que coinciden, porque todo lo demás poco tiene que ver. 
Luego podemos escuchar canciones o melodías del western como el de "Dos mulas y una mujer" de Ennio Morricone, hip hop y soul, música clásica como el Réquiem de Verdi, o la fantástica composición de Jerry Goldsmith para "Bajo el Fuego".
Una selección que a Tarantino le sale redonda. Solo él puede cometer tal "sacrilegio" con estas mezclas.

 Una banda sonora memorable:


Django. Luis Bacalov
Fuente: TheSmakius

The Braying Mule. Ennio Morricone. 
 Fuente: Django Unchained OST



His name is King. Luis Balakov
Fuente: Django Unchained OST


Freedom. Anthony Hamilton & Elayna Boynton
Fuente: Johnny RaBone


I got a name. Jim Croce
 Fuente: TheSmakius

100 Black Coffins. Rick Ross

Fuente: FalloutBoy160682

Ancora Qui. Ennio Morricone.
Fuente: MultiversePhenomenon

Unchained. James brown & 2Pac
Fuente: deadstar44

Who did that to you. John Legend.
Fuente: MultiversePhenomenon

Nicaragua. Jerry Goldsmith.
Fuente: TheSmakius

Sister´s Sara. Ennio Morricone.
Fuente: TheSmakius

Too old to die young. Brother Dege
Fuente: FalloutBoy160682

Ain´t no grave. Johnny Cash. 
 Fuente: Django- -Unchained


Trinity (Titoli). Annibale E I Cantori Moderni.
Fuente: FalloutBoy160682



Peliculas de referencia de Django

Son unas cuantas las películas que homenajea Tarantino. Por ejemplo:

-"Django" (1966) y "Salario para matar" (1968) de Sergio Corbucci.
-"Boss Nigger" (1975) de Jack Arnold.
-"Cara a Cara" (1967) de Sergio Sollim.
-"Por la senda más dura" (1975) de Antonio Margueriti.
-"Yo soy la revolución" (1966) de Damiano Damiani.
-"Le llamaban Trinidad" (1970) de Enzo Barboni
-"Mi nombre es ninguno" (1973) de Tonino Valerii
-"Mandingo" (1975) de Richard Fleischer. 
-"Sillas de montar calientes" (1974) de Mel Brooks

Presente está Don Siegel y sobre todo Sergio Leone, uno de los directores preferidos de Tarantino. 


Por cierto el papel del Dr. Schultz, recuerda mucho al de Bob Hope en la película "Rostro pálido" (1948) de Norman Z. McLeod.
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"Django Desencadenado" es una de las películas más libres y gamberras que se han rodado en el más puro sentido histórico.

Fabuloso western. Gran película de aventuras, rodada en escenarios naturales y sin florituras digitales. Violenta, divertida y brutal a partes iguales. 

Dicen que su madre, Connie, le puso Quentin por el personaje que interpretaba Burt Reynolds (Quint) en la serie de televisión "La ley del Revolver" (1955). El destino lo tenía claro con Quentin...

 Menudo cabrón que estas hecho Tarantino.




viernes, 18 de enero de 2013

Tabu de Miguel Gomes... Cine, Tiempo y Memoria.


Este nuevo Tabú evoca a Murnau y a esa gran despedida final de la obra del director alemán que filmó junto a Robert J. Flaherty. 
Han pasado 81 años y ahora el director portugués Miguel Gomes, nos regala una película fascinante sobre un amor escondido y bellísimo, todo ello envuelto en una atmósfera tan onírica como envolvente.

"Tabú". Director: Miguel Gomes (2012)

Tabu Miguel Gomes

 

Reconozco no haber visto nada de su corta obra. Para Gomes, antiguo crítico y articulista de cine, es su tercera película. Pero tras el visionado de esta, no me queda más remedio que lanzarme a buscar esos otros dos films, sobre todo "Aquel querido mes de agosto" (2008) del cual me han hablado maravillas.

Tabú es una pequeña joya, rodada con ese aire de libertad y entusiasmo que hace que sea una experiencia totalmente nueva y placentera para todos los sentidos. 

 
La historia de Tabú

"Bajo la lluvia y en el sol ardiente
una melancólica criatura
recorrió durante meses 
selvas y desiertos

En el corazón del continente negro
ni fieras, ni caníbales, parecen atemorizar al intrépido explorador. 

