Los Juncos Salvajes de Andre Techine.

Ayer volví a ver esta película. En un canal de televisión la programaban y en versión original !! No se cuántas veces la he visto... pero sigo estando enamorado de ella. Que gran, gran película.

 Una Obra Maestra, difícil de olvidar

Los Juncos Salvajes. Les roseaux sauvages. 1994. 

Director: André Téchiné

Guión: André Téchiné, Gilles Taurand y Olivier Massart

Música: Varios intérpretes

Fotografía: Jeanne Lapoirie

Reparto: Elodie Bouchez, Gaël Morel, Stéphane Rideau, Frédéric Gorny, Michéle Moretti, Jacques Nolot.

Son los años 60. La historia de una relación entre cuatro estudiantes, su futuro, sus ideas políticas, y sobre todo la amistad y el amor. Es la época de la adolescencia, el despertar de la sexualidad...

Con esta premisa Téchiné construye una bellísima película sobre el complejo tema de la adolescencia.

Llena de nostalgia por esa época, contiene alguna de las  escenas más sensibles, emocionantes e inolvidables, que ha dado el cine en los últimos años.

Bellísimas imágenes,... el sol, los campos... el color del verano.

Los personajes se sinceran antes nosotros. Poco a poco van descubriendo sus propios sentimientos, que antes no conocían ni ellos mismos.

Sabemos que la guerra de Argelia está presente, sí, pero nada más. Al director y a nosotros nos sirve como pretexto para situarnos en el tiempo y como condicionante de alguna de las escenas.
Sobre todo la película es una historia de amor, de adolescencia.Trata temas como la homosexualidad, el descubrimiento de los sentimientos, y de la propia sexualidad.

Sin caer en el sentimentalismo fácil y barato Téchiné nos muestra la pura realidad, amarga, triste, desoladora, pero también en contradicción, un canto a la vida hermosísimo.
Siempre que la he visto me produce el mismo sentimiento, un estremecimiento romántico terrible.

Fundamental en la historia es la belleza de sus imágenes, nunca el campo, los tonos verdes, el sol, la primavera-verano, han estado más presentes y más acertados que en esta película. Imágenes realmente bucólicas para un historia de amor agridulce. La fotografía es realmente magnífica.

Otro punto importante es el uso de la música. Arropado por éxitos de los años sesenta, en algunas escenas es realmente fundamental.
Una de las mejores es el baile, la fiesta, en donde uno de los protagonista hace la confesión a su amiga-novia de su primer encuentro homosexual. Como esta rodada es realmente increíble. De fondo, en esta escena triste y vital a la vez, podemos escuchar, el "Twist" de Chubby Checker, "Smoke Gets in Your Eyes" de los Platters, "Barbara Aan" de Beach Boys y finalmente la maravillosa "Runaway" de Del Shannon.

Se cambian las tornas y él necesita a ella. Amarle y mimarle tras su confesión. La mirada de Elodie Bouchez, lo dice todo. Impresionante escena. 

"Estoy contigo porque me das calma, pero no hay nada físico" 

"Estoy contigo para protegerme, para huir"

"Te quiero porque nunca serás mi enemigo"

Película muy sugerente, hay mucho detrás de cada plano y escena. Cada vez que la veo de nuevo, descubro algo diferente. 

Posiblemente estemos ante uno de los mejores retratos de la adolescencia. Esa etapa complicada donde tiene cabida la confusión, donde nos movemos por impulsos. La perdida de la inocencia, los primeros traspiés de la vida, todo ello  para dar un paso hacia la edad adulta. 

También merece un aplauso la dirección de actores de Téchiné. Todos ellos debutantes, interpretan de manera estupenda.
Posiblemente el personaje más rico en matices y más importante sea el de Elodie Bouchez. Magnífica. Hay dos momentos, como la pérdida de virginidad, la entrega de su cuerpo a uno de ellos, y otro, cuando se come literalmente a besos a su "amigo", que son absolutamente maravillosos.

Llena de primeros planos, todos los interpretes poseen una naturalidad asombrosa.
  

