miércoles, 26 de marzo de 2014

Critica. Moebius de Kim Ki-duk




"El dolor es inevitable pero el sufrimiento es opcional"
(Sidhartha Gautama. Buda)

Uno de los directores más libres y personales que existen se está (lo están) arrinconando cada día más con sus nuevas y delirantes propuestas. Cada vez cuesta más que sus nuevas obras logren un hueco en la cartelera de nuestros cines. Kim Ki-duk es un tipo extraño, muy extraño. Lejos de modas y postureos, él sigue a lo suyo. Sus películas pueden gustar más o menos, pero lo que está claro es que no engaña a nadie, o las tomas o las dejas, o las amas o las aborreces. Un extremista del celuloide que tenemos que intentar que no se agote y nos deje plantados ante sus maravillosas locuras. 

La última en entrar en escena es Moebius y llega para no dejar indiferente a nadie. Kim Ki-duk (desde ahora KKD), nos sumerge en una historia perversa y sórdida, para mostrarnos la extrema bajeza del ser humano de una manera muy perversa e incluso cómica. 


moebius kim ki-duk


Presentada en el Festival de Venecia del 2013, arrastra una gran polémica por sus escenas de sexo y violencia, donde campan a sus anchas la violación y el incesto. 
Rodada sin diálogos, como si de un film mudo se tratara, los personajes no tienen nada que decir pero sí mucho que mostrar. Padre-madre-hijo y amante son cuatro seres bien distintos francamente despreciables, que se aman, se odian y se necesitan¿?. Triángulo amoroso, síndrome de Edipo, Santa Trinidad con inquilino repleta de destrucción que nos lleva ante un final que roza el paroxismo del buen gusto y de la razón.

Otro gran intérprete de la película es la Religión. Aparte de regalarnos una de las mejores y más fascinantes escenas del cine moderno, la adoración linterna en mano de la imagen de Buda, el Budismo que ofrece KKD es un camino original y retorcido. El sexo para conseguir felicidad y placer, sentimiento efímero necesario que es mostrado por el director de múltiples maneras depravadas e insanas. Sexualidad como uno de nuestros deseos mundanos y como alcance de la iluminación. Para el budismo el sexo no es bueno ni malo, simplemente es. Solo a un tipo como este se le puede ocurrir mostrarnos como alcanzar el orgasmo onanista mediante el dolor y el masoquismo. 
Y como no, el Cristianismo y los conceptos de perdón, arrepentimiento, culpa, redención y castigo, muy habituales en la obra del director coreano.


La película contiene casi todo lo peor del comportamiento del ser humano.Como eje de la historia un castramiento (o dos...) y alrededor un mundo enfermizo que observa y actúa, pasiones y dolor llevadas a un extremo insospechado. 
Los tres actores que interpretan al cuarteto protagonista cumplen de manera notable. Sin mediar palabra alguna todos los sentimientos son perfectamente ejecutados y mostrados en el tour de force que les plantea el director. 

Muchos acusan de ridícula a Moebius, y razón no les puede faltar. Son muchas las escenas en donde esbozamos una sonrisa, hasta vomitamos una carcajada, pero enseguida esa mueca se nos hiela para mostrar otra totalmente distinta que nos remueve tripas y estómago. La fina línea del ridículo está presente a lo largo de todo el metraje, pero KKD es un maestro en no traspasarla. Al igual que en películas anteriores sale airoso del reto y nos vuelve a lanzar otro puñetazo en la cara sin que nosotros podamos esquivarlo. 


moebius kim ki-duk


La cámara vuelve a ser sucia y descuidada. Recuerda mucho a una de sus últimas obras, la estupenda e incomprendida "Amén", pero en el aspecto técnico mucho más cuidada, sobre todo en el apartado sonoro. KKD rueda de manera convulsa como la propia historia, con algún zoom que puede asustar a más de uno pero que no desentona en absoluto con la narración. 

Cine diferente no apto para todos los públicos, con un arranque tremendo y demoledor. Sus primeros veinte minutos es de lo mejor que nos ha dado su cine. Luego ya metidos en esta montaña rusa de la locura es difícil bajarse. Hay que aguantar todo el viaje, con subidas y bajadas, para acabar medio noqueado ante la propuesta tan radical y temeraria de este director tan polémico como necesario. 
Avisados estáis. Luego no quiero escándalos....