Pero si las piernas avanzan por voluntades superiores, soberanas o divinas
ya el corazón, el más insolente músculo de toda la anatomía,
dicta en paralelo otras razones para la marcha.
Pobre hombre!... Un infeliz

Recorrer los confines del mundo, alejarse de donde vio morir a su mujer,
sin poder apartar a la muerte de su querida y dulce esposa.

Intrépido explorador pero por desesperación
taciturno y melancólico, la triste figura se aleja por el planeta inhóspito.

Y por misterios que el hombre no puede explicarse
recibe la visita de un lugar aun más lejano, de aquella por quien su corazón le suplica.
Llevando, oh detalle morboso!, el bello vestido que vestía cuando dejo la tierra.

-"Por más distancias que recorras, por más días que pasen, de tu corazón no conseguirás escapar"
-"Entonces moriré"
-"Triste y pobre infeliz"

La noche cae sobre la sabana y mil una caerán después de esta primavera.
En este tiempo, y por más absurdo que parezca a todos los hombre de razón,
hay quien jura y perjura haber visto esta espantosa visión:
Un cocodrilo triste, melancólico, acompañado por una dama de otros tiempos, inseparable par que un misterioso pacto unió, y que la muerte no pudo quebrar"
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Vida y Muerte - Sueño y Realidad.  
Estas frases son parte del excepcional prólogo que abre la película.
Con unas imágenes melancólicas y taciturnas, vemos a un explorador apenado por la muerte de su esposa. Este explorador acabará devorado por un cocodrilo.
Su alma queda dentro de este animal acompañando al fantasma de su mujer para siempre. 

Ya desde esta bella, sencilla y fascinante historia, la película nos atrapa, para dar paso a dos historias diferenciadas en el tiempo pero relacionadas entre sí. 

Y es que "Tabú" está dividida en dos capítulos, "Paraíso Perdido" y "Paraíso", al contrario que en la original de Murnau donde era al revés. Un pequeño juego del director portugués, en donde no quiere ser igual y pretende contar su historia de forma novedosa, sin ampararse en el relato original. 

En la primera, "Paraíso Perdido", asistimos a la historia de una mujer, Pilar (magnífica Teresa Madruga), y su relación con su vecina Aurora (Laura Soveral) y su criada Santa (Isabel Muñoz Carsoso). 
En ella el director nos descoloca y nos muestra una historia en la que no sabemos ciertamente lo que ocurre y va a ocurrir.
Asistimos a la vida de estas tres personas, en donde la soledad habita con ellas de manera demoledora. Y donde el hombro de Pilar es el sustento y refugio de los llantos de Aurora.

La soledad de Pilar es palpable, deambula por las calles de Lisboa sin encontrar ni su sitio ni su amor. 
Destacan muchos momentos de gran fuerza, como los encuentros con la chica "polaca" y sobre todo la gran escena del cine con la canción de fondo "Be my baby", que por cierto sonará mucho después en otra escena llena de recuerdos y soledad. 
Otra escena antológica es el monólogo de Aurora. La cámara gira lentamente 360º alrededor de ella. De fondo nos llegan sonidos desoncertantes y sobre todo una historia, un sueño que posteriormente comprenderemos. Espléndida también Laura Soveral.

Tabu Miguel Gomes


Pero oh! sorpresa, la película tras la aparición de un personaje, Gian Luca Ventura, se transforma en su segunda parte en una gran historia de amor prohibida, como reza en el título. 

"Paraíso", 2ª Parte.

Es aquí cuando Gomes, cambia la manera de rodar. Si antes hemos asistido a un blanco y negro impecable, ahora se convierte en algo más añejo, más cercano a los años 60, rodado en 16mm. 

Es en esta historia cuando el director adapta libremente a Murnau desde una perspectiva muy similar y muy diferente a la vez. 
Historia de amor entre Aurora (ahora interpretada por Ana Moreira, que cuenta con un físico extraño y cautivador), y un joven Gian Luca (Carlotto Cota). 

Una aventura en tierras africanas, en donde asistimos a través de una excepcional voz en off, a la historia de unos personajes "mudos", junto a una música sugerente y unos hipnóticos sonidos.  
El narrador es el encargado de presentarnos las acciones y pensamientos en donde confluyen los personajes, el espacio y el tiempo. 
¿Acaso no soñamos en blanco y negro? ¿Y las palabras? ¿Están presentes en nuestros sueños?