"Odio mi juventud"

 "Odio mis pasiones"

Otro personaje magnífico es la maestra. Vive en constante contradicción, no volverá a ser la misma tras la muerte del hermano de uno de los protagonistas. Un cambio emocional terrible. 
Esa escena con el escalofrío mutuo de la argelina y de ella... es espeluznante. "Hace frío...."

Un fragmento de vida

 Amor no correspondido y la búsqueda de la propia identidad

No puedo olvidarme de los versos de Walt Whitman y su "Esplendor en la hierba". Sin duda aquí son muchos los que pierden ese esplendor. 

Obviamente el título hace referencia al poder, a la resistencia, a la fuerza del junco (en este caso los adolescentes). Por mucho que sople, llueva o nieve, se balanceará, pero no se romperá y seguirá de pié. (Por cierto, inmediatamente me viene a la memoria la maravillosa canción de El Dúo Dinámico, "Resistiré", que tan magistralmente utilizó Pedro Almodovar en el final de Átame).

Me gusta más el título original... Los juncos silvestres, más acorde con la realidad de la historia.

La película inicialmente estaba rodada para televisión, pero tal era la calidad de la misma, que con mucha visión y criterio optaron por realizar un nuevo montaje y estrenarla en los cines. Una gran decisión, ya que aparte de disfrutar nosotros con ella, tuvo un gran éxito de público y crítica.

Como os decía al principio cuenta con innumerables momentos realmente antológicos. 
Escenas duras y desoladoras como la secuencia de uno de los protagonistas acudiendo al zapatero. Realmente patética.

Y sobre todo dos que personalmente me encantan. 
El hermosísimo cierre de la película. Tras un plano panorámico de 360º Téchiné nos muestra un final abierto realmente bello y estremecedor. 


Y por supuesto la escena de la moto. Sin duda una de las mejores que se han visto en el cine reciente. Un plano de soledad y amor imposible, totalmente  demoledor. Que maravilla!! 

Estamos hablando mucho de cine francés. En la actualidad tiene muy buenas propuestas. Pero es que, si echamos la vista atrás, nos encontramos con obras tan hermosas, tan maravillosas como esta. 

¿Mi película francesa preferida?....Seguramente.

 Aquí Os dejo el trailer en VO.

 

En un lugar solitario. Nicholas Ray y Humprey Bogart.

A menudo me preguntan cual es la mejor película de Bogart. Mira que tiene Obras Maestras, pero yo tengo un capricho y me quedo sin duda con esta película bastante desconocida para el gran público.....

 En un lugar solitario (In a Lonely Place)

Además está dirigida por otro grande como es Nicholas Ray.

En un lugar solitario. In a lonely place. 1950.  

Director: Nicholas Ray

Guión: Andrew Solt

Música: George Antheil

Fotografía: Burnett Guffey

Reparto: Humprey Bogart, Gloria Grahame, Frank Lovejoy, Robert Warwick, Jeff Donell.

"Nací cuando ella me besó, morí cuando me abandonó. Viví unas semanas mientras me amó"

Con esta maravillosa y mítica frase, se puede resumir el desaforado romanticismo de la película de Ray.

La historia de un guionista encarnado por Bogart. Violento, conflictivo, de capa caída. No le gusta su situación y se rebela ante la industria.

Encima pasa a ser sospechoso del asesinato de una chica del guardarropa del club que frecuenta. Pasó la noche anterior con él y la policía no le quita ojo. 

Además conocerá a su enigmática vecina (Gloria Grahame). Una relación de amor bastante compleja. Surgen los temores, la inestabilidad emocional, las sospechas, ....

Con esta premisa Ray construye una historia desasosegante, adelantada a su tiempo.

Una Obra Maestra Absoluta

Preciosa imagen de la película

Una historia de cine negro, con un crimen, pero eso es lo de menos. Nos importa y nos fascina la ambigüedad de sus personajes, sobre todo el de Bogart. Esa amargura que desprende, con una historia detrás de la que sabemos poco, estuvo en la guerra, pero nada más. Otro inadaptado de la  postguerra? Mucho tiene que ver el maravilloso título, esa soledad, de un mundo tan particular. 