"Nadie puede librar a los hombres del dolor, pero le será perdonado a aquel que haga renacer en ellos el valor para soportarlo"
(Selma Lagerlof)






moebius kim ki-duk


moebius kim ki-dukmoebius kim ki-duk


kim ki-duk

viernes, 28 de febrero de 2014

Duelo de Titanes: Critica. Her de Spike Jonze




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Moverse en el Filo y Caer al Precipicio: La Superficialidad Anodina de Her, por David Amorós

Los dos primeros largos dirigidos por Spike Jonze nos revelaron uno de los caracteres más alucinantes y talentosos del reciente cine americano. Tanto Cómo ser John Malkovich como Adaptation. (El ladrón de orquídeas) nos explicaban historias de egos terribles y de procesos de creación dolorosos que pese a la correcta dirección, no nos engañemos, basaban la mayor parte de su genialidad en un guión muy original y que funcionaba en lo íntimo pero también en lo universal. Pero Charlie Kaufman (guionista de ambas y  de otra maravilla que por aquí se tituló ¡Olvídate de mí!) dio el salto a la dirección (con un resultado mucho menos genial que en las películas aludidas) y dejó a Jonze y a su otro gran beneficiado, Michel Gondry, con la obligación de construir sus propios guiones para sus películas. Y claro, nada fue lo mismo.

Dejemos a Gondry que hoy no toca y hablemos de Spike Jonze y en especial de su última película, la mediocre y fallida Her (tras la también bastante lamentable Dónde viven los monstruos que hacía presagiar que el Jonze escritor era insulso y falto de talento). En Her, Jonze nos propone una temática a priori muy atractiva pero que, por moverse en los límites de la credibilidad, necesita de un tacto genial a todos los niveles para no caer en lo ridículo. En un futuro cercano un hombre sensible que ha sufrido una ruptura amorosa se convierte en un solitario inadaptado y termina por enamorarse de un programa informático de última generación con voz de mujer que en su afán por asemejarse a los humanos también se enamora (o cree haberse enamorado) de él. La idea de mostrar como en el futuro nos vamos aislando con la tecnología hasta el grado que la película explica podría haber resultado francamente genial y reveladora. Pero el resultado deja mucho que desear.

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Para empezar tenemos que ubicar al personaje de Joaquin Phoenix (lo siento, pero me parece muy sobreactuado, como tantas veces). Y claro, el tío era un hombre genial y vital y la alegría de la huerta hasta que fíjate tú, la buena de Rooney Mara lo abandonó. Para mostrar tan terrible desgracia vamos a tirar de flashes, cada uno de los cuales es un vergonzoso tópico, acompañados de una lamentable fotografía teóricamente preciosista con mucho rayos de sol (cuánto daño ha hecho Malick al cine reciente), pero permitidme, muy cursi, muy poco personal, en que se vea lo doloroso de la ruptura y nos haga sentir la pena necesaria por ese ser que ahora es el pobre Phoenix, devastado. Como está tan solo termina por mantener una relación de cierta amistad con un programa informático con voz de chica (la de Scarlett Johansson) de la que termina por enamorarse. Todos los tópicos de robots que ansían tener sentimientos están aglutinados en la intención de la Scarlett por sentir, por amar, por descubrir las cosas de que gozamos los humanos y los sistemas operativos se pierden (sic). Muy original todo, como podéis ver. Y la voz de Scarlett de pavoneo continuo (incluso su torpe canción), chirriante, indigna de un “ser” teóricamente superior, no hace más que estropear el presunto encanto de esa señorita ¿artificial? que ansía evolucionar a otro estado. Pero aún y así podría haber buenos momentos. Jonze no dirige mal, el tema podría llegar a ciertas verdades, a momentos de tristeza generacional. Pero no. La mayoría son ridículos. Esa escena con fundido a negro con los dos amantes haciendo el amor da tanta vergüenza ajena que me sentí incómodo en mi butaca de cine. El Phoenix loco de desamor corriendo y tropezando por ese LA brumoso (un acierto de la película, que por cierto ya se ha hecho en 2574 ocasiones en cine) es de traca y ese picnic con otra pareja ni os cuento. Los ataques de celos de la señorita instalada en el ordenador no tienen ninguna justificación. No solo tiramos de tópicos si no de trazo grueso en todos los aspectos de la película. Tiene que haber celos, pues los hay, aunque estén metidos con calzador. Solo el buen hacer de Amy Adams podría conmoverme (si no fuese porque su historia está mal construida y con golpes de efecto interesados).
En fin, un despropósito, una pena que me desilusionó muy pronto y que me aburrió de forma escandalosa. Y lo peor, ya no confío demasiado en lo siguiente de Spike Jonze. Veremos…

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All You Need is Love, por Ciudadano Noodles