“La memoria de los hombres es limitada, pero no la del mundo”

Sorpresa de nuevo al asistir a una pasional historia de amor, que no hacía prever lo que anteriormente habíamos visto de la anciana Aurora. Una historia y un secreto guardado en el subsconciente de la persona, un Tabú vivido en otra época. Una historia sensual, exótica y apasionante que nos muestra su otra vida anterior. 

La música tan original y sugerente está presente a lo largo de todo el metraje. Gomes se permite incluir éxitos como el mencionado "Be my baby" o el estupendo "Baby i love you" de Ramones, en una magnífica escena.


Fuente: adoptfilms

Cine diferente y original. Fascinante película. Un ejercicio de memoria de los personajes, en donde se mezclan el presente y el pasado, los recuerdos y la muerte, la religión, el amor y la pasión.  




Tabu Miguel Gomes



Mezcla de cine mudo y sonoro, es una forma diferente de narrar una historia. Gomes "reinventa" el cine sonoro. Un experimento onírico en busca de otras formas de narración y de imágenes.

Tabú, la poesía del amor y la muerte

Nos puede recordar a Isak Dinesen y sus "Memorias de África", incluso al director Apichatpong Weerasethajul, y es que estamos ante una película deslumbrante, llena de silencios y simbolismos, pero sobre todo nos encontramos con una pasión desmesuradada por el séptimo arte.


Trailer "Tabú"

Fuente: CasadePelículas


Tabu Miguel Gomes



Tabu Miguel Gomes

Tabu Miguel Gomes

Tabu Miguel Gomes

Tabu Miguel Gomes



Tabu Miguel Gomes



sábado, 12 de enero de 2013

Critica Express... Amour de Michael Haneke.

Es difícil criticar una película en la cual he visto una excelente dirección y una soberbia interpretación de los dos protagonistas.

Michael Haneke sabe colocar la cámara, de eso no hay duda. En esta película se mueve como nadie en ese piso de París en donde se desarrolla la historia. En sus pasillos y habitaciones el director acierta con cada plano. 
La película está rodada íntegramente en su interior, y sobre todo Haneke tiene dos grandes bazas, los actores Jean-Louis Trintignant y Emmanuelle Riva, que realizan dos interpretaciones memorables


"Amour". Director: Michael Haneke. 



Como su título indica la película habla del amor, del que tienen dos personas en la última etapa de sus vidas. La mujer sufre una dura enfermedad y las consecuencias de esta es mostrada por Haneke sin ningún tipo de pudor ni de consideración. 
Y es aquí, donde en mi opinión, "Amour" pierde esa fuerza y emotiva ternura que posee.
Cuando nos muestra como esta enfermedad se apropia del cuerpo de Emmanuelle Riva, es cuando la película se vuelve más común y mas rutinaria. 

Estos momentos ya los hemos visto anteriormente. Son bastantes las películas que nos han mostrado esos momentos de dolor y enfermedad. Es verdad que Haneke lo realiza espléndidamente, pero son pequeños "agujeros" en la historia que hacen que no parezca una película del austríaco.

Afortunadamente la historia vuelve a coger fuerza y recupera ese tono tan sombrío para ofrecernos escenas magníficas y momentos que hacen que nos revolvamos en la butaca. Aún recuerdo esa bofetada y posterior mirada, que hace que se me hiele el corazón...

Lo que menos me gusta de la película, es el personaje de Isabelle Huppert. Poco aporta a esta historia. Carece del suficiente dramatismo para que nos lo creamos. Y menos en ese final cerrando ella la película.
Menos mal que anteriormente hemos asistido a una prodigiosa secuencia en la cual Marido y Fantasma abandonan la casa de manera sublime.

También están las dos escenas de la paloma que no me acaban de convencer. Haneke nos quiere aferrar a esa pequeña esperanza que en un primer lugar se echa literalmente de la casa y finalmente se atrapa,... aunque a duras penas. 
Con esta "caza", Haneke nos muestra un pequeño halo de esperanza, que por cierto ninguna de sus películas anteriores poseía.
Nos ha ofrecido una película menos dura y desagradable de lo habitual. Para el que no conozca la obra anterior del director, me puede decir que si estoy loco, ya que la película es muy triste y dura, pero reconozcámoslo, sus anteriores obras son mucho más perversas y de difícil digestión.

