Gene Kelly y Fred Astaire. Viva la Vida.

Siempre he querido ser como Gene Kelly o Fred Astaire. Reconozco que una de mis grandes pasiones ha sido bailar igual que ellos. Siendo todavía un niño me atraparon esos bailes tan alegres y por aquel entonces tan divertidos. Más tarde, con el paso del tiempo, he comprobado lo maravilloso que son sus números musicales, esos zapateados, esos bailes de claqué. 

Si hay un género que me levanta el ánimo y me inyecta una buena dosis de vida es el Musical. Me encanta. Se que a muchos les parece ridículo o sencillamente no les gusta nada, pero ese instante en plena conversación y que de repente se pongan a cantar y a bailar, oh! Es como si me levantaran del suelo y me pusiera a volar, feliz, dejándome llevar por las canciones y el baile. 

Cada comienzo de semana es un poco duro. Entonces, qué mejor que compartir mi entusiasmo con unos cuantos números musicales para que soportemos mejor el día a día que nos toca. 

Empezamos con una de las películas de mi vida y creo la que más veces he visto, "Cantando bajo la lluvia". El mejor musical que existe, con unos números musicales inolvidables. Una obra maestra que rebosa vida por los cuatro costados y que no cuesta nada enamorarse de ella. Disfrutarla es mucho mejor que cualquier antidepresivo. Es un "chute" de vida tremendo.  

De sus números musicales, complicada la elección. Pero yo tengo mi preferido. Una de las escenas que más me gustan de toda la historia del cine es "Good Morning". La de veces que la he visto y he... bailado y cantado. Puede sonar bastante extraño, pero no es raro verme de vez en cuando entonando y dando mis pasos de baile al son de esta maravillosa música. Mis hijas pueden dar fe de ello. Tan pequeñas como son y ya son fans de Gene Kelly y compañía. 

Qué maravilla... Debbie Reynolds, Donnald O´Connor y Gene Kelly:

Fuente: Diego Shares

"Cantando bajo la lluvia" es un sublime musical, pero sin olvidar que es una fantástica comedia, como nos recuerda Donnald O´Connor en "Make´Em Laugh" 

Fuente: ozabbavo77

Tras ver estos números musicales, ¿no os ha sucedido lo mismo que a mi? 
¿No tenéis ganas de levantaros y empezar a bailar y a cantar? ¿No os invade una alegría inmensa? Venga! Vamos con "Moses Supposes" 

Fuente: Ronnie Hart

Hay otras tantas. Ese inolvidable Gene Kelly bajo la lluvia o ese final tan espectacular y onírico con la aparición mítica de Cyd Charisse y sus piernas... pero toca el turno de Fred Astaire. Y empezamos con la estupenda escena en Central Park bailando en la noche... junto a Cyd Charisse, palabras mayores. 

Fuente: CiroBossi

Y por supuesto a una de las mejores parejas que nos ha dado la Historia del Cine, Fred Astaire y una fantástica Ginger Rogers. ¡Qué grandes!

Fuente: PepsiPrime

Y junto a Eleanor Powell en una de las mejores escenas de toda la historia. A ritmo de Begin the Beguine, una obra de arte:

Fred Astaire y Eleanor Powell. "Melodías de Broadway 1940", de Norman Taurog

Fuente: Gleb Ivanov

Con la guapísima Rita Hayword, en "You´ll never get rich". Una estupenda actriz que bailaba francamente bien:

Fuente: SophyaAgain

Y por último Gene Kelly con una pareja algo especial....

Fuente: Claudio Marquez

Os aseguro que cada vez que veo y veo todas estas maravillosas escenas me siento mucho mejor. 
Ahora vuestro turno, musical o no, ¿cual es la película o escena que os levanta el ánimo?  

Critica. La Vida de Adele. Cine de Amor.

Miro el reloj y es cierto, han pasado tres horas. Mucho tiempo diríamos. Pero en realidad, se han pasado volando, e incluso quiero más, mucho más. Me entra una inmensa tristeza abandonar el amor de Adèle y Emma. Se han apoderado de mi y se han instalado en mis entrañas para siempre. Salvando ciertas distancias, me recuerdan al tipo de películas que son "Los Puentes de Madison" o "Rompiendo las Olas". Es de esa clase de historias que sentimos y que duelen. Nos ofrecen un trozo de vida enorme, uno de los que existen de verdad.
La vida de Adèle desprende en cada uno de sus fotogramas una fisicidad extraordinaria. Es hermosa y tierna. Es realista y cruel. Al fin de cuentas es una historia de amor con mayúsculas. 