Dejemos claro desde el principio el camino a elegir. La última gran película de Spike Jonze, Her (la anterior era un desastre y ahí si coincidimos amigo), la podemos apreciar de dos maneras. Unos promulgan el sentido distópico de la historia. Un cuento futurista en donde la tecnología campa a sus anchas absorbiéndolo todo. Las personas han dejado casi de serlo para dar paso a una revolución de las máquinas. Es curioso, como otro nombre importante como el de Terry Gilliam basa su discurso de su nueva y excelente película The Zero Theorem en eso, en la extrema esclavitud tecnológica.
Pero lo que nos atañe ahora es la película de Jonze, con una ambientación a caballo entre lo vintage y por qué no decirlo diseño Ikea, trasportándonos a un futurista y triste Los Ángeles en cromado color pastel y repleto de rojo y naranja, sol y atardeceres. Ciudad perfecta en la que no apreciamos coches y en donde los  apartamentos son perfectos. En este aspecto mucho tiene que ver la excelente  fotografía de Hoyte van Hoytema. Ambientación y vestuario (¡esos impagables pantalones por encima de la barriga!) se mezclan de manera notable.

her



Pero donde sobresale Her por encima de todo y es el camino que hay que coger y aferrarse fuertemente a él, es en la historia de amor y soledad con mayúsculas que nos cuenta. Y es que en las cosas más sencillas es donde radica la belleza, y si no que se lo pregunten a Jep Gambardella.
Spike Jonze ha creado una extraordinaria historia de amor. En Her asistimos a las múltiples facetas que ofrece este sentimiento tan maravilloso y doloroso al mismo tiempo. Porque no solo habla del amor de un tipo extraño y una máquina, no. Habla de la ruptura, de cómo superarla, del posible amor que tenemos a la vuelta de la esquina, y como no de la soledad. La pérdida del amor genera un angustioso sentimiento de soledad tan grande como el mismísimo LA.
El personaje de Theodore interpretado (otra vez) de forma excepcional por Joaquin Phoenix es uno de tantos seres solitarios y melancólicos en plena transición de ruptura, que deambula en busca de amor o de sexo, o de lo que diantres sea en sus días melancólicos y noches solitarias. Como decía antes un tipo raro y especial,  pero como dice un personaje en la película “¿no son raros todos los que se enamoran?, una locura socialmente aceptable”. Phoenix nos ofrece una desgarradora interpretación llena de emoción y sentimientos que vuelve a proclamar al actor como uno de los mejores de su generación.
Dos amores secundarios, el pasado encarnado en Rooney Mara,  y el futuro-posible en el papel de Amy Adams. Dos papeles que aportan a la vida de Theodore el desasosiego y el consuelo, sencillos pero necesarios. Y luego, claro está, el amor principal, Samantha. Y oh! Sorpresa, es un sistema operativo al cual presta la voz Scarlett Johansson, y que vemos literalmente. Porque al igual que un libro nosotros tenemos ventaja, sabemos quién es y ponemos imagen a la tecnología.
La relación comienza con incertidumbre, pero poco a poco vemos cómo se va gestando una historia de amor tan especial como bella y delicada. Una historia universal en donde hay cabida para el amor, el sexo y los celos. Momentos, secuencias y escenas tan extraordinarias como la primera noche de amor, que acertadamente el director funde en negro para dejarles a solas, o el terrible alquiler de un cuerpo para hacer efectiva su relación. Una secuencia que directamente nos provoca terror y lástima.
Al igual que otros no humanos como Hal 9000 de 2001, o el replicante Roy de Blade Runner, este sistema operativo, Samantha, intenta revelarse y ser algo más. Busca la vida real, el contacto con la persona amada, su aliento, su calor.  Samantha anhela y ama un sueño, al igual que Theodore, el cual busca su salvación a través de la tecnología. Dos metas difíciles de conseguir, flirteando con la no-realidad pero encontrando el amor más apasionado.  Y es que Spike Jonze nos muestra una conexión-desconexión emocional primorosa, rodada con una especial delicadeza y melancolía que se apodera de nosotros. El fino humor que ligeramente aparece queda enterrado ante la apasionada historia de amor y soledad que se nos muestra. 
Jonze rueda este nuevo enamoramiento como un nuevo proceso de aprendizaje, tanto para el humano como para la máquina, indagando en todo aquello que la vida nos ofrece y que debemos percibir en nuestros sentidos.
Her no es ciencia ficción, es una realidad reconocible. Es amor, es el peligro ante una de las peores condenas para el ser humano, la soledad. Son los recuerdos, tan presentes una y otra vez en cada una de nuestras vidas. Pero sobre todo es gran cine, una pequeña y sencilla historia de amor aderezada con el estímulo de un hipotético futuro.

Her acaba en una azotea con dos seres perdidos en el universo pero más cercanos de lo que ellos piensan, tan solo una pared les separa. El amor tan caprichoso como siempre. 

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lunes, 17 de febrero de 2014

Americana Film Fest. Cronica Cine Indie de Barcelona.



¡Que maravilloso es ver un cine abarrotado de gente! Particularmente me entra una inmensa alegría cuando veo esas colas para ver una película.