Un drama romántico apasionante..... Amor fou

Como os decía antes es muy vanguardista. Han pasado más de sesenta años y como si nada. Posiblemente esta historia no sería políticamente correcta rodarla ahora. Bogart destila violencia de género por los cuatro costados. Pero también tenemos hacia él un sentimiento de compasión muy grande. Gran contradicción en la sociedad actual.

Los entresijos del amor desde la óptica de la destrucción de la pareja. 

Esas miradas lo dicen todo

El personaje de Humprey Bogart recupera la alegría al conocer a la vecina Grahame. Vuelve a recuperar toda su capacidad creativa, está feliz, pero ella, ay ella! donde todo parece amor, también hay desconfianza, y ya se sabe... 

Personajes espléndidamente interpretados por  Bogart y la maravillosa Gloria Grahame.
Bogart quería que el papel lo interpretara Lauren Bacall, pero su contrato con la Warner no hizo posible su quinta película juntos. Se barajó también el nombre de Gingers Rogers. Pero al final el propio Ray fue el que propuso a su mujer por entonces... Gloria Grahame

Que actriz tan estupenda y a menudo olvidada. "Cautivos del mal" (Oscar actriz secundaria), "Los sobornados", "Deseos Humanos", etc,  son alguna muestra de las grandísimas películas que interpretó. Seguramente una actriz nacida para interpretar estos papeles de cine negro. 

Como curiosidad, Nicholas y Gloria estaban en trámites de separación. Pero el secreto duró en todo el rodaje de la película. El director dormía en los mismos estudios, aludiendo que necesitaba preparar el día siguiente del rodaje. 

Erotismo, misterio, deseo, pasión.... y belleza.

De Humprey Bogart poco que decir. Uno de los más grandes, sin duda.

Un punto flaco en nuestro país ha sido el doblaje. Pésimo. 

Como anécdota y como defensor a ultranza de la versión original, os contaré que después de muchos intentos conseguí que un amigo viera una película de este actor en VO. La sorpresa fue mayúscula. Ante ese tono de voz, ese timbre tan característico de Bogart, mi amigo quedó perplejo. "Ah, pero habla así?", esta fue su respuesta. 

De los grandes y un icono inmortal.

La fotografía en blanco y negro de Burnett Guffey es antológica. Tremendamente elegante como ya demostró también en "De aquí a la eternidad" y "Deseos Humanos".  Muy sencilla y extremadamente bella.

Luego está el uso de la profundidad de campo. Sensacional. Ray rueda de manera excepcional. Movimientos de cámara lentos, tranquilos, en una total armonía. Diálogos fuera de plano. En muchas ocasiones las miradas de los actores lo dicen todo.

Hace tiempo me preguntaron por mi lista de las películas más románticas que había visto. No lo dudé por un instante, "En un lugar solitario" está entre las diez primeras. Y entre las mejores que he visto, las de mi vida, también, todo hay que decirlo. 

Película redonda de un maestro del cine. Nicholas Ray

Un director que no tuvo mucho éxito, ni la crítica le acompañó en su momento. Tuvo que ser en Francia, los críticos de "Cahiers du cinéma", quien pusieran las cosas en su sitio y promulgaran a los cuatro vientos las excelencias de este director. 

Si queréis pasar unos intensos noventa minutos de cine excepcional, esta es vuestra película.

Una belleza realmente salvaje

Título lleno de amargura y desesperanza

Nicholas Ray

Entrada dedicada a mi amigo Vake, que le gusta mucho Bogart. 

Tyrannosaur (Redención) y El éxotico Hotel Marigold..... dos estrenos british

Con una cartelera tan rara en estos últimos fines de semana, es difícil encontrar alguna propuesta interesante. Hoy os voy a comentar dos estrenos totalmente diferentes. Una ópera prima y la última película de un director que era muy prometedor, pero que no termina de funcionar.

Tyrannosaur (Redención). 2011.

Director: Paddy Considine

Guión: Paddy Considine

Música: Chris Baldwin, Dan Baker

Fotografía: Erik Wilson

Reparto: Peter Mullan, Olivia Colman, Eddie Marsan, Ned Dennehy, Sally Carman

Un póster realmente bueno.

La película nos cuenta la historia de un viudo alcohólico, extremadamente violento. Por casualidad conoce a una mujer muy religiosa, en la cual encuentra cierta esperanza de cambio, de redención.