La Vida de Adèle. (La vie d´Adèle - Chapitre 1&2) (Blue is the Warmest Colour) 

Director: Abdellatif Kechiche
Guión: Abdellatif Kechiche y Ghalya Lacroix (Cómic: Julie Maroh)
Fotografía: Sofian El Fani
Reparto: Adèle Exarchopoulos, Léa Seydoux, Salim Kechiouche, Mona Walravens, Jeremie Laheurte

Premios: Cannes 2013. Palma de Oro y Premio FIPRESCI

Nota: 9/10 

"Siento que estoy fingiendo en todo. Soy yo a la que le falta algo"

Adèle es una guapa adolescente que coge todos los días el autobús para ir al instituto. En un gesto que se repite, maravilloso, se atusa el pelo con su inseparable goma, o se sube los pantalones ajustándoselos a su trasero. 
La vemos en clase de literatura, en donde se trata una obra algo premonitoria de lo que puede suceder en su vida real. Allí se habla sobre el sentimiento de pérdida o sobre la necesidad. Son adolescentes que todavía no han decido que hacer con sus vidas. Chicos y chicas se ven, quedan y salen. Pero Adéle, ay! Adéle es diferente. Una chica confusa en busca de un amor que se le presentará de improviso, sin avisar.  

Como en muchos adolescentes de su edad, ese conflicto interno es bastante complicado de resolver. Y encima todo se enreda más con una figura, la chica del pelo azul.
El amor que no entiende raza, sexo o religión aparece en su vida. Ciego y sin manual de instrucciones. Sobre todo el primero, el que más amas, más recuerdas y más duele. Un sentimiento que buscamos, que aparece y desaparece, pero que nadie puede vivir sin él. 

La película tiene un nombre propio, Adèle. Pero no solo es el nombre de la protagonista, es el nombre de una actriz en estado de gracia. Un milagro que muy de vez en cuando surge, Adèle Exarchopoulos. 

El director Abdellatif Kechiche, filma esta historia con un realismo y fisicidad enorme. Está plagada de unos primeros planos extraordinarios. Nos enseña a los personajes de una manera muy cercana, tan brutal como tierna. En esta película se come sin pudor, se ama sin pudor. Al igual que vemos los restos de salsa de tomate en los labios de Adèle, también la vemos entregarse en cuerpo y alma al sexo, a su amor. El primer encuentro bajo las sábanas, es una de las escenas de sexo más pasionales y explícitas que hemos visto en mucho tiempo. Y es en esos momentos, en esas miradas, en esa boca entreabierta cuando Adèle se hace grande. Es imposible no enamorarse de ella. 

En el lado opuesto está Emma. La chica de pelo azul. El otro gran personaje, con una Léa Seysoux en otra gran interpretación. Es diferente de Adéle. Tiene pasión, pero de otra manera. Más madura, convive con su particular mundo inmerso en el arte, con una vida más real en donde en muchas ocasiones la pasión se deja de lado, se aparta para lidiar con el fastidioso día a día. 

Dos actrices inmensas a las que la cámara quiere y nosotros nos entregamos a ellas. 
Luego están todos los secundarios que giran alrededor de ellas. Son personajes que están fuera de su relación. Pueden parecer prescindibles, pero como veremos son claves en el desarrollo de la película. 
A este acierto de Kechiche se le une una estupenda narración y planificación de la historia. Comprobamos que en ningún momento son juzgadas, ni siquiera da pie a ello. Amigos y padres están presentes para desaparecer en una elipsis extraordinaria, es el capítulo dos y el director nos sigue insistiendo en que solo importan ellas en esta historia. La maldita madurez aparece y con ella la obligación y el compromiso.  

La Vida de Adèle está basada en un cómic de Julie Maroh, "El azul es un color cálido", en donde como curiosidad el nombre de la protagonista era Clementine. Esto quiere decir que el director vuelve a incidir en el total protagonismo de Exarchopoulos al ofrecerle su nombre real como protagonista, siendo el verdadero alma de la película. 
El cómic está disponible e incluso hasta el pasado septiempre se pudo disfrutar de una exposición en la Sala Espacio de Madrid, organizada por la fabulosa www.sinsentido.es




Y llegó la polémica... Las escenas sexuales de Adéle. 