Confieso que hace mucho, pero mucho, que no veía tanta pasión y audiencia. El cine cada vez más diversificado se ha ido degenerando en muchos aspectos. Demasiadas salas en centros comerciales, busca de la comercialidad por encima de todo, poca calidad y poca valentía, la famosa piratería, etc.
Este último aspecto daría para un gran debate, porque varias de las películas que hemos visto en este festival sus descargas están al alcance de cualquiera. Pero el público ha acudido en masa a verlas en pantalla grande. ¿Entonces que sucede? Se están haciendo muy mal las cosas a nivel general. Muchos cines y distribuidores deberían tomar muy buena nota de lo que sucedido en estos cuatro días en el Americana Film Fest. El éxito ha sido total. En ocho de las doce sesiones programadas se ha colgado el cartel de no hay entradas, todo un exitazo. La respuesta ha sido excepcionalmente buena y muy grande. 
Ha sido un verdadero placer ver a los organizadores repletos de felicidad, agotados por el enorme trabajo realizado, pero con una sonrisa de satisfacción tan grande como hermosa. Cuando los sueños se convierten en realidad eres el más feliz del planeta tierra. 

Once películas programadas en cuatro días. Todas bajo el sello indie, pero bastante distintas en temática y resultados. 



Inauguración: The Kings of Summer. Director: Jordan Vogt-Roberts



americana film fest

Un cuento melancólico sobre la adolescencia que ha recogido excelentes críticas. La película del debutante Vogt-Roberts es interesante aunque no nos cuenta nada nuevo que no hayamos visto anteriormente. 
Cine de amistad y de tópicos que precisamente no es lo que mejor funciona en la película. Que se haga una casa en el bosque, se muestre el estilo de supervivencia o trate la relación amistad-rompe-amistad son aspectos demasiado banales dentro del film. Lo mejor de él, es la manera de mostrarnos ciertos momentos de esta típica relación, con algunas imágenes cautivadoras como es ese instante "musical" golpeando la tubería y bailando encima de ella. 
Aparte, es contradictorio el montaje tan extraño de la película, funcionando en varios momentos y en otros no tanto. Los protagonistas cumplen con sus roles, destacando la figura del pequeño y extraño "Biaggio" (Moises Arias). En cambio el principal protagonista (Nick Robinson) no me acaba de convencer. Un título mezcla de lo ya visto y de algo diferente al aportar un extraño sentido del humor.  




Audrey the Trainweck. Director: Frank V. Ross


americana film fest

La primera película del viernes nos ofrece un mumblecore a descubrir. Un género que ha captado muchos adeptos, supongo que debido a su falta de pretensiones y a su humildad. Películas "sucias" de bajos presupuestos que se codean con el drama y la comedia y que en los últimos años de vez en cuando nos ofrecen una joya que se convierte en un pequeño éxito. Sin remontarnos mucho tenemos la estupenda "Buscando un beso a medianoche" una de las cimas del género.
En esta ocasión y bajo este título tan desconcertante nos encontramos con una deliciosa comedia con tintes dramáticos en donde el estupendo guión se apodera de todos nosotros para contarnos las vicisitudes de varios personajes cotidianos, sus conversaciones tan triviales como importantes y la búsqueda de la felicidad y el amor por encima de todo. Un título que se destapa como uno de los mejores en donde funciona casi todo de manera perfecta. Ah, y con un final estrambótico que nos hará salir con una sonrisa. 




The Motel Life. Director: Alan Polsky & Gabe Polsky


americana film fest


Tenía cierta expectación por ver este particular Cowboy de Medianoche del siglo XXI, pero lamentablemente se ha quedado muy lejos de cualquier comparación posible. La película no me ha gustado.
El film narra la historia de dos inseparables hermanos que se ve truncada cuando uno de ellos es partícipe en el accidente mortal de un muchacho.
La película nunca acaba de posicionarse en ninguna de las historias que toca. Demasiados cabos sueltos sin atar, idas y venidas de personajes que no acaban de funcionar. Sugerentes son sus inserciones de historias de animación que funcionan a medias. 
Un estrepitoso guión y unas interpretaciones forzadísimas en donde sobresale en el lado negativo Stephen Dorff, un verdadero espanto. 








The Retrieval. Director: Chris Eska


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Después de la decepción vino la gran sorpresa del festival. Sin duda alguna podemos afirmar que ha sido la mejor película que he visto.

Nada o muy poco se sabía sobre ella. Ni siquiera está estrenada en USA. Un hecho muy sorprendente, ya que la película de Chris Eska lo tiene todo para gustar y por qué no para triunfar. 
Si "12 años de esclavitud" no nos ofrecía nada nuevo y se posicionaba en otra película sobre la esclavitud sin más, aquí The Retrieval, sorprende a propios y extraños para narrarnos una historia diferente sin buenos ni malos, con un aroma a cine clásico excelente.
Un extraño y hermoso western, con un sólido guión y unas estupendas interpretaciones. Sin prácticamente presupuesto, pero con un talento excepcional, Chris Eska rueda, escribe y monta la película con un resultado magnífico. 