Al principio chocan. Son dos polos opuestos. Él se burla de ella, pero poco a poco empieza a descubrir que la vida de ella tampoco es un jardín de rosas, al contrario es un auténtico infierno lleno de dolor.   

El "debutante" Paddy Considine.

Debut tras las cámaras del actor Paddy Considine. 

Una película con muy buenas críticas.

En los diferentes festivales ha sido todo un éxito.Premio especial del jurado en Sundance y al mejor director. Mejor película, director y actriz en los British Independent Film Awards. Mejor debut británico en los BAFTA, etc...

Tyranossaur es una película dura, muy dura. 

Tras este estupendo título (en español es lamentable), se esconde una oscura, violenta y sobre todo incómoda película. 

El director nos muestra a los personajes como animales heridos, bestias que deambulan por su vida, completamente destrozada. Sacan a la luz y nos muestran ese ser primitivo que llevan dentro, la lucha por la supervivencia,... de ahí ese título. 

No hay moralejas, ni nada parecido, ni por supuesto finales felices..

No es la 4ª o la 5ª parte de Jurassic Park, que no se equivoque nadie. Ojo que a más de uno se le pueden atragantar las palomitas...

Ya desde su escena inicial, el director nos muestra las cosas claras. Vemos a lo que vamos a asistir.

Película pequeña, con mucha fuerza, y con algún altibajo en el guión (sobre todo no nos queda muy claro algunas de las acciones del protagonista, pero es que a lo mejor no hace falta buscarlas. En la vida real no todo tiene su porqué).

Asistimos perplejos a una relación enfermiza, a una violencia de género excesiva pero muy real.

No es una historia muy original, pero está francamente bien hecha. 

Un estudio de unos personajes francamente triste y desolador. A mi me provocó bastante angustia y desazón. 

Dejo para el final, lo que sin duda es lo mejor de la película: sus Intérpretes. Sensacionales, espléndidos, magistrales, y todos los adjetivos que creáis convenientes. 

Olivia Colman francamente desconocida. Salvo en "La Dama de Hierro" no la había visto nunca.

Tiene una carrera basada en televisión. Aquí borda el sufrido papel de Hannah.

Pocas veces hemos visto a una mujer expresar el miedo de esta manera.

Y luego está Peter Mullan. Sublime, realmente sublime. No es un actor que me apasione. Desconozco la razón,  pero me produce antipatía.

Pero los méritos son los méritos, y aquí tiene muchos.

Un primer plano de este tipo en esta película vale más que cientos de interpretaciones.

La furia e ira que demuestra es palpable en cada uno de los fotogramas.

Le hemos visto en películas de Ken Loach, Danny Boyle, Winterbotton, incluso en la última de Spielberg "War Horse". Pero como aquí, en ninguna. Realmente un trabajo abrumador. 

También esta muy bien Eddie Marsan, en el papel del marido maltratador. Esa mirada que tiene, da un miedo atroz, los pelos como escarpias...

En definitiva una buena película, muy interesante. Difícil de ver, áspera, no apta para todos los paladares. 

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El exótico Hotel Marigold. The Best Exotic Hotel Marigold.  

Director: John Madden

Guión: Ol Parker -Novela: Deborah Moggach-

Música: Thomas Newman

Fotografía: Ben Davis

Reparto: Judi Dench, Bill Nighy, Maggie Smith, Tom Wilkinson, Celia Imrie.

El retiro de unos personajes británicos en un hotel "selecto" de la India.

Todo parecer ser comodidades y placer, pero "no todo es oro lo que reluce..."

Una comedia. Del director de Shakespeare in Love. Muy sencillita, agradable, que intenta entretener pero lo consigue a medias.

Lo mejor de la película son sus estupendos protagonistas. Actores de renombre que aquí logran mantener la película. Porque si no fuera por ellos, se iría todo al carajo. 

El guión es muy flojito. Madden no nos muestra un brío, una fuerza suficiente para que no caigamos en la monotonía y el aburrimiento. Son dos horas con muchos altibajos. 

Todos nuestros personajes quieren cambiar su vida. Para ellos, su estancia en el Hotel supone muchos cambios. Pero ya sabéis, los cambios a veces salen bien y otras... fatal. 