En definitiva una buena película, muy humana y para nada sentimental, pero que no alcanza el nivel de sus grandes obras. Me sigo quedando con "Funny Games" (1997), "La cinta blanca" (2009) o "Caché" (2005)




Premios 2012
-Festival de Cannes: Palma de Oro (Mejor película)
-Premios del Cine Europeo: Mejor película, director, actor y actriz.
-Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película extranjera
-Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor película
-National Board of Review (NBR): Mejor película extranjera

Nominaciones 2012
-5 Nominaciones a los Oscar, incluyendo mejor película y film habla no inglesa
-Globos de Oro: nominada a mejor película de habla no inglesa
-Premios BAFTA: 4 nominaciones, incluyendo mejor director y actriz (Riva)

Michael Haneke con la Palma de Oro de Cannes

martes, 8 de enero de 2013

Las Mejores peliculas del 2012... Cine Español


No me parece que haya sido un gran año (otro más) para el cine español. Pocas películas han sabido captar nuestra atención, y sobre todo han sido muy pocas las que me han parecido grandes películas. 
Pero el caso es, que en este año pasado si que he notado un giro, un cambio hacia otro tipo de cine. Nos olvidamos (por fin!) de la maldita guerra civil. Y es que ese desastre para nuestro país no nos ha dado ninguna alegría. Siempre ha sido un tema muy recurrente, pero ya cansa, sobre todo si no se hacen buenas películas. 

En este 2012, se ha notado un pequeño soplo de aire fresco. Nos hemos atrevido a realizar thrillers, grandes superproducciones e incluso películas de animación en serio.

Este sería mi resumen.


Una Ópera Prima

DE TU VENTANA A LA MIA. Director: Paula Ortiz
Interesantísimo debut de la directora Paula Ortiz. Tres mujeres, tres historias separadas en el tiempo.
Rodada con una especial delicadeza y repleta de bellas imágenes, es un nombre que nos debemos apuntar.
Tres actrices, en donde destaca por encima de todas la gran Maribel Verdú. Una historia sin prisas, llena de poesía en donde el paisaje toma una principal relevancia. Una estimulante película, que incluso en algunos momentos nos recuerda al cine del mismísimo Terrence Malick.

Trailer






Cine de Animación... Made in Spain

LAS AVENTURAS DE TADEO JONES. Director: Enrique Gato
Nuestro Indiana Jones! Todo un gran éxito de taquilla. Una halo de esperanza para el cine de animación de nuestro país.
La película se ve bien, se nota que hay un gran trabajo detrás. La animación es de un alto nivel. Lástima que el guión no termine de cuajar y la película no nos ofrezca algo más que este tipo aventurero y bonachón. Se prepara la segunda parte

EL APÓSTOL. Director: Fernando Cortizo
Interesante película de animación a base de la técnica de Plastimación o Claymation, es decir con plastilina o arcilla.
La película destaca por su estupenda ambientación, muy cercana al mundo de Tim Burton. Posiblemente nos parezca tosca en sus resultados, pero buena en crear una atmósfera tan onírica y sugerente.

ARRUGAS. Director: Ignacio Ferreras
Una de las mejores películas del año es de animación.
Si el cómic en el que está basado es excelente, la película no se queda atrás y nos ofrece una historia triste y real sobre la vejez. Una historia dramática sobre nuestros mayores, que el director sabe sacar todo el partido sin caer en el más profundo dramatismo. Una conmovedora y necesaria película, que deberíamos ver todos.



Conexión: Cine Español-Cine Latino

INFANCIA CLANDESTINA. Director: Benjamin Ávila 
Aunque la película esté demasiada "edulcorada" y a veces caiga en el más típico de los dramas políticos, es una interesante muestra sobre el siempre espinoso tema de la represión militar argentina. Sobre todo merece destacar las estupendas interpretaciones del elenco de actores.

ELEFANTE BLANCO. Director: Pablo Trapero. 
Mucho mejor título es este. El director de "Carancho" realiza una buena película en la que destacan por encima de todos sus protagonistas. Como no, Ricardo Darín realiza otra de sus estupendas interpretaciones.
El título hace referencia a un hospital que nunca se terminó en Buenos Aires. Dentro de él nos encontramos con el drama del paro, las drogas y todos los problemas que nos podamos imaginar. Cine comprometido y bien realizado.