Drinking Buddies. Director: Joe Swanberg


americana film fest
La jornada del viernes finalizaba entre cervezas. Y es que aparte del título en cuestión, los organizadores hicieron el pase más desenfadado al incluir en la entrada una birra para cada asistente, todo un acierto.
En Drinking Buddies apreciamos un oficio mucho mayor que en las precedentes. El director es el más veterano de los que nos vamos a encontrar. Más de una decena de títulos le amparan algunos de ellos como "Alexander el último" una película importante dentro del género.
De nuevo personajes y lugares comunes. La película comienza muy bien y atisbamos lo que va a suceder a lo largo de ella. Pero cuando la historia comienza a tener forma, un cierto estanqueamiento hace que perdamos atención sobre ella. Y es una verdadera pena. Los actores funciona perfectamente y las situaciones y ambientación, una fábrica de cervezas, podrían haber dado para mucho más.
Menos mal que Swanberg cierra el film de manera excelente, con el plano de nuestros protagonistas en otra de sus comidas, genialmente rodado. Por cierto, ¿por qué en el poster el actor Jake Johnson sale afeitado, cuando en la película sus barbas son una seña de identidad? 





americana film fest
La jornada de el sábado comenzaba con la sesión homenaje al recién desaparecido Philip Seymour Hoffman. La película elegida fue la única como director del gran actor, Jack Goes BoatingUn título bastante desconocido y que gracias al festival muchos han podido recuperar.
La proyección fue presentada por Marta Forns integrante de la organización del festival y que además fue ayudante de dirección en la película. 
Jack Goes Boating es más emocionante por lo que ahora significa que por lo estrictamente cinematográfico. Es difícil no verla sin sentir un pequeño nudo en la garganta.
Muy irregular en resultados, lo mejor de la película es el personaje de Hoffmann seguramente muy cercano a su vida real, una especie de alter ego siendo un tímido encantador. 




American Promise. Director: Joe Brewster y Michèle Stephenson. 


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En cualquier festival que se precie no puede faltar un documental. Un género que en los últimos años ha ganado en adeptos y en calidad. En esta ocasión nos encontramos con otra de las grandes sorpresas de Americana. 
Un título de casi dos horas y media de duración que ponía en alerta nuestra señal de aburrimiento. Pero la apuesta personal de uno de los organizadores salió redonda.

American Promise es un excelente documental que nos atrapa desde el primer fotograma para llevarnos por la vida de dos chicos desde su niñez hasta casi el fin de su adolescencia.
Rodada de manera muy íntima, es un valioso documento sobre educación, docencia y vida.
Dos niños de color que comienzan en un prestigioso colegio de blancos, y que la vida se encarga de separarlos por caminos diferentes pero no de apartarlos de su meta final. Muy recomendable. 







In a World... Director: Lake Bell


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Otro de los grandes títulos del festival.
La comedia como género tienda a ser muy menospreciado y desprestigiado. Parece que reírse en el cine no es tan importante como sufrir el mayor de los dramas posibles. Recordemos que el cine es un puro entretenimiento y da igual el sentimiento que recibamos de él. Por mi parte si veo una buena comedia que me haga reir y me entretenga durante toda la proyección la aplaudo igual o casi más que otro género. 

Hacer reír es una de las cosas más difíciles que existen y la directora, guionista y actriz principal Lake Bell lo consigue. Con aires de comedia clásica, con equívocos, y deliciosamente rodada, In a World consigue que durante noventa minutos nos olvidemos de todo y nos divirtamos con esta historia tan original en su planteamiento como tan clásica en resultados. Ganadora al mejor guión en el pasado festival de Sundance es un título que no hay que perderse. 








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Short Term 12. Director: Destin Cretton. 



Posiblemente el plato más fuerte de todo el festival. Una de las películas indies más aclamadas de los últimos años.
Gran expectación ante ella, y lamentablemente se quedó en eso. Decepción absoluta ante este título tan venerado.
Está claro que en ella encontramos mucho más oficio y mejor realización que en otras que hemos visto. Pero en donde falla de manera notable es en su mediocre guión. El comienzo del film es francamente bueno, pero a medida que avanza el metraje los tópicos se van apoderando de la historia para coquetear directamente con un telefilm de mediodía. Buena factura e interpretaciones pero poco más. Una verdadera lástima.
Por cierto, Americana nos anuncia que al final sí se estrenará en nuestro país.  








Upstream Color. Director: Shane Carruth.