Se está hablando mucho de ellas. Tanto por el morbo que suscitan, como por los comentarios de varios organismos gays al plocamar que son gratuitas y que solo aportan disfrute para el espectador masculino. Ah, también están los que abiertamente hablan de pornografía, en fin... 
En mi opinión son absolutamente necesarias. En en ellas, sobre todo en la primera, una escena que dura diez minutos, encontramos una magistral muestra de la más pura y entregada pasión repleta de necesidad y de amor. Es el descubrimiento de Adèle de algo hasta ahora desconocido para ella. Dos cuerpos desnudos, entregándose el uno al otro, fundiéndose en uno solo. Aquí se detiene el tiempo. Es como si Adèle se aferrara a una nueva vida de la cual no se quiere desprender. Es el fin de la adolescencia.  

La Vida de Adèle está repleta de hermosas escenas. Son varias las que se nos quedan grabadas al acabar la proyección. Desde el comentado gesto de su pelo y los primeros planos, hasta las confidencias en el parque y en ese banco tan especial. Pero si me tengo que quedar con una, sería sin duda con la fiesta de cumpleaños de Adèle. Su mayoría de edad, con su familia y amigos. Una celebración agridulce. No están todos. Allí falta su verdadero amor. Siente que no pertenece allí, su mundo está incompleto. Nosotros asistimos a este fantástico momento mientras suena la estupenda canción de Lykke Li, "I follow rivers"

"Oh, te lo suplico, ¿puedo seguirte?

oh, te lo pido, ¿por qué no siempre?

Ser el océano donde desenredo

Se mi único, se el agua por donde vadeo

Tu eres mi río que corre con fuerza

corre profundo y corre salvaje"

Fuente: Lykke Li

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Una historia de iniciación y aprendizaje repleta de emoción. Al final hemos asistido a varios pedazos de vida y de amor que nos dejan clavados en la butaca, conteniendo la respiración, con un sentimiento de tristeza enorme, en donde el color azul ahora es de otra manera. Ese primer encuentro casual, el pelo azul, las miradas indiscretas o explícitas, se han convertido en un vestido del mismo color que ha ritmo de una estupenda melodía se pierde en busca de quien sabe qué. 

"La infancia, que espero hayáis superado, es una edad donde aún no hemos madurado, no somos lo suficiente fuertes" 

La vida de Adèle es un viaje repleto de amor. Tierno y hermoso, pero también cruel y desgarrador. Una historia que podría ser la de cualquiera. Una historia que hemos amado y vamos a añorar. No se la pierdan. 

Robert J. Walsh, Dennis Winslow & Ronn L. Chick. "Life for Today"

Fuente: yelizuylas

-"¿Por qué mientes?

- No miento.

- Entonces, ¿por qué lloras?

- No lloro."

-Ovación de casi tres minutos en el Festival de Cannes 2013-

Fuente: schermaglie1

Critica. Only God Forgives (Solo Dios Perdona).

"Tu eres mi sueño en mi corazón.

Un sueño, un sueño lejano.

Como capturar una estrella en un cielo profundo,

no estoy seguro de poder atraparlo"

-P.R.O.U.D.- Ter Keu Kwarm Fun (You are my dream)

Con estas delicadas estrofas y a modo de karaoke se despide de nosotros un título imprescindible en lo que llevamos de año. Only God Forgives es un auténtico delirio en todos los aspectos. Un western callejero con aromas de cine de samuráis, que seguro no dejará indiferente a nadie. 

Only God Forgives tiene un problema mayúsculo, la comparativa con su antecesora "Drive". Mismo director, mismo protagonista y una forma visual que recuerda bastante a la magistral película que nos sorprendió a todos hace dos años.