Cine Español... Made in Usa

GRUPO 7. Director: Alberto Rodríguez
Interesante propuesta que en mi opinión no acaba de funcionar. Thriller a la americana pero con nuestra Sevilla y repleta de nuestros tópicos.
La película tiene fuerza y ritmo, pero sus personajes, el factor principal de la película no funcionan por igual.
Mario Casas, sigue siendo solo una presencia. Una cara guapa que se esfuerza, pero que le falta mucho para llegar a ser un actor.
Paradójicamente el director se vuelca en este personaje y en cambio el gran Antonio de la Torre sale peor parado. Su estupenda interpretación no es acompañada con un papel digno de él. Un personaje demasiado desdibujado.

Atención al descubrimiento de Joaquín Nuñez. Su personaje Mateo y la historia de La Caoba (Estefanía de los Santos) es lo mejor que le sucede a esta película.  


LUCES ROJAS. Director: Rodrigo  Cortés
Después del éxito de "Buried", todos teníamos ganas de ver lo nuevo de R. Cortés. En esta ocasión se rodea de grandes actores para ofrecernos una interesante película, bastante ambiciosa, en donde las vueltas de tuerca y de guión hacen que acaben por ser una película más confusa de lo que debiera. Veremos lo que nos depararan sus siguientes trabajos.


LO IMPOSIBLE. Director: J. A. Bayona
El mayor éxito del cine español de todos los tiempos.
Con todos los medios posibles y con una buena pareja de actores, el director nos ofrece una historia espectacular, con unos grandes efectos especiales.
En cambio la historia parece asolada por el mismo tsunami. Una vez pasado el shock inicial, la película queda como un ejercicio algo vacío, perdiéndose entre sentimientos más bien sensibleros que sensibles. No obstante, se agradecen este tipo de propuestas.



El Terror sí tiene forma

[•REC]³ GÉNESIS.  Director: Paco Plaza
Divertida y enloquecida tercera parta de la saga REC.
En esta ocasión dirigida en solitario por Paco Plaza, la película se nos presenta como un puro divertimento salvaje. Bien realizada y con buenas interpretaciones, es la mejor de todas.
Respecto al género de terror, España sigue sin acertar y sin apostar. Las pocas producciones suelen ser infames o productos muy desacertados.




Grandes Decepciones.

LA CHISPA DE LA VIDA. Director: Alex de la Iglesia
Preocupante y alarmante el bajón de este estupendo director. Ya son unos cuantos años en los que no vemos una buena película de Alex de la Iglesia. Para el cine español, y general, es bastante malo. Un director muy inteligente, con un gran sentido de la imaginación y con un sentido del humor muy especial.
En esta ocasión "La chispa de la vida" es la peor película de toda su filmografía. Un infumable film, del que no se merece perder ni un segundo.
Por cierto, lo de José Mota... ¿a quien quieren "vender la moto"?

HOLMES & WATSON. MADRID DAYS. Director: José Luis Garci. 
Me gusta Garci. Y en ocasiones muchísimo. De ahí que la decepción haya sido mayúscula.
El problema de esta película no es la historia en sí, que me parece francamente buena. Es la forma en la que está plasmada a través de sus personajes. Sin duda lo peor de todo... son ellos. ¡Que desgracia de Holmes!
Una caricatura del inmortal personaje.



And The Oscar Goes To: Luis Tosar

OPERACIÓN E. Director: Miguel Courtois.

Una buena película, con un estupendo ritmo, en donde destaca por encima de todos un antihéroe, un intérprete, Luis Tosar.
El gran actor realiza otra portentosa interpretación dotando a su personaje un carisma y humanidad excepcional. Un magistral trabajo, lleno de matices, con un especial acento colombiano. Si fuera norteamericano estaría repleto de Oscars y premios. Viva la madre que te parió, Luis!.

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Una Propuesta Diferente-Una Nueva Película de Culto.