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No todo iban a ser historias más o menos "normales". En Americana también hay cabida para lo extraño y lo polémico. La película de Carruth nos ofrece todo un sinfín de sensaciones a la cual más extraña y misteriosa. El film es un puzzle magnético y filosófico brillantemente realizado, en donde entras en su hipnótica historia o directamente te quedas fuera de ella. Cine diferente y experimental, un título que gana en sus posteriores (y obligados) visionados. Una magnífica película no apta para todos los públicos. 




Clausura: Ain´t Them Bodies Saints. Director: David Lowery.



americana film fest


Y llegamos al final. Después de los diez títulos comentados tocaba el turno a otra de las películas más esperadas. En esta ocasión la película funciona de manera correcta. Tal vez su ambición y búsqueda de transcendencia le pasen factura, pero aún así es un título recomendable. 

La película de Lowery se podría definir como un western crepuscular de finales de los setenta. Una preciosa historia, bellamente rodada, de las de antes, con forajidos enamorados y de ritmo lento y pausado.
Magníficamente interpretada y con una atípica banda sonora, la película es densa y melancólica, y también irregular en su planteamiento. Película que nos devuelve el aroma de los primeros Terrence Malick, sin igualar en resultados, pero que se ve francamente bien. Próximamente se estrenará en nuestros cines.   




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Americana Film Fest, cuatro días repletos de cine, de público, de trabajo e ilusión. Con estos resultados está claro que ha venido para quedarse.
Tan solo dar las gracias por esta iniciativa y aplaudir el gran trabajo realizado. Desde hoy ya tenemos nuestro Sundance.


Conocidos hoy los resultados este es el Premio del Público. El único que había y seguramente el más importante. Diez películas con unas excelentes notas.


1. Short Term 12 (4,31)
2. The Kings of Summer (4,16)
3. In a World... (4,08)
4. American Promise (4,07)
5. Drinking Buddies (4,01)
6. The Retrieval (3,73)
7. Ain´t Them Bodies Saints (3,69)
8. The Motel Life (3,58)
9. Upstream Color (3,18)
10. Audrey the Trainwreck (2,56)



americana film fest


americana film fest

americana film fest

americana film fest


americana film fest

americana film fest
AMERICANA 2.... COMING SOON



lunes, 10 de febrero de 2014

Festival Americana. El Cine Independiente de Barcelona.


David Lowery, Lake Bell, Destin Cretton, Chris Eska, Jordan Vogt-Roberts o Shane Carruth entre otros. Parte del futuro del cine estadounidense está entre estos nombres bastante desconocidos. Pero gracias al empeño, trabajo e ilusión de varias personas nace un nuevo festival con el fin de ofrecer el mejor cine independiente americano. Directores que debemos conocer, películas que debemos ver. El próximo 13 de febrero se hará todo realidad y durante cuatro días podremos disfrutar del que posiblemente sea nuestro Sundance particular, Americana Film Fest se viste de largo para ofrecernos diez películas indies, algunas de ellas ya con el "run run" de película de culto.

festival americana movistar


¡Dejad paso al Cine Independiente!

¡Dejad paso a Casavettes, Jarmusch, Hartley, Solondz, Van Sant, DiCillo, Linklater, Sayles, Waters, Jonce, Anderson, Richards, Korine...!




festival americana movistar


Este ficticio grito reivindicativo bien podría aplicarse unos cuantos años atrás, cuando varios cineastas crearon sus propias películas ante un Hollywood estancado en sus propias ideas. Auto financiación y mucho talento fueron sus señas de identidad.
Muchos de los grandes directores de hoy en día fueron indies. Lynch, Allen o Tarantino, codearon con el cine independiente.
De todos ellos, unos cuantos alcanzaron la cima, otros todavía siguen con ese sello tan personal difícil de abandonar, por desligarse de la gran industria. Nosotros en ambos casos, muy agradecidos. 

Un padre, un referente, un gran cineasta como John Casavettes tuvo mucho que ver en todo lo sucedido. "Shadows", su primera película de 1959, rodada prácticamente en la calle 42 de Nueva York y en 16 mm, sigue siendo considerada como la pionera del cine independiente americano. Actor, productor y director. Valiente y osado, visceral y apasionado. Un solitario que luchó contra el sistema creando su propio camino y consolidándose como una figura imprescindible del cine en general. Gracias a él y a su influencia podemos disfrutar de muchos nombres y películas, y como no, de festivales como este que nos acontece. 

 
Volviendo a la actualidad y a esta maravillosa y pequeña gran locura, el Festival Americana ya está aquí y nosotros tenemos la inmensa suerte de disfrutarlo.  
Del 13 al 16 de febrero, en los Cines Gerona de Barcelona, diez propuestas para todos los gustos, en los que sobresalen títulos como "Short Term 12" la gran revelación y gran éxito en la pasada Seminci, "Upstream Color" la nueva y cautivadora propuesta de Shane Carruth, la misteriosa "The Retrieval" o "Ain´t them bodies saint" un precioso guiño al "Badlands" de Terrence Malick.

