Critica. El Viento Se Levanta de Hayao Miyazaki.

"El viento se levanta. Debemos tratar de vivir"

Durante muchos años Miyazaki ha sido (y es) uno de los más grandes. Ahora se retira (no acabo de creérmelo) y los que amamos profundamente esas historias llenas de imaginación y sobre todo VIDA lo vamos a echar mucho de menos. 

El cine de animación sigue siendo menospreciado por cierta parte de la crítica y por muchos espectadores. Siempre considerado como género de segunda fila, albergan en él auténticas obras maestras que a lo largo de los años nos han ido enamorando y apoderándose de nosotros. El maestro japonés es sin duda el que más gloriosas y memorables películas nos ha dejado. "Mi vecino Totoro" (1988) o "La princesa Mononoke" (1997), son algunas de ellas. Ahora toca el merecido descanso, la retirada y reposo del genio. Para ello ha variado el rumbo, y sus mundos y seres imaginarios tan únicos e inimitables, en cierta parte los ha dejado para ofrecernos una historia que destila puro clasicismo, un melodrama al más puro Hollywood dorado, repleto de sueños y de amor. 

El viento se levanta nos cuenta la historia de Jiro Horikoshi, un ingeniero aeronáutico japonés el cual diseñó varios cazas utilizados durante la Segunda Guerra Mundial.
Miyazaki se centra en la figura de este chico repleto de ilusión, sacrificio y sobre todo SUEÑOS, algunos de ellos tan oníricos y fascinantes como en los que aparece su ídolo, el italiano Caproni, uno de los pioneros de la aeronáutica. Para ello el maestro nipón recrea escenas magníficas realizadas con todo mimo y detalle.

A lo largo de varios años nos sumergimos en la vida de ese niño que sueña ser piloto pero que debido a su gran miopía tiene que "conformarse" con diseñar esos aparatos voladores. 
La grandeza de esta historia radica en su planteamiento y forma. Está tratada como los clásicos. Como aquel Tyrone Power de "Cuna de Héroes" (1955) de otro maestro como John Ford, Miyazaki nos muestra la vida dentro de la compañía aeronáutica y la relación con los miembros de esta, en especial con un jefe tan peculiar como entrañable.  
Si todo esto está realizado de manera notable, existe otra historia que es la que hace rozar a la película de obra maestra. Porque donde se hace grande, muy grande, es en su maravillosa historia de amor. De nuevo seguimos con puro clasicismo como si de un Frank Borzage se tratara. 

Acusada por sus detractores de tópica, podemos estar de acuerdo o no, pero está realizada de una manera tan excepcional, tan maravillosa y delicada que se alza como una de las historias de amor más románticas que nos ha regalado el cine reciente. Iniciada en un tren, no podía ser en otro medio de locomoción (sin duda el más romántico de todos), y acompañada del Gran Terremoto ocurrido en 1923, el encuentro entre Jiro y la bella Nahoko es de esos de idas y venidas, en un país destrozado por la catástrofe y en plena ebullición de una futura guerra. Recuerdos de obras maestras como "Doctor Zhivago" (1965) de David Lean o de "Tiempo de amar, tiempo de morir" (1958) de Douglas Sirk. Escenas llenas de grandioso espectáculo se mezclan con el detalle de lo invisible, en donde el cine japonés lo maneja con una grandiosa maestría, recordemos al gran Yasujiro Ozu. Los inolvidables encuentros de la pareja se ven finalizados en la mejor secuencia de la película, la maravillosa, sencilla y emocionante boda de los protagonistas, una de las mejores que he visto en la historia del cine.   

El despertar de una ilusión y la resignación ante la pérdida en una historia épica y lírica, sencilla e intimista, dolorosa en la enfermedad y en la naturaleza tan presente en la monumental obra del director nipón. Esta vez el componente fantástico es el propio viento capaz de hacer volar un sombrero para dar inicio a una gran historia de amor como aquella carbonilla de "Breve Encuentro" (1945), otra vez David Lean. El viento tan imprevisible como caprichoso, capaz de cambiar el destino y tan mágico para hacer volar unos simples y emocionantes aviones de papel. 

Una animación extraordinaria, bellísimas imágenes y una excepcional música a cargo del habitual Joe Hisaishi acompañan a esta extraordinaria película. 
Uno de los mayores soñadores que nos ha dado el cine nos ha regalado una hermosa historia de amor repleta de sueños, infancia, vida y muerte. 

El maestro se ha retirado como los más grandes, a la altura de testamentos como "Siete Mujeres" (1966) de Ford, "Gertrud" (1964) de Dreyer, "Lola Montes" (1955) de Ophüls, "Dublineses" (1987) de Huston o "Madadayo" (1993) de Kurosawa. 

El viento se levanta, pero quien sabe que es lo que nos devolverá....

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El viento se levanta (The Wind Rises - Kaze tachinu). Director: Hayao Miyazaki. Nota: 9/10

Critica. Noe de Darren Aronofsky.