Pero donde Drive era un thriller al más puro cine negro, con una puesta en escena y con una acción que nos recordaba lo mejor de los ochenta, Only God Forgives cambia totalmente de estilo para ofrecernos un tour de force visual asombroso, repleto de planos perfectos, neones y personajes carentes de sentimientos. 
Nicolas Winding Refn nos ofrece una historia sencilla y áspera, en donde poco o nada sabemos de sus personajes y acciones. Tres protagonistas que aparecen y desaparecen para dejarnos un relato fascinante y violento que nos descoloca. Las diferentes situaciones y escenas que desfilan por la pantalla bien podrían haber sido un maravilloso cómic. 
Ryan Gosling encarna a una especie de "muerto viviente", un tipo escondido de su pasado en el bullicioso y peligroso Bangkok. Su madre, la impagable Kristin Scott Thomas, es un subproducto que llega desde los EEUU, con sus aires de grandeza, para a enfrentarse a un mundo que no domina liderado por el Dios-Wang, la gran sorpresa de la película, el asombroso Vithaya Pansringram, un personaje que se apodera de la película en cada una de las escenas que aparece. 

Brillante, Violenta, Envolvente, Excesiva, Kitsch, Dolorosa, Minimalista, Hipnótica, Alucinante, Fascinante, Brutal, Visceral, Onírica, Barroca, Hermosa, Siniestra, Pretenciosa, Paranoica, Exquisita, Inquietante,

 Genial Policromía. 

OGF es un cóctel explosivo, con una puesta en escena asombrosa, dominando el uso de los colores de forma fantástica, en donde el rojo se hace mayúsculo, recordando en muchos momentos al genial David Lynch. No olvidemos que una de las grandes películas de Refn es Fear X (2003), seguramente uno de los films más lynchianos que existen. 

Hay también otros directores que "aparecen en la película". En la extraña mezcla de Refn hay cabida para nombres como Gaspar Noé, Martin Scorsese o Takashi Miike. De este último, existe un particular homenaje en la poderosa escena de las agujas. Y no me puedo olvidar de Dario Argento. La utilización de los colores y de la fantástica música de Cleff Martinez, me devuelven el esplendor del director de "Suspiria".

Cleff Martinez. "Wanna Fight"

Fuente: Nathan Wex

Only God Forgives es una película Clasificada S:

 Salvaje - Sórdida- Sádica 

Que la película se titule de esta manera no es nada casual, siendo uno de sus grandes aciertos. ¿El perdón solamente es aplicable por Dios? Y entonces nosotros como seres mortales, ¿no estamos preparados o capacitados para ejercerlo? ¿Nos quedamos impasibles? O, ¿nos ponemos a la faena de ejecutar una venganza? ¿Existe el poder humano que pueda perdonar?
Muchas preguntas muy interesantes, al igual que las interrogantes sobre la figura de la policía en la película, y sobre todo de ese Ángel Exterminador y su "justicia" o ejecuciones. 

Muy controvertida, machacada en Cannes, no es una película que vaya a gustar a todos. El no adentrarse más en el argumento puede parecer un error, pero nada más lejos de la realidad. Refn nos lanza su historia para el que la quiera. Venganza y dolor. Silencios y miradas. Poco más debemos saber. Rodada con ciertos cánones del cine asiático, con el guerrero samurai encarnado en la figura del policía vengador, los lúgubres callejones, las artes marciales, etc. es la antítesis del cine comercial. Una nueva "chaladura" de un tipo que no se aferra a lo establecido por la industria. Una propuesta diferente que se agradece y mucho. Un título que si se hubiera rodado en el inicio de los años noventa sería imprescindible, pero que ahora tiene todas las papeletas para que nadie perdone a Refn. Directores como estos hacen falta para despertarnos de un cine que nos trata como a borregos. ¿Os acordáis de la primera y espléndida escena de Holy Motors? 

"Nunca son tan peligrosos los hombres como cuando se vengan de los crímenes que ellos han cometido" (Sándor Márai)

Posters: Only God Forgives

Cronica. Seminci 2013. Valladolid.

Ha terminado la 58 Edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid con un resultado bastante positivo.

No hace muchos años la tristeza y la rutina eran un denominador común. Películas frías y aburridas que consiguieron que la calidad y el prestigio creado por Fernando Lara desapareciera. Pero con la llegada de Javier Angulo y sobre todo con un buen trabajo, la Seminci ha vuelto a recuperar, por lo menos, el buen cine de siempre. El fundador de la revista Cinemanía cogió el relevo de Juan Carlos Frugone y ha ofrecido un soplo de aire fresco a la ciudad castellana. 
Estoy seguro que si el buen hacer del equipo que dirige la Seminci sigue por estas pautas, Valladolid volverá a ser un nombre muy importante dentro del panorama cinematográfico.