Para todo aquel que pueda, imprescindible asistir a todas las proyecciones. Si no podéis, desde este blog os iré contando todo lo acontecido y visto en el Festival. 




Programación

Jueves 13
20:30 Inauguración - The Kings of Summer

Viernes 14
16:30 Audrey the Trainwreck
18:30 The Motel Life
20:30 The Retrieval
22:30 Drinking Buddies

Sabado 15
18:00 American Promise
21:00 In a World
23:00 Short Term 12

Domingo 16
18:00 The Kings of Summer
20:00 Upstream Color
22:00 Clausura - Ain´t them bodies saint 


festival americana movistar



lunes, 3 de febrero de 2014

Philip Seymour Hoffman. The Master.


Hoy me gusta menos el Village. 
En ese lugar de Manhattan donde pasear y perderse por sus calles es una auténtica delicia, una trágica noticia nos ha removido las entrañas. El actor, el gran actor Philip Seymour Hoffman ha fallecido.
Muy cerca del río Hudson en la calle Bethune del West Village, el cine y la vida han perdido a uno de los grandes. Una sobredosis en su apartamento (otra vez las jodidas drogas), ha tenido la culpa. La heroína nos ha quitado a uno de los más grandes actores de los últimos años, llamado a ocupar el trono al mejor actor de este siglo. 

Una de las últimas películas que vi de él fue la inmensa The Master. Acompañado de otro magnífico actor como Joaquin Phoenix nos daban un curso de interpretación memorable. En las escenas que aparecen juntos apreciamos toda la grandeza del cine. 

Un tipo que caía bien a todos. Un rostro inolvidable, un actor con enormes registros interpretativos, capaz de interpretar a cualquier personaje. Su filmografía está plagada de excelentes películas e interpretaciones.

Donde quieras que estés Philip, este es mi pequeño homenaje con tus-mis películas e interpretaciones preferidas. Seguro que no te has ido muy lejos de tu amado Nueva York. En mi próxima visita buscaré tu imagen por las tranquilas calles del Village. 


El descubrimiento de Philip Seymour Hoffman


Happiness. 1998. Director: Todd Solonz. 

philip seymour hoffman



El Gran Philip Seymour Hoffman Secundario


Magnolia. 1999. Director: Paul Thomas Anderson

philip seymour hoffman


La última noche. 2002. Director Spike Lee

philip seymour hoffman


Punch-Drunk Love. 2002. Director: Paul Thomas Anderson

philip seymour hoffman


La Guerra de Charlie Wilson. 2007. Director: Mike Nichols

philip seymour hoffman


Moneyball. 2011. Director: Bennett Miller

philip seymour hoffman



Philip Seymour Hoffman Protagonista


Capote. 2005. Director: Bennett Miller

philip seymour hoffman


La Familia Savages. 2007. Director: Tamara Jenkins

philip seymour hoffman



Antes que el diablo sepa que has muerto. 2007. Director: Sidney Lumet

philip seymour hoffman


Synecdoche, New York. 2008. Director: Charlie Kaufman

philip seymour hoffman


El último concierto. 2012. Director: Yaron Zilberman

philip seymour hoffman


The Master. 2012. Director: Paul Thomas Anderson

philip seymour hoffman

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Podría seguir con otras cuantas más. Y es que como señalaba anteriormente tiene una filmografía extraordinaria. De esta lista, mis preferidas, dos recomendaciones por ser títulos algo desconocidos o que no se le han prestado la atención necesaria: "La familia Savages" y "El último concierto".

Es complicado elegir su mejor interpretación, tal vez el "tour de force" de "Synecdoche" sea la mejor o el personaje de Lancaster Dodd en The Master.

Quedan cuatro películas por estrenar en nuestro país. Sobre todo "A Most Wanted Man" de Anton Corbijn, ahora todavía con más ganas de verla. 


Philip te has ido demasiado pronto...

philip seymour hoffman

muerte philip seymour hoffman

miércoles, 29 de enero de 2014

Critica. Borgman de Alex van Warmerdam.


Home Invasion. Cómo nos gusta inventar nuevos géneros. Este término es aplicado para estas nuevas historias que tan de moda se han puesto. Ya sabéis, tipos desconocidos que asaltan casas, generalmente de buena posición, para que luego se desate todo el infierno posible y se culmine la destrucción.
Enseguida recordamos unos cuantos títulos, el más próximo con "You´re next" y posiblemente el mejor en la terrible "Funny Games". Incluso nosotros nos hemos atrevido con un digno producto made in spain, "Secuestrados".


En esta ocasión toca el turno a la flamante ganadora del pasado Festival de Sitges, Borgman del holandés Alex van Warmerdam.


"Hemos premiado Borgman por su capacidad perturbadora, por saber llegar al límite entre lo realista y fantástico"

"Nos parecía injusto, además, que una obra como Borgman pudiera pasar desapercibida en este país. Ha sido una de las razones de haberla premiado"

(Jurado del Festival de Sitges en la entrega de premios) 



borgman


Lo primero que hay que aclarar es que esta película tiene toda la pinta de no estrenarse en nuestras salas. Avisados quedáis para buscar otra forma de verla.
Y es que sería una verdadera lástima que los buenos paladares cinematográficos se perdieran esta extraña, sugerente y desconcertante película.

Nada más comenzar, Borgman nos atrapa. De inmediato asistimos a su primera y magnífica secuencia inicial. Descubrimos un bosque, unos tipos armados (con cura de por medio) en busca de otros que viven bajo tierra. La duda nos asalta... ¿posibles vampiros? 

Pero la película toma otros derroteros y lo que parecía una cosa se convierte en otra, convirtiéndose en el único giro de guión de la película. Porque Borgman se transforma en invasor y da comienzo el asedio, invasión y destrucción del nuevo hogar desconocido. La película se "acomoda" en su nueva casa.
Nuestro inquietante y extraño protagonista pasa a formar parte de la estúpida familia burguesa que se encuentra.
El guión creado por el mismo director empieza a carburar y avanza con paso firme ofreciendo muchas nuevas situaciones a la cual más extraña y sugerente.
Es aquí donde reside el mayor riesgo de Borgman, en su historia. Porque son de las que se mueven en el alambre constantemente. Un ligero traspiés puede estropear absolutamente todo, pero la realización y el guión tan sólido y desconcertante del director holandés sale airoso del reto para acabar siendo una excelente reflexión sobre el mal sin olvidar un humor negro que funciona perfectamente a lo largo de todo el metraje.



borgman

Es significativo también, la abierta crítica que lanza sobre la lucha de clases. Muy interesante esta pequeña revolución de la clase baja destruyendo el seno familiar con esta invasión tan peculiar y original. Una estupenda crítica social en donde lo mundano vence a lo burgués. La revolución marxista de Borgman.

La puesta en escena de Alex van Warmerdam es muy sobria, sin prácticamente música y con un buen diseño de producción. Con estos aspectos el director saca el mayor de los partidos a la frialdad expuesta en imágenes. Un hogar carente de alma, muy superficial, que choca con ese bosque de donde provienen Borgman y sus acompañantes. 
El ambiente enrarecido triunfa por encima de todo con escenas y momentos tan memorables como la figura de Borgman sentado desnudo en posición de íncubo sobre la mujer dormida, o los cadáveres en el fondo del estanque.




El apartado interpretativo es excelente. El reparto está a la altura de su historia. Actores con pocas películas en su haber, algunos de ellos debutantes, e incluso el propio realizador se toma la licencia de interpretar a uno de los personajes. Sobre todos ellos destaca Jan Bijvoet como Camiel Borgman, al que podremos ver próximamente en un papel secundario en "Alabama Monroe" (The Broken Circle Breakdown) reseña que podéis leer en nuestro blog amigo maraminiver


Otra de sus principales virtudes es su ambigüedad. Juega con el género fantástico, el drama, la comedia y con el terror ante lo desconocido. Ofrece pero no resuelve, siendo uno de los grandes aciertos de la película. Varias preguntas quedan sin aclarar, para que nosotros las interpretemos o no. Ahí quedan esas cicatrices en la espalda, los utensilios quirúrgicos o ese brebaje de color naranja. En un cine que cada día nos ofrece todas las respuestas, la propuesta de Borgman es siempre bienvenida. 

¿Quién es Borgman? ¿Quiénes son sus acompañantes? ¿Quiénes son estos tipos que se hacen pasar por delirantes jardineros trajeados? ¿Que coño es esa actuación en el jardín? Muchas preguntas para que cada uno tome sus propias decisiones. 

El resultado, una inquietante y sarcástica película, muy desconcertante, con grandes dosis de talento para destruir los ideales de familia, hogar, sociedad e incluso los nuestros como espectadores. 
Algunos saldrán irritados después de verla, otros encantados y otros esperaran al remake USA, pero seguro que no llegará, porque cruzando el charco muchos no tendrán ni puñetera idea que hacer con esta inclasificable y excelente película.  


"Se mi bien o mi mal... yo viviré en tu vida"


Borgman. Director: Alex van Warmerdam. Nota: 8/10



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Borgman El Íncubo

incubus borgman
Obra: "La pesadilla" de Johann Heinrich Füssli











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