Peliculas de Viajes en el Tiempo

Esto de viajar en el tiempo es cosa muy seria. ¿Quien no ha fantaseado con volver unos años atrás?
Poder cambiar aquello que hicimos mal, aquellas palabras que nunca dijimos, declararse por fin al amor de tu vida, aquel que dejaste escapar...

Hay tantas cosas que hacer en el pasado!... y en el futuro! 

El caso que con la excusa del estreno de la estupenda "Looper" (Rian Johnson. 2012), vamos a hacer un repaso entre todas las películas que tratan esto del viaje en el tiempo.

Hay muchas maravillosas, ahí están : "Los héroes del tiempo" ("Time Bandits", Terry Giliam. 1981); "12 Monos" ("12 Monkeys". Terry Gilliam. 1995); "La Jetée" (Chris Marker. 1962); "Terminator" (James Cameron. 1984); o las que más me gustan, "Atrapado en el tiempo" ("Groundhog Day". Harold Ramis. 1993) y "Regreso al futuro" ("Back to the future". Robert Zemeckis. 1985). 
Dejo fuera la excelente "Donnie Darko" (Richard Kelly. 2001), porque su interpretación daría para un extenso comentario. La película, es sin dudas, una de las más fascinantes y complejas de los últimos años. Para otra ocasión. 

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Estas serían mis otras destacables de Viajes en el Tiempo. Algunas han pasado desapercibidas y no lo merecen. Ahí vamos...



"El tiempo en sus manos" ("The time machine")
Director: George Pal . 1960.

Posiblemente estemos ante "la película de los viajes en el tiempo". Basada en la inmortal novela de H.G. Wells, esta película es una muestra maravillosa del cine de antes, con unos efectos especiales estupendos.

La historia es bien conocida. Un científico (Rod Taylor) construye una máquina que le permite viajar a través del tiempo. Asistimos a muchos acontecimientos, desde la Segunda Guerra Mundial, hasta un viaje increíble en el futuro. Película imprescindible para todo amante de este género. 
  

  
"Los pasajeros del tiempo" ("Time after time") 
Director: Nicolas Roeg. 1979.

Esta película cuyo título original recuerda a la canción de Cindy Lauper, es otra excelente muestra de la inventiva de H.G. Wells. 
Pero en esta ocasión es el propio escritor-inventor el protagonista de la película. Con un guión francamente ingenioso nos encontramos con un viaje en el tiempo entre Wells y ni más ni menos Jack el Destripador. 
Interpretada por Malcon McDowell y David Warner, está injustamente olvidada dentro del género. Muy de vez en cuando algún "iluminado" de la televisión la programa, estad atentos.



"Hombre de dos mundos" ("The house in the Square (I´ll Never Forget You)")
Director: Roy Ward Baker. 1951

 
Una estupenda muestra del buen hacer de uno de los directores más importantes dentro del género fantástico y de terror de los años 70. 
Tyrone Power y Anne Blyth protagonizan una entretenida película, en donde un científico se obsesiona con viajar al pasado. Una vez allí conoce a una bella mujer, cambiando su posición en el pasado.
Francamente recomendable. 



"En algún lugar del tiempo" ("Somewhere in time")
Director: Jeannot Szwarc. 1980 

Porque no todo van a ser aventuras y acción. En el tiempo también existe el romanticismo. 
Esta película es una buena muestra de ello. Muy desconocida para el gran público, cuenta una buena historia, un buen drama romántico. 
En este caso la "culpa" del viaje en el tiempo la tiene la hipnosis.
Un buen reparto con Christopher Reeve, Jane Seymour, Christopher Plummer y Teresa Wright. 
Una correcta dirección, una estupenda música y una interesante historia, firmada ni más ni menos por el gran Richard Matheson. 
Me gusta este viaje en el tiempo para encontrar el amor. 


"The Navigator" ("The Navigator: A medieval odyssey")
Director: Vincent Ward. 1988

Interesantísima película neozelandesa, acerca de un niño del siglo XIV, que encabeza una expedición a través del centro de la tierra llegando al siglo XX, para poder salvar a su pueblo de la peste negra.  
Un relato épico y en muchas ocasiones onírico, que cuenta con una estupenda puesta en escena y un broche final francamente bueno. A recuperar.



"El final de la cuenta atrás" ("The final countdown)
Director: Don Taylor. 1980.
  

No, no es la archiconocida canción de Europe que en mayor o menor medida todos hemos cantado a "grito pelao". 
Esta película fue un relativo éxito sobre todo en los videoclubs. Recuerdo la frustración de verla una y otra vez alquilada, hasta que al fin ¡estaba libre!

La historia es por lo menos peculiar. Un portaaviones moderno desparece en una enorme y gigantesca tormenta, apareciendo de nuevo en 1941, exactamente el día del borbandeo de Pearl Harbor.
Kirk Douglas, Martin Sheen y Katharine Ross (una actriz muy desaprovechada), protagonizaban esta película curiosa, que hoy vista es correcta por los pelos. 



"El experimento Filadelfia" ("The Philadelphia Experiment")
Director: Stewart Raffill. 1984

Otro clásico de los ochenta. La película vista hoy ha perdido mucho, quedando como lo más destacable la historia, francamente original y esos efectos especiales que nos trasportan a esos años.
Dentro del reparto lo más destacable es la estupenda Nancy Allen. 
¿Os acordáis?  En los años cuarenta dos soldados de la marina experimentan voluntariamente un proyecto secreto, pero un error los trasladará a los ochenta...


"Trancers"
Director: Charles Band. 1985

Esta si que es una película "carne de videoclub". Un clasicazo de aquellos años. Pura serie B, repleta de ciencia ficción, zombies y como no viajes en el tiempo. 
Lo único que queda de la película es su sabor nostálgico en nuestra memoria. Seamos sinceros, es bastante mala. Ni una jovencita Helen Hunt, ni una correcta banda sonora logra salvarla. 
Tuvo tal éxito, que tuvo unas cuantas partes más. "Guardianes del futuro" se tituló en España. 



"Biggles, el viajero del tiempo" ("Biggles, Adventures in time")
Director: John Hough. 1986

Ya puestos, seguimos con otro "clásico" de los ochenta, de los programas dobles y del videoclub.

En este caso asistimos a la historia de un chico que averigua que tiene un hermano gemelo en otra época, y encima es piloto de combate de la Primera Guerra Mundial.
Viajes en el tiempo, mundos paralelos, la película se ve francamente bien. Hace muchísimo que no la veía y tenía el temor de perder el grato recuerdo. Pero ha sido un grata sorpresa descubrir una película muy entretenida y que el paso del tiempo ha respetado. 

Supongo que el interesante John Hough tiene la culpa. Este director tiene dos muy buenas muestras del cine de terror: "La leyenda de la casa del infierno" (1973) e "Incubus" (1981).

¿Alguno se acuerda de esta canción? 

"El vuelo del navegante"  ("Flight of the navigator)
Director: Randal Kleiser. 1986

El director de "Grease" y "El lago azul", logra una película francamente interesante y entretenida. Una de esas que llamamos de "sesión de tarde". 
Cine familiar bien resuelto, que sigue el camino de las producciones de Spielberg. 

La historia de un niño que por un golpe queda inconsciente, despertando ocho años después, dado por desaparecido. Aventuras y ciencia ficción made in Disney, se unen para pasar un rato francamente bueno.




"La chica que saltaba a través del tiempo" ("Toki wo kakeru shôjo")
Director: Mamoru Hosoda. 2006.

Una de animación para terminar este repaso. 
Uno de los directores más interesantes de los últimos años, realiza una estupenda película. 
Una original, divertida y fresca historia. Makoto, una chica muy guapa pero que tiene muy mala suerte. Todo le sale fatal, incluso rompe un extraño aparato que le otorga el don de saltar en el tiempo, pasado o futuro cuando ella desee. ¿Un don o una maldición?

Una película, un soplo de aire fresco, para un director a seguir. Su última película, que próximamente se estrenará (o eso espero), es una buena muestra de ello "Wolf  Children"



Un libro

"Un yanqui en la corte del Rey Arturo". Mark Twain.

Estupenda novela, de uno de los escritores de aventuras más grandes de la historia. 



Su argumento es muy conocido: Un joven norteamericano del siglo XIX viaja a través del tiempo al siglo VI en pleno reinado de Arturo. 
El joven es condenado a morir en la hoguera, pero un eclipse de sol hace que que salve y se le atribuyan poderes. 
Al principio este joven no comprende qué sucede, pero en seguida se adapta y empieza a derrochar sus conocimientos para crear multitud de cosas y situaciones que considera necesarias pero que la población "Artúrica" encuentra muy disparatadas. 
Un clásico que tuvo su versión cinematográfica en 1949, en la película homónima de Tay Garnett, interpretada por Bing Crosby y Rhonda Fleming.


  




Un cómic.

"Barrio lejano". Jiro Taniguchi.

El maestro japonés aquí realiza su mejor trabajo, en esta portentosa historia de la vuelta a casa, de recuperar la memoria, la juventud y el pasado.

Muy emocionante, es una auténtica maravilla.

Dejaros llevar por el talento de este autor, caereis rendidos ante la genialidad de sus obras.






 















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El festin de Babette de Gabriel Axel. El sabor de la vida.

Retrocedamos veinticinco años....

En la 60 edición de los premios Oscar, asistimos a la categoría de mejor película extranjera. Varias nominadas, entre ellas "Asignatura aprobada" de Garci, "La familia" de Ettore Escola, la noruega "Pathfinder" y la gran favorita "Adiós muchachos" de Louis Malle. Pero salta la sorpresa y una película danesa se alza con la estatuilla, "El festín de Babette" una maravilla para todos los sentidos. 

Volviendo a la fecha actual, y con el motivo de su aniversario, se anuncia que el próximo noviembre se vuelve a estrenar en una copia restaurada. Una muy buena noticia para volver a disfrutar o ver por primera vez esta película imprescindible para todo amante del cine.

El festín de Babette. Director: Gabriel Axel.

A finales del siglo XIX y durante una noche de tormenta, Babette llega a una remota aldea de Dinamarca. Viene de Francia huyendo de la revuelta de Paris de esa época. En este desolado lugar la acogen dos solteronas hijas de un estricto pastor. Allí vive bastante años, hasta que sorprendentemente la fortuna le sonríe ganando un premio en la lotería. Pero en lugar de volver a Francia, y ante la sorpresa de todos, Babette pide permiso para preparar una cena de celebración del centenario del pastor. 

Al principio los vecinos tienen miedo y son reacios a ella, sobre todo por temor a dañar la ley divina que les rige, es una cena francesa!, pero poco a poco de manera maravillosa, todos van cediendo ante las delicias que les ha preparado Babette y ante los placeres de la cocina francesa. 

La novela

La gran escritora danesa Karen Blixen, más conocida por su seudónimo de Isak Dinesen, la misma de "Memorias de África", escribió este cuento maravilloso. 

Blixen escribió este relato para un semanario femenino americano, y así ganar algún dinero para salir de la difícil situación en la que se encontraba.

Historia muy rica en matices y con un gran mensaje interior, que el director francés Gabriel Axel se encargó de dirigir para la gran pantalla. 

Aunque puede parecer algo desproporcionado, esta película puede recordar a uno de los más grandes autores como Dreyer. No es tan compleja como puedan ser las obras del maestro danés, pero Axel comparte esa sencillez en la puesta en escena que tenía el maestro. Y no solo acaba aquí su  homenaje, en la película comprobamos la inclusión de varios de los actores de las grandes películas de Dreyer. Incluso también podemos ver a Bibi Andersson, una de las actrices fetiches de Ingmar Bergman.

El Festín de Babette y la religión

La película contiene un importante mensaje religioso. Está repleta de símbolos y señales, el más importante de todos la gran parábola de el Festín sobre la Gracia.

 “Nuestra elección no tiene importancia.
Llega un tiempo que se abren nuestros ojos y llegamos a comprender que la Gracia es infinita. Y lo único que debemos hacer es esperarla con confianza y recibirla con gratitud. La Gracia no pone condiciones”

En una comunidad enferma, en proceso de involución, y con una ética muy rígida, Babette significa una liberación, una nueva alma, cristiana, que ofrece en su banquete una comida que mediante el goze, el deleite del cuerpo, cambia por completo el espíritu de esta aldea.

La gratuidad transforma esta comunidad abriendo sus corazones y recordando, que no estamos solos, el don de Dios puede aparecer en cualquier momento. La esperanza y la Gracia siempre están presentes.
Un mensaje claro, hay que tener  presente que la fe se manifiesta en las obras realizadas, y sobre todo y muy importante, la exaltación de la bondad y el perdón entre nuestros semejantes. 

La película acierta plenamente en su crítica hacia esa religión empecinada en su discurso equivocado, en que para ganarnos el cielo tenemos que sufrir y ser infelices en la Tierra.

"El festín de Babette" está repleto de una gran fuerza espiritual.

 “En el paraíso tu serás la gran artista”

La película está dividida en dos partes.
La primera tendría un nombre, la sencillez. 

Se nos presenta a esa comunidad, y los personajes que la forman. Asistimos a su austera vida, en donde la religión es su principal motivo de vida. Tal es el extremo, que sacrifican sus vidas y sus amores por ese fanatismo religioso.

Mediante una voz en off, asistimos a la narración de esta historia, de las dos sumisas hermanas, las cuales han perdido su vida, su juventud.
Pero todo esto está contado tan maravillosamente, que no las rechazamos, al contrario, sentimos por ellas un especial cariño.

A través de flashbacks vemos esas historias del "no amor" de las hijas del pastor. En ellas asistimos a una de las escenas más bonitas de la película, en donde la ópera de Mozart "Don Giovanni" acompaña a una preciosa declaración de amor.

Es en su segunda parte cuando llega el momento de Babette. Gana la lotería y prepara el gran banquete. Es aquí en donde asistimos al cambio de los personajes. Una gran secuencia, el clímax de la película, una declaración de amor de Babette a la hospitalidad que ha recibido. 

Llena de momentos extraordinarios, como los emotivos besos de dos ancianos para demostrarse el amor reprimido de tantos años, o uno de los más bellos de toda la película, el momento en el que los invitados se cogen de las manos y cantan bajo las estrellas. Una maravillosa metáfora del canto a la vida y a la felicidad, comprobando que ya no tienen temor al castigo divino que les ha perseguido toda su vida. 

Stéphane Audran es Babette.

Extraordinaria la interpretación de esta actriz francesa, que por cierto fue la mujer del malogrado Claude Chabrol, actuando en la mayoría de sus películas. 

Esta actriz compone un personaje inolvidable. Babette, como ella misma dice, es una artista. Y se sirve de ello para demostrar su agradecimiento a los que la han acogido. 

Ese agradecimiento y esa forma de dar de sí lo mejor, es la manera en la que poder integrarse en sus vidas, recordemos que es una extranjera, una "invasora" (ella y su crucifijo) que altera la vida de esta comunidad.

Destacado e importante es el mensaje de Babette. En  una de sus frases la cocinera dice "Un artista nunca es pobre".

Una frase que esconde un mensaje maravilloso, en donde los artistas, los creadores no necesitan de riqueza material, sino que el poseer esa experiencia artística, el proceso de la creación es lo más grande y donde más se disfruta. 

Todo aquel que por su oficio, trabajo o placer se dedique a esto, estará de acuerdo conmigo. No hay nada más maravilloso que crear. Nada es comparable a esa experiencia, el mundo se disfruta de otra manera, eres único para el universo. 

Es importante recordar que en mayor o menor medida, en este mundo somos artistas. Esto significa que tenemos que dar salida a nuestros dones o talentos. Debemos realizarlos para generar la felicidad que llevamos dentro. Bueno para nosotros y para nuestros semejantes. Nuestros cuerpos, nuestros sentidos necesitan saber que están vivos. 

El director Gabriel Axel realizó una obra de arte. Tremendamente sencilla y  humilde, pero grande en resultados. Su cámara no se nota, apenas notamos su presencia. Su puesta en escena respeta el más puro espíritu de la narración.

Cabe destacar la extraordinaria fotografía de Henning Kristiansen, que recrea perfectamente el ambiente austero de esta comunidad. La música en segundo plano de Peer Norgaard acompaña muy bien a estas imágenes nórdicas que Babette logra cambiar. 

En definitiva una obra maestra de una belleza descomunal.

 Una preciosa película de visión obligada para todos los amantes del cine, de la vida, para creyentes y no creyentes. Una invitación para disfrutar de la vida. 

Por último creo que esta película es la favorita de todos los amantes de la cocina, en los cuales me incluyo. Si tuviera que elegir una sería esta. Por cierto, que para  el mayor genio de la cocina, Ferran Adriá  también es su preferida. 

Receta de El Festín de Babette: Codornices en sarcófago con foie gras.

4 codornices 

300 gr. de foie gras
50 gr. de trufa negra
c.s. de sal
c.s. de pimienta negra molida
Limpiar el foie y trocearlo. Con un pequeño cuchillo bien afilado, deshuesar las codornices de modo que queden enteras. Salpimentarlas. Rellenarlas con 70 / 80 gr. de foie gras troceado y la trufa cortada en pequeños trozos. Reconstruir el ave.

Masa

300 gr. de harina de trigo
160 gr. de grasa de pato bien fría
c.s. de sal

Amasar los ingredientes. Dejar reposar el pastón 60 minutos en la nevera. Pasado el reposo, estirar la masa a unos 3 mm de grosor. Reservar en la nevera hasta su utilización.

Sarcófago

Forrar con la masa que laminamos 4 moldes pequeños. Se pueden usar unas latas rectangulares que sirven para confeccionar los blocs de foie gras. Sus medidas son de 10 x 15 cm, de altura. Existen unos moldes individuales específicos pero son muy difíciles de encontrar.
Colocar en cada sarcófago una codorniz. Confeccionar con la masa que ha sobrado unos pequeños rectángulos de 10 x 5cm que colocaremos sobre cada molde. Soldar con el resto de la masa. Hacer una pequeña chimenea en la parte superior del sarcófago con la punta de un cuchillo.

Hornear a 180º C durante 20 minutos.

Fondo al vino de Madeira
15 cl de fondo de pato
50 gr de trufa negra
c.s. vino de Madeira
c.s. sal
c.s. pimienta negra molida

Reducir el fondo de pato con la trufa picada. Añadir el vino de Madeira. Salpimentar y reservar.
Servir el sarcófago con el fondo al Madeira bien caliente.

Película completa: El festin de Babette. 

Para el que no quiera esperar al reestreno y quiera verla de nuevo, aquí os dejo con ella, está doblada, pero menos da una piedra...

Cosmopolis de David Cronenberg.

Resulta complicado comentar acerca de esta densa (posiblemente el adjetivo más utilizado para ella) película. Pero esta afirmación no es porque sea pesada y confusa, al contrario Cronenberg ha realizado uno de sus mejores trabajos, una película descomunal, tremendamente arriesgada, no apta para todos los públicos, y que sorprendentemente (por lo menos para mí) no esta cosechando grandes críticas, al contrario, más bien todas negativas. 

Y es que la película de este genial director requiere un visionado especial. Basada en una novela de Don DeLillo, que no he leído, es una de las visiones más fascinantes de nuestro caótico e irremediable mundo que nos toca vivir. 

Crítica. Cosmópolis de David Cronenberg.

El creador de la "nueva carne" se vuelve a reinventar para ofrecernos otro de sus relatos sobre la deshumanización. En ella podemos apreciar una incomunicación brutal. Nos muestra el estado tan crítico que tenemos y  sobre todo una FALTA DE AMOR, así en mayúsculas, alarmante.

Unos asuntos muy serios, que en la película se nos ofrecen descarnados, duros, secos, sin concesiones, para tomárnoslos muy en cuenta. 

Si la historia es poderosa, Cronenberg nos la muestra todavía más inquietante con esa forma de rodar tan especial que posee. Ya desde el primer momento, asistimos a unos movimientos de cámara elegantes, tranquilos, que nos transportan cual limusina (por cierto, tremendos los planos aumentados de ese espacio vital para el protagonista) por toda la ciudad, para encontrarnos todo tipo de personajes a cual más peculiar e interesante. También en esa primera escena es donde nos atrapa. Ese corto diálogo acerca del Presidente es tremendo. "¿Qué Presidente?", pregunta nuestro protagonista...

Y como en sus anteriores trabajos, seguramente iniciados por otra de sus Obras Maestras como "Videodrome" (1983), el personaje principal sufre una mutación. Pero en este caso no es una deformidad física de su cuerpo, es algo más, es su propia vida. Su existencia toma un giro radical para mostrarnos los desechos de los que estamos formados. 

Plagada de inolvidables diálogos, densos (otra vez), inquietantes, preocupantes, que hacen que en una sola visión no se abarque la grandiosidad de esta obra. La he visto hace dos días, y la quiero volver a ver ya. 

Importante son los actores. Cronenberg es un estupendo director de actores.
Otra de las apuestas más arriesgadas es su actor protagonista. Tenía mis serias y razonables dudas. Robert Pattinson, un actor de moda sobre todo entre las adolescentes, está impecable. A él se unen unos "secundarios" espléndidos, en donde destacan una soberbia Samantha Morton (uno de los mejores personajes), terrible su discurso; o un magistral encargado de seguridad, Kevin Durand, hasta desembocar en el gran Paul Giamatti y su diálogo final. 

"Nos morimos cada día"

"Destruye el pasado, crea el futuro"

Cronenberg, como gran narrador de lo erótico y sexual, no hay que olvidar otra película magistral como "Crash" (1996), o la tremenda escena entre Viggo Mortensen y Maria Bello de la gran "Una historia de violencia" (2005), nos regala una de las escenas eróticas  más insólitas que he visto en los últimos años. Nuestro protagonista a "cuatro patas", un doctor... proctólogo, una botella de agua entre las piernas de una chica repleta de sudor.... tremenda.

Economía, capitalismo, todo se derrumba bajo el frío bisturí del genio canadiense. 

Espléndida es la música de Howard Shore, un colaborador habitual del director. Shore realiza una gran banda sonora, un acompañante de lujo para este viaje tan fascinante, casi rozando la ciencia ficción, pero que desgraciadamente es tan real como el día a día que vivimos.

Todo está calculado en "Cosmopolis", Cronenberg no deja cabo suelto. Desde sus primeros compases, en donde aparece el estupendo pintor Jackson Pollock , hasta su final en los títulos de crédito, con una aproximación genial al gran pintor del expresionismo abstracto Mark Rothko, el cual ya le habíamos oído nombrar en otro de sus diálogos. 

Un viaje desde el capitalismo y la más novedosa tecnología, hasta la búsqueda de la ansiada condición humana, que solo se puede encontrar en los desechos de nuestra sociedad.

"Cosmopolis" es una película exigente con el espectador, turbadora, fascinante, una lección de gran cine, un trabajo muy importante que se debería tener muy en cuenta, de uno de los mejores directores de los últimos años. El señor Cronenberg los tiene bien puestos.

"El tiempo es una cosa que cada vez escasea más"

"La vida es demasiada contemporánea"

Lo mejor: Que haya directores que hagan películas así. 

Lo peor:Tal vez Juliette Binoche, algo desaprovechada. 

Mark Rothko

Mark Rothko

Veneno para las hadas.Cine de Terror Mexicano.

Ahora que nos encontramos inmersos en pleno Festival de Sitges con sus propuestas tan interesantes y apetecibles, os quiero recomendar una película de terror bastante desconocida.
Por cierto las crónicas diarias de este Festival las podéis seguir aquí:  Lost Highway y Despues de 1984

A veces nos encontramos con ciertas películas diferentes. No son tan conocidas como lo pueden ser otras, y desgraciadamente muchos espectadores las desconocen. Esto sucede normalmente con cinematografías diferentes a las habituales. Pero existen bastantes joyas dispersadas por muchos países que merecen la pena rescatar. 

En este caso nos vamos a México, ese maravilloso país. Aparte de sus gentes, lugares y excepcional gastronomía, posee una producción cinematográfica muy buena.
Ha tenido y tiene muy buenas representaciones. Ahí tenemos, a Emilio "Indio" Fernández, Luis Alcoriza, Arturo Ripstein, González Iñárritu, Alfonso Cuarón, Guillermo del Toro, nuestro gran Buñuel y en esta ocasión el rey del terror mexicano Carlos Enrique Taboada. 

Posiblemente México, es el país iberoamericano que mejores películas nos ha brindado. Desde los cuarenta, hasta la actualidad tenemos excelentes muestras de ello. 

En esta ocasión... un cuento infantil, pero diferente y original, una estupenda película..... "Veneno para las hadas" (1984)

-La historia-

Graciela es una niña con mucha imaginación que vive fascinada por las historias de brujas.
Flavia es una nueva alumna del colegio, con otra posición social, es rica y no le falta de nada.
Ambas empiezan a conocerse, y es cuando Graciela, que realmente se cree que es una bruja, empezará a someter a Flavia a todo tipo de juegos mágicos. Unos juegos en apariencia inocentes, pero que se volverán macabros, iniciándose una angustiosa pesadilla.

Con esta premisa el director Carlos Enrique Taboada construye una gran película de terror gótico y psicológico.

Curioso es el inicio de la película, ya que parece que vamos a ver un "giallo" al más puro Fulci o Argento, pero nada más lejos de la realidad.

Taboada nos introduce en esta historia, llevándonos sin piedad alguna, hasta la más pura desesperación, para finalmente ofrecernos un climax final escalofriante.
Para ello construye una ambientación estupenda. Mansiones al más puro estilo gótico se mezclan con oscuros y sugerentes parajes, para ofrecernos una historia infantil que desembocará en una pesadilla.

Perverso cuento infantil. Brujas y hadas con un tono enfermizo.

De lo más interesante es la visión del director acerca de lo sobrenatural, brujas, hadas, pócimas mágicas, pactos satánicos, para mezclarlo con la inocencia infantil y el poder de sugestión que puede llegar a despertar esa maldad de los más pequeños.
Comprobamos, como puede influir estos cuentos tan malvados en la personalidad de los niños, llegándoles a causar hasta un desequilibrio psicológico. 

El comportamiento malvado de Graciela, paradigma de un egoísmo actual, tan real como preocupante.

Clásico del horror mexicano, "Veneno para las hadas" podríamos denominarla como un cuento infantil macabro. Historia de una obsesión, llena de brujería, extraños rituales, etc.
Lo que en un principio nos puede resultar curioso, poco a poco nos va asustando, dudando de si en realidad Graciela es una bruja o no.

Uno de los puntos claves de la película son las niñas. Excepcionales. La malvada Graciela y la inocente Flavia. La dos niñas están perfectas en su papel.
Ya sabéis que con niños es muy difícil trabajar, como dijo Hitchcock "lo mas complicado en el cine es dirigir animales y niños". Pero en esta ocasión la elección de las dos niñas es excelente, ya que bordan sendos papeles.


Otro de los aspectos que más llaman la atención, es la forma de contar la película. Esta narrada desde el punto de vista de las niñas. Prácticamente en ningún momento vemos los rostros de los adultos. Ellos, los "más grandes" sobran, son personajes secundarios. La película es únicamente de ellas.

Como os decía la puesta en escena es estupenda. Además la forma de dirigir de Taboada funciona a la perfección, junto a unos muy buenos efectos sonoros y su música.

En ocasiones he leído que se le achaca de falta de ritmo. Yo creo que no, se ve muy bien, y la historia te atrapa desde el principio. Además la película se cierra muy bien con unos últimos diez minutos muy buenos, y con un final sorprendente.

Realizada en 1984, es la última película de su director, el cual posee una filmografía muy interesante donde destaca también otra excelente muestra de terror  "Hasta el viento tiene miedo" (1968), de la cual se realizó recientemente un remake infumable. 

Ahora que tan de moda está el cine de terror lleno de sangre y vísceras, no viene nada mal recuperar un terror más puro e inquietante, generado por otra clase de miedos. Una película aparentemente infantil, que juega con la ambigüedad transformándose en enferma y perversa.

La imaginación de los niños es descomunal... y peligrosa.

Aquí os dejo con la película completa:

Y como programa doble: "Hasta el viento tiene miedo". Ya solo con el excelente comienzo, engancha...

La "bruja" con su manzana...

Cine Español. Blancanieves y. El Artista y la Modelo

"Siempre seguí la misma dirección
la difícil la que usa el salmón
siento llegar al vacío total
de tu mano me voy a soltar"

Bueno, pues como dice la estupenda canción del gran Andrés Calamaro, hoy me enfundo la piel del salmón y en contra de casi todos me pongo de parte de la película de Trueba, una obra mucho más sutil y madura, que la imaginativa y diferente de Pablo Berger. 

Blancanieves. Director Pablo Berger.

El director Pablo Berger, nos presentó su ópera prima hace ocho años, "Torremolinos 73".  Una interesante y apreciable película que pocos tuvieron en cuenta, en donde Javier Cámara y Candela Peña, interpretaban a una pareja con un encanto especial, englobados en aquella España tan "casposa".

Una película correcta, muy cuidada, con una estupenda ambientación, y que quería ser algo diferente dentro del panorama del cine español.

Siempre es de agradecer este tipo de propuestas, no todo va a ser Guerra Civil y comedias estúpidas con el niñato de turno.

En esta ocasión, Berger sorprende todavía más, mucho más. Su "Blancanieves" es una de las apuestas más personales, estimulantes y arriesgadas de los últimos años. 

Es una verdadera lástima que la sombra de la sobrevalorada "The Artist" esté presente. Una película muda, y en blanco y negro, pocas veces vemos en esta época.

La película, se ve muy bien. El cuento de una manera totalmente diferente. Aquí podemos apreciar mucho humor negro, crítica social, enanos toreros, una Sevilla muy taurina, y sobre todo mucha imaginación. 

Berger se apoya en una imagen y estética muy poderosa. 
Bien rodada, aunque se le puede achacar un cierto barullo a la hora de montar ciertas escenas. 

Lo que está claro es que es la mejor versión junto a la de Disney del año 1937. Y eso es mucho. 

Berger ha arriesgado, sí, pero es que el que no lo hace no gana, y aquí ha salido con un triunfo muy importante. Reinventa un título mítico, en una España llena de tópicos, con un buen guión, apoyado en buenas interpretaciones, con un estupendo juego de luces y una música estupenda.

Una película muy "española", llena de momentos que recuerdan al mismísimo Buñuel, esperpéntica y diferente.

De lo mejor sin duda, es Maribel Verdú. ¿Cuántos años lleva esta enorme actriz, regalándonos interpretaciones memorables?

Una "Blancanieves" cañí, llena de folklore y sentimiento.

Por cierto, representante española para las candidaturas de los premios Oscar. Veremos si el viejo Hollywood admite otra propuesta más como la del año pasado. Lo que si está claro es que seguro en los próximos Goya arrasará. 

Lo mejor: Por fin algo diferente "made in spain", y Maribel Verdú

Lo peor: Ciertas escenas no del todo redondas, y que se la compare con "The Artist"

El artista y la modelo.  Director: Fernando Trueba.

Llevaba mucho tiempo sin ver algo bueno de este director. Fernando Trueba es un tipo inteligente, que sabe lo que quiere, pero que en los últimos años no ha realizado ninguna película más o menos decente. Yo nunca me he dormido en el cine, la única vez que rocé esa sensación fue en "El embrujo de Sanghai" (2002), se me escaparon un par de cabezadas, de esas que disfrutamos en el sofá cuando nos relajamos.
Trueba es un director que levanta odios y pasiones. Ni es el gran director que promulgan ni tampoco es tan malo. Seguramente que, ese "aire" de director importante, y su Oscar por "Belle Époque" (1992), le han perjudicado en el devenir de su obra y su complicidad con el público. 

Creo que sus mejores películas son "El año de las luces" (1986), "El sueño del mono loco" (1989), "Belle époque" (1992) y "Two Much" (1995). Todo lo demás  es prescindible en la mayoría de casos, incluido su fijación por meternos en todo ese mundo cubano y demás, a mi me aburre y bastante.

Han pasado muchos años para "reconciliarme" con Trueba. "El artista y la modelo" es una excelente película, muy madura, personal, rebosante de talento. 

Dirigida con una palpable sensibilidad, en donde el arte y la vida se unen para contar una historia sobre las despedidas, sobre el abandono de la belleza artística.
Así asistimos a la historia de ese pintor (Jean Rochefort) que tiene que despedirse de su vida cuando ha encontrado el momento de entenderla. 

La película de Trueba destila ese aire tan francés como el que nos ofrecía Truffaut,o esa maravillosa naturalidad de Renoir. Sus influencias cinéfilas y el guión co-firmado con Jean-Claude Carriere seguro que tienen la culpa.

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El artista y la modelo, la modelo y el artista. Se tornan los papeles, y cual Pigmalion, la chica, la modelo, ofrece al viejo artista un torrente de sensaciones olvidadas. Desde disfrutar con lo más sencillo y efímero de la vida, hasta apreciar, con esa fuerza perdida, los sentimientos, la naturaleza y su vida.

Trueba rueda con un ritmo tranquilo y pausado, en blanco y negro, para que paladeemos todo lo bueno que lleva dentro.
Se apoya en unos buenos actores, en donde sobresale el veterano "marido de la peluquera" Jean Rochefort, y la belleza carnal y atrevida de Aida Folch. 

También es un placer poder ver a la bellísima Claudia Cardinale, y de la gran Chus Lampreave poco que decir....

Como dato anecdótico, cabe señalar la ausencia prácticamente de la música. Un dato curioso, siendo Trueba un gran amante de esta.

En definitiva, una película que tiene toda la pinta de durar muy poco en cartel (solo 51 copias para toda España), y que sería una lástima porque arte y vida pocas veces han estado tan bien unidas en pantalla. La mejor película de Trueba.

Lo mejor:  La forma que tiene Trueba de contarnos esta fascinante historia.

Lo peor: Que la semana que viene ya no esté en cartel... seguro. 

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Resumiendo dos buenas propuestas, un recién llegado y un veterano. Dos películas muy diferentes, que seguro originaran sus críticas y debates. Gustándome las dos, me quedo con la de Trueba.

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