"Tú seras el último hombre, y a su tiempo también volverás al polvo. La creación se quedará sola, a salvo y hermosa"

Si buscamos en el diccionario de sinónimos la palabra obsesión, no nos aparece. Pero debería incluirse un nombre con mayúsculas: Darren Aronofsky. 

Su última película Noé (Noah), está generando bastante controversia entre los fieles y adictos seguidores del director neoyorquino. ¿Ha traicionado a su estilo vendiéndose al más puro cine comercial? O por el contrario, ¿contiene sus señas de identidad intactas?

Si analizamos Noé, lo primero que vemos es la gran superproducción que es. Esto sería ilógico negarlo. Y también una historia mucho más accesible que cualquiera de las otras de su filmografía. Esta historia personal del Antiguo Testamento conecta con una amplia mayoría de espectadores, salvo los que se escandalizan por tonterías como no ser fiel a los textos bíblicos.
Entonces, ¿es este el "crimen" de Aronofsky? ¿Esta es su supuesta prostitución ante lo comercial? Definitivamente no son argumentos de peso para criticar y juzgar tan duramente este barbudo y notable Noé. 

El cine de Aronofsky siempre ha sido incómodo. Historias llevadas al extremo. Obsesiones y adicciones que hacen que sus personajes bajen a los infiernos sin la más remota posibilidad de escapar de él. Pero también su ecléctico cine ha coqueteado con el cine más comercial. ¿Acaso Cisne Negro (Black Swan. 2010) o El luchador (The Wrestler. 2008) no son dos obras "bastante comerciales"? Entonces, ¿por qué tanta crítica?

Noé puede tener sus aciertos (muchos) y defectos (pocos), pero nunca será cine que cae el lo gratuito. Particularmente, en su última película veo muchas de sus señas de identidad. Su imponente personaje principal, Noé, interpretado magníficamente por Russell Crowe, es uno de los grandes de su filmografía y en él engloba muchas de sus personales obsesiones. Aronofsky nos cuenta las diferentes etapas y estados de ánimo y moral de Noé de manera espléndida. La creencia, la duda, el enfado y por último la desobediencia y supuesta redención es el hilo conductor de esta universal historia.
En sus más de dos horas de proyección asistimos a un tour de force que nos arrastra por un camino de oscuridad y doble moral tremendo. Un tipo que bien podría haber sido un héroe pero que finalmente se nos muestra como otro humano medio villano, que porta la maldad que el diluvio trata de destruir. Muy interesante este punto de vista. El agua destruye y purifica todo, pero en el arca también hay maldad, no todos son puros. El hombre alberga innata su inocencia y su maldad. 

La película está muy bien estructurada. Asistimos a las visiones de Noé, al mandato divino, a la búsqueda de la salvación. Todo parece ser perfecto. La nueva naturaleza, los nuevos aliados, la construcción del monumental arca, pero a mitad de película todo cambia para volverse oscuro y tenebroso. Es aquí donde la historia se vuelve grande, el mal hace presencia para desembocar en una excelente escena de acción para tomar el arca y la salvación. 
Pero lo mejor aún está por llegar, y donde mejor se mueve Aronofsky. Una vez comienza el diluvio y encerrados en el arca, la atmósfera se vuelve malsana e irrespirable. Desaparece la Luz (un elemento clave en la historia), el Creador ya no aparece, ya no hay atisbo de ningún Dios. El dilema moral se apodera de Noé y el personaje que conocíamos desaparece por completo. Aumenta su "locura divina", su enajenamiento, sus espléndidas idas y venidas por el arca. Es el mejor Aronofsky, el que una vez iniciado el viaje, nos muestra el Génesis de manera soberbia.

Aronofsky ha jugado sus cartas, es evidente el reclamo comercial en sus buenas secuencias de acción. Una atracción muy sugerente para el gran público que consume vorazmente cualquier blockbuster, pero también muestra, y de qué manera, su particular cine y su particular y libre historia sobre este famoso personaje bíblico. En Noé encontramos señas personalísimas de su director como pueden ser la tremenda obsesión de su principal personaje, la búsqueda de algún sentido existencial y una muy especial como es el amor eterno, que ya expresó de manera prodigiosa en su obra maestra, la polémica La fuente de la vida (The Fountain 2006). 

Se le puede achacar cierto "piloto automático" en los primeros compases, o un villano encarnado en la figura de Tubalcaín demasiado hollywoodiense, o ese descafeinado epílogo final lo más flojo de la película, pero más allá de ser juzgada como una historia religiosa-moralista-comercial, la película de Aronofsky es la historia libre y personal de un ser humano cualquiera, de tuvo la dicha o la fortuna de llamarse Noé y ser el elegido para crear un nuevo mundo. 

Como en toda su filmografía Aronofsky nos ofrece un cine que puede gustar más o menos, pero siempre diferente y poco complaciente. Y por supuesto, un cine reflexivo que cuestiona muchos aspectos sobre el ser humano. 

Noé (Noah) Director: Darren Aronofsky. Nota: 7/10

"Si tuviéramos que entrar al jardín de nuevo, sería sólo para destruirlo una vez más. El Creador nos ha juzgado, la humanidad debe terminar"

Noé. El Cómic de Darren Aronofsky

Como ya sucediera con La fuente de la vida, Aronofsky plasmó su historia en viñetas. Junto a su co-guionista Ari Handel y con los dibujos de Niko Henrichon podemos disfrutar de un estupendo cómic, diferente a lo plasmado en la película, mucho más cercano al género fantástico que a una historia bíblica. Una mezcla de Dune, Conan o el mismísimo mundo de Tolkien. Muy recomendable. Lo podéis encontrar aquí  

El ultimo mohicano. El cine y la emocion.

El otro día en un nuevo centro comercial, inauguraban unos cines.
Tenía la ilusión de ver algo diferente. Un cine que cuidara los detalles, que se olvidara un poco de las palomitas, y que nos ofreciera algún estreno diferente, de esos que tenemos que buscar por la red porque en muchos casos las distribuidoras no quieren saber nada.

Pues iluso de mi, descubrí más de lo mismo. Las nuevas multisalas es un calco de las demás. Nada más entrar lo primero que vemos es su hall repleto de palomitas, gominolas y demás. Joder, y ¿donde se sacan las entradas?, que es lo que importa ¿no? Que esto es un cine... o acaso era un kiosko, no se, no se.

Y luego está el diseño de la sala, otra vez como si fuéramos a ver a José Tomás, el Litri, o algún torero más. Que puñetera manía de hacer las salas en forma de gradas, que barbaridad, que poca delicadeza. 

A mi no me gustan, me horrorizan, las intento evitar a toda costa. ¡Que el cine no es para ver así por favor!
¿Donde están esas salas en donde te sumergías en la butaca, sin ver a nadie más (salvo tu acompañante), en donde la película parecía que estaba proyectada solo para ti?
Una sala oscura, iluminada solamente por la luz de la pantalla, en donde podías paladear lo que habías visto, sin encender las luces en los títulos de crédito... En fin, supongo que soy un romántico del cine. 

En el cine se pasan muy buenos ratos, te ríes, lloras, pasas miedo, nervios, tensión, etc..
El caso es, que siempre me viene a la memoria, un recuerdo precioso. Hace ya unos añitos, veinte para ser exactos, asistí a un momento maravilloso, en donde comprobé la grandeza del cine. 

Era el estreno de "El último mohicano", y en un cine de los de antes, en las primeras filas, comprobé lo que era la Emoción.
En la última y maravillosa secuencia de esta película de aventuras, miré a mi compañero anónimo de butaca y vi en sus ojos y en su expresión, la alegría de vivir. Su entusiasmo, su emoción, era desbordante, ¡era tan palpable!. Ese rostro nunca lo olvidaré, era la expresión de la inocencia, de la evasión, del disfrute y del gozo por encima de todo.
Me acompañará para el resto de mi vida. Me hubiera gustado coincidir con esa persona más veces y compartir su alegría.

El último mohicano. Director: Michael Mann. 

Y es que "El último mohicano" es una pelicula maravillosa. Una de las últimas grandes de aventuras que nos ha dado el cine. 

Michael Mann, rodó una historia épica, llena de espectáculo, con una, perdón, dos preciosas historias de amor, que siempre recordaremos.

Daniel Day-Lewis y Madeleine Stowe, estuvieron mejor que nunca. El primero alejado de sus interpretaciones tan, voy a llamarlas "excesivas" para no molestar a nadie, y la segunda logra su mejor interpretación.

Es una película con un potente romanticismo, diferente, lleno de miradas y de silencios.

"Pase lo que pase, manténte con vida; iré a buscarte. Por mucho que me cueste, por muy lejos que estés, te encontraré"

Y de la música? Que me decís? Imposible olvidar su maravillosa e inmortal banda sonora.
Trevor Jones & Randy Edelman crearon una delicia para todos los sentidos.
Cada vez que la escucho me transporto a esos lugares, a esos bosques y montañas, a esa cascada tan especial...

Lo mejor: Su secuencia final. Una de las más emocionantes de los últimos años. 

Lo peor: Que se siga viendo como una de aventuras sin más. Afortunadamente el tiempo la está poniendo en su lugar.

Aquí os dejo con su famosa secuencia, acompañado de su preciosa música. 

"Dicen que la muerte y el honor son la misma cosa pero hoy he comprendido que a veces no es así"

"El pueblo de mi padre dice que cuando nacieron el Sol y su hermana la Luna su madre murió. El Sol le ofreció a la Tierra el cuerpo de su madre del cual surgió la Vida y de su pecho extrajo las Estrellas y las lanzó hacia el cielo nocturno en memoria de su espíritu"

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Por último, quiero dar las gracias