DIAMOND FLASH.  Director: Carlos Vermut
20.000 euros. Esta es la cifra que ha costado esta película. Estrenada en Filmin , la película es de esas "raras avis" que muy de vez en cuando suceden.
Inclasificable, sorprendente ópera prima. Una de las propuestas más sugerentes que han surgido en los últimos años. Una rareza extraordinaria, que funciona con una precisión asombrosa. Una mezcla alucinante y loca de géneros. 

Lo bueno es que bajo ese presupuesto tan ridículo la película no tiene nada que envidiar a otras de mayor enjundia. Su factura es más que correcta, su guión y realización es muy buena, y todos los actores están a un nivel muy alto.

Cine libre, original, divertido, fascinante y sobre todo muy personal. Una nueva película de culto, con muchos seguidores. La edición limitada de su DVD, fue "devorada" en cuestión de horas.
Un soplo de aire fresco dentro de nuestra cinematografía, tan irregular como fascinante y estimulante.

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Directores en busca de su Gran Película.

UNA PISTOLA EN CADA MANO. Director: Cesc Gay
Con el cine de Cesc Gay me sucede siempre lo mismo. Me gustan sus películas, pero no alcanzan ese nivel que hacen que sean perdurables en el tiempo. Les sigue faltando esa fuerza para ser mucho mejor.
"Una pistola en cada mano" es posiblemente su mejor película, pero sigue adoleciendo de este defecto.
La película se ve muy bien, cuenta con una buena historia, y sobre todo con grandes interpretaciones. Una buena película que el director no sabe darle ese toque magistral para ser una gran película.

LOS NIÑOS SALVAJES. Director: Patricia Ferreira.
Interesante película, de una directora que con su debut prometía mucho más.
En esta ocasión nos ofrece una historia de adolescentes, muy realista, en donde lo más destacable es la dirección de estos jóvenes actores.





Un Éxito muy Discutible

CARMINA O REVIENTA. Director: Paco León


Otra de las sensaciones y gran éxito de este pasado año, fue este falso (o más bien verdadero) documental sobre la figura de Carmina Barrios. Original y excesiva, divertida y muy irregular. La película no deja indiferente a nadie. Un experimento que el tiempo dirá si ha servido para algo. 
Creo que ha sido mucho más ruido que otra cosa. La película se ve y se olvida, tal cual.



Cine Mudo.... Español

BLANCANIEVES. Director: Pablo Berger.


Una de las películas más estimulantes y arriesgadas de los últimos años.
La película de Pablo Berger es muy poderosa visualmente y ahí radica su gran fuerza. Guiños al cine mudo, a Tod Browning, Berger combina una historia llena de sentimiento con nuestra más profunda España "cañí".
Lástima de ciertas escenas llenas de apresuramiento que hace que el conjunto no sea del todo redondo. Esperaremos los nuevos trabajos de uno de los más prometedores directores de nuestro país. Reseña


Las 3 mejores películas españolas del año 2012.

1ª. EL ARTISTA Y LA MODELO. Director: Fernando Trueba
2012 ha sido el año de la recuperación de Trueba.
Con un aire francés a caballo entre Truffaut y Renoir, el director logra uno de sus mejores trabajos. Una maravillosa película en donde se mezclan con gran talento y sensibilidad, el arte y la vida. La mejor película española del año. Reseña



2ª. EL MUNDO ES NUESTRO. Director: Alfonso Sánchez
La gran sorpresa del año. Las aventuras de el "Cabesa" y el "Culebra" son una de las propuestas más originales, frescas y divertidas de los últimos tiempos.
Un dúo que triunfa en Internet y que ha dado el salto a la pantalla grande para plasmar sus historias. Gran éxito de crítica y público (como ellos dicen la han visto tantos espectadores como para llenar "er" campo del Betis 3 veces...)
Humor negro y estupendos diálogos para una "Tarde de Perros" canalla y muy divertida.



3ª. MADRID 1987. Director: David Trueba
Otra de las sorpresas del año ha sido la recuperación del "otro Trueba".
Tras sus últimas y flojas dos películas, David recupera el buen tono inicial de sus primeros largos, para ofrecernos una película diferente que seguro ha generado cierta polémica, creando grupos de admiradores o detractores. Yo me ubico entre los primeros.
Con tan solo dos protagonistas, espléndidamente interpretados por José Sacristán y María Valverde, Trueba realiza una sorprendente película, una agridulce historia llena de vida, en donde se hablan de muchas cosas...

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