Hay momentos divertidos y tristes. Pero poco más podemos apreciar en ella. Es poco para una película del siglo XXI.

Madden es un director muy sobrevalorado. Le "toco la lotería" con Shakespeare y nada más. Y tampoco era para tanto. 

No puedo evitar pensar en una versión "cañí". En un hotelito de Benidorm. Ahí estarían Alfredo Landa, Concha Velasco, Juan Luis Galiardo, Amparo Baró, etc... Nos íbamos a reír más, seguro. 

Sin muchas más pretensiones que entretener, no lo consigue del todo.

Por cierto, tengo que decir, que muy a mi pesar la vi doblada (no tenía otra opción), y es realmente lamentable. En fin...

Judy Dench & Celia Imrie

Que gran actor es Tom Wilkinson

Cuentos de Tokio y Yasujiro Ozu.... Poesía Zen.

Vivimos unos tiempos convulsos. Sin duda. Y eso se refleja también en el cine.

Cada vez son más las películas que a base de explosiones, acción sin limite, mundos imaginarios con ordenador, terror gore, sangre, en definitiva "mucho ruido y pocas nueces", nos intentan entretener.
Al parecer es lo que gusta y llena las salas. Pero de todas estas, buenas, pero buenas películas una de cada cien. 

Nos marean con movimientos de cámara, montajes con innumerables planos,... nos quieren volver locos!!

Necesitamos cine puro, sin elementos artificiales.
Volver a los orígenes no esta nada mal. Hace unos días en un blog amigo aquí se reflexionaba sobre volver a los valores, a la era de Frank Capra... sin duda sus películas son una muestra maravillosa que deberíamos recuperar.

Así que no estaría mal, echar la vista atrás y reflexionar sobre un maestro. Un director japones, que nos enseño la vida de otra manera. Un trozo de vida dentro del cine, el más "sencillo" de los realizadores.....Yasujiro Ozu, uno de los más grandes. 

No he visto todas sus películas. Reconozco que cuando un director me apasiona (Ford, Hawks, Wilder, Ophüls, etc) intento ver todas. En este caso es muy difícil sobre todo su etapa muda. 

Tengo la inmensa suerte, de que hace unos cuantos años, pude ver unas cuantas en pantalla grande. ¡Con respeto y emoción iba a ver una película de Ozu en el cine!

Os aseguro que es una experiencia única. Vivir y sentir lo que nos cuenta este gran director japonés es algo inigualable.

Os recomiendo toda su filmografía. Está llena de Obras Maestras. En este caso y para no extenderme mucho os recomiendo tres.

Cuentos de Tokio. Tokio Monogatari (1953).  

Su película más conocida.
La historia de una pareja de ancianos que viaja a Tokio para visitar a sus hijos. 

Se encuentran que sus hijos no tienen tiempo para ellos. Deciden enviarlos a un balneario. A su regreso se encuentran con la viuda de uno de sus hijos que les muestra todo su afecto y cariño.

Con este argumento tan sencillo, Ozu construye una historia sobre la familia y la vejez sencillamente única.

Una historia triste y emocionante. Real como la vida misma. La vejez como estorbo para los demás, incluido los propios hijos.

Es realmente duro comprobar como cuando se llega a esas edades la vida te decepciona. Por muchos hijos que tengas, la soledad te acompaña hasta el fin de tus días. 

Ozu nos lo muestra de manera brillante. Una atmósfera familiar única. 

Con su manera tranquila de contarnos las cosas, asistimos a un drama existencial y humano que nos deja tocados.
Melancolía sería la palabra exacta. Un sentimiento japonés único. Lo sienten en cada una de las cosas. Por ejemplo, en una flor ven lo maravilloso, el disfrute de ella, pero también la contemplan como algo efímero y su consiguiente tristeza.
Sentimientos contradictorios. 

Su estilo es muy simple y a la vez exquisito. Rueda como nadie ha rodado. Copiado por muchos, pero nunca igualado.

Son planos con cámara fija desde un ángulo bajo, casi a ras de suelo. El porqué de estos planos tienen su razón en una tradición japonesa. La mirada de un adulto sentado en cuclillas en su cojín, es la misma que vemos en sus películas.

Tradición y poesía 

Prácticamente no hay movimientos de cámara, ni primeros planos. Con una puesta en escena muy estudiada, casi matemática Ozu nos regala historias inolvidables.

Por cierto, no hay movimientos de cámara, pero existe un travelling en esta película que es de los más grandes y estremecedores de la historia del cine. El anciano esperando otro nuevo día y su esposa.... ah! en fin, tenéis que verlo, sentiréis que el corazón se os encoje....me emociono de solo contarlo.

Creo que es una buena lección para comportarnos de otra manera. Valorar más todavía a nuestros padres y progenitores. La vida avanza de manera irremediable...

Una Obra de Arte imprescindible

Primavera tardía. Banshun. 1949     

La historia de Noriko. Una mujer soltera, ya mayor, que su padre desea casarla.

Como buena hija, Noriko cuida de su padre viudo, al que quiere y del que no desea separarse. Éste, por su parte, no quiere ser egoísta ni retenerla a su lado. La aconseja y guía a que se case.

Pero Noriko, es sencillamente feliz. Su soltería y la compañía de su padre le agrada. No quiere cambiar de vida.

Otra historia sencilla.... hermosa.

La misma manera de rodar, sin artificios, nada se sale de lo normal... que maravilla!

Lentamente asistimos a la vida de estos personajes, al drama de lo cotidiano, al miedo a la soledad.

No hay otro director que consiga expresar de una manera tan natural la cotidianidad. Lo que es complicado en otros, Ozu es un maestro, lo domina a  la perfección.

Es lo más parecido a introducirse en una casa japonesa de mediados del siglo pasado y ver lo que ocurre dentro de ella.

Otro retrato de una familia, de clase humilde, lleno de valores, tan perdidos como necesarios.

El título de la película hace referencia al despertar tardío de la protagonista. El miedo a la nueva vida. El matrimonio y la constitución de otra nueva familia. 

Como sucede en  “Tokio monogatari”, se mezclan las costumbres ancestrales japonesas con las nuevas, adquiridas de occidente.

Por cierto, que maravilla ese elemento simbólico del tren presente en muchas de sus películas. 

Sencillamente sublime 

Buenos días. Ohayo (1959). 

  

Por último os quiero recomendar una comedia. No todo van a ser dramas y tristezas.

Otra historia familiar más. Son los años 50 en Japón. Una familia cualquiera con sus problemas y sus sueños.

La vida doméstica, el problema del trabajo, la educación de los hijos, la obsesión de estos por tener una televisión en su casa y su famosa huelga de silencio hasta conseguirlo...

Cambio de registro de Ozu. Rueda una comedia, con un fino humor, muy cercano al de John Ford. 

Ritmo pausado, sencillo, bellos y matemáticos encuadres (por cierto que muchos de ellos, de cualquier película suya, podrían estar perfectamente en cualquier museo del mundo).

"Buenos días" posee un espléndido guión lleno de matices. Es pura sutileza. Pequeños detalles, una puesta en escena en color maravillosa, muy optimista. Un monumento a la sencillez inigualable.

Una secuencia final inolvidable. Otra vez el tren...

No es su película más conocida, pero seguramente sea la más cercana al gran público. Recuerdo hace muchos, muchos años cuando en Televisión Española progamaban buen cine. "Buenos días" fue uno de los títulos más comentados. Todavía se la conoce como " la japonesa de la television y los niños".

Os puedo recomendar muchas más Obras Maestras, como: Había un padre (Chichi ariki. 1942); Las hermanas Munekata (Munekata kyodai. 1950); Otoño tardío (Akibiyori. 1960), etc.. Seguramente que daría para un montón de entradas. Pero lo mejor es descubrirlas, disfrutar de joyas imperecederas. Películas que nos llenan los ojos de vida, de valores que lamentablemente los estamos perdiendo.

Para el que no lo conozca ni haya visto alguna de sus películas, os diré que Ozu está a la altura de los más grandes. ¿A la altura de John Ford? ...Son palabras mayores pero casi. 

No habrá nunca un director con un Cine tan puro como este. Si buscamos la perfección absoluta, seguramente la encontremos en Ozu.

Un director enorme