Con una programación muy equilibrada y coherente, salvo algún aspecto exótico como el ciclo de cine marroquí que particularmente no me interesa para nada, las películas que se han proyectado han sido en la mayoría del agrado del público y crítica.

Las secciones de siempre siguen estando ahí, con las mejoras por ejemplo de una Miniminci con títulos de animación muy interesantes.

La espiga de Oro ha sido para el remake de la obra maestra de Ozu, "Cuentos de Tokio". El director Yôji Yamada realiza "Una Familia De Tokio", nueva versión de la maravilla de 1953. ¿Era necesaria realizarla de nuevo?...

El otro gran premio sería el que llena las salas, el del público. "Short Term 12" de Destin Cretton ha sido la ganadora. Unánime reconocimiento entre los asistentes. Una película que ha gustado mucho.

Entre los títulos más interesantes que he podido ver están:

Todos queremos lo mejor para ella. Director: Mar Coll. 

La segunda película de la directora catalana Mar Coll ha supuesto una pequeña confirmación de lo que apuntaba con su debut en la interesante "Tres días con la familia" (2009).
En esta ocasión se centra en la figura de Geni, (inmensa Nora Navas -Espiga a la Mejor Actriz-), una mujer que sufre un accidente y que tiene que vivir de nuevo con el "apoyo" de su familia. Retrato de una vida que la directora saca un buen partido de él al mostrarnos la historia de una mujer que se siente alterada de su mundo natural. Una cojera, una metáfora de los tiempos que vivimos. Drama frío que no entra en sentimentalismos, consolidando a Mar Coll como uno de los nombres a seguir de nuestro cine. Nota: 7/10

Night Moves. Director: Kelly Reichardt. 

La nueva película de Kelly Reichardt era muy esperada. Tras la excelente "Meek´s Cutoff" (2010), tenía muchas ganas de ver esta nueva historia que mezcla lo indie y lo ecológico. 
Night Moves no está a la altura de su predecesora, pero el sabor de boca que me deja es francamente bueno. La premisa de la historia es interesante. Tres ecologistas se unen para volar una presa. Todos los acontecimientos que se suceden antes y después de la acción están realizados y mostrados de una manera muy tranquila y muy natural. La cámara de Reichardt sabe rodar muy bien creando una atmósfera distinta e incluso inquietante en muchos momentos. Pero su guión no está a la altura. Ciertos personajes no están bien construidos y se nota en el desarrollo de la película. La película ha sido de las más vapuleadas dentro del voto del público. Está claro que estamos ante una mirada muy alejada de los cánones comerciales. Nota: 7/10

The Rocket. Director: Kim Mordaunt. 


Desde Australia nos llega esta exótica producción premiada en Berlín a la mejor ópera prima. A priori era uno de los títulos más sugerentes y esperados que había dentro de la programación. La historia mezcla el drama con la comedia y nos ofrece un retrato costumbrista muy astutamente elaborado sobre un niño que cree que atrae a la mala suerte.
Una película muy tierna que nos ofrece todas las calamidades que pueden sucederse, rodadas como si de un cuento se tratara. Bien realizada desprendiendo una buena dosis de una vida, con algunos momentos fantásticos llenos de color. Es de esos títulos que gustaran a casi todos. Lo mejor la visión de ese Laos tan desconocido. Tal vez "demasiada bonita". Nota: 6/10

Metro Manila. Director: Sean Ellis. 

Sean Ellis es de esos directores que tienen una fama exagerada sin haber realizado prácticamente nada destacable. Con tan solo dos películas en los últimos siete años, nos llega su tercera, Metro Manila. 
La historia se centra en la capital de Filipinas y en las penurias y aventuras de una familia que cambia el campo por la gran ciudad, en busca de una vida mejor.
Allí se verán obligados a sobrevivir, sobre todo el progenitor, al enrolarse en un equipo de seguridad lleno de peligros. La película está bien realizada alternando momentos buenos con otros que no lo son tanto, ya que se adentra en el peligroso mundo de la emoción y lágrima fácil. No obstante este Metro Manila se ve francamente bien con unos actores desconocidos que cumplen en su papel y sobre todo gracias a ciertas escenas ásperas que funcionan dentro de un conjunto correctamente realizado. Nota: 6/10

Hide Your Smiling Faces. Director: Daniel Patrick Carbone. 

La película que más me ha gustado y que extrañamente no estaba en la SO. El debutante D. P. Carbone realiza en tan solo ochenta minutos, un gran retrato sobre la adolescencia apoyado con unos escenarios naturales realmente magníficos. 
No es una película fácil, ya que esta rodada de manera muy inconexa, alternando planos, casi sin diálogos. Comparada con el estilo de Terrence Malick, no es una afirmación tan atrevida. Sin alcanzar las cotas de maestría del director de Texas, Carbone nos ofrece una hermosa película, muy contemplativa pero a la vez llena de simbolismo y cierto misticismo que la hacen tremendamente atractiva. El mundo de estos jóvenes está perfectamente integrado en una atmósfera fascinante. Película que generará pocos adeptos y muchas críticas. Nota: 8/10

Run & Jump. Director: Steph Green. 

Una película que a priori no era muy atractiva. Un ama de casa que tiene que luchar y vivir tras la desgracia de un ictus ocurrido a su marido, no era muy apetecible, la verdad. 
Pero el caso es que la película es bastante agradable y entretiene. Esta clase historias siempre suelen ser algo incómodas de rodar. El dramón puede salir de aupa, de ahí que ciertos insertos de comedia las hagan mucho mas llevaderas. Este el el caso de Run & Jump. Ese difícil reto es logrado correctamente por el director, el cual carga de mucho optimismo a la historia reflejado en la mujer que también soporta esta desgracia. Irregular en conjunto, pudo ser mucho peor, pero también mucho mejor.
Nota: 5/10

Matterhorn. Director: Diederik Ebbinge. 

Casi al final del festival nos encontramos con una sorpresa para todos. Estupenda ópera prima que ya desde su comienzo nos atrapa para mostrarnos una historia francamente bien realizada, mezcla de drama y comedia, bellamente plasmada. 
Una historia muy curiosa y original, magníficamente interpretada, con ese estilo "invisible" repleto de una crítica y un humor muy sutil. Sorprendente ópera prima, es de esas pequeñas joyas que de vez en cuando se encuentran. Película muy inteligente que sabe sacar partido a cada uno de sus fotogramas acompañados de la maravillosa música de Bach. Otro de los aciertos de la Seminci que el público aplaudió mucho.  Nota: 8/10

The Canyons. Director: Paul Schrader. 

El festival ofrecía un ciclo de este director-guionista estadounidense. Aparte de su obra se presentaba su última película, una adaptación del particular mundo de Bret Easton Ellis. 
Los últimos años de Schrader no han sido muy buenos y esta no iba a ser una excepción. De nuevo, una película que no acaba de funcionar. Un thriller-drama con tintes eróticos que en muchas ocasiones roza el ridículo y en otras parece querer ofrecer el buen cine que hace años su director nos ofreció. Con Lindsay Lohan al frente del reparto, es posiblemente de lo mejor de la película.
Nota: 4/10

Afortunadamente nos hemos podido resarcir y he disfrutado recuperando de nuevo excelentes películas como "Hardcore" (1979), "Mishima" (1985) o "Posibilidad de escape" (1992) entre otras. 

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Respecto a las demás películas ofrecidas cabe destacar, porque es un auténtica gozada, el surrealismo magnífico de "Amanece que no es poco". En su 25º aniversario es un placer disfrutar de su hilarante humor con un cine abarrotado y entregado a cada una de sus escenas y diálogos. 

-"Supongo que me respetarás, ¿eh, Teodoro?

-¿Qué guarradas está usted pensando padre?

-¡Déjate, déjate! Que un hombre en la cama siempre es un hombre en la cama, ¿eh?

Por último un apunte que deberían tomar nota muchos. Los precios tan populares que la Seminci ha puesto. Es de agradecer que desde 4€ a 7,50€, se pueda asistir a cualquier película. Por ejemplo una entrada de tarde en pleno Teatro Calderón, sede principal, a 5 euritos. Una tarifa francamente asequible, y los cines llenos.  

"Reivindicamos un cine que sirva para algo más que entretener"

-Javier Angulo en la presentación de Seminci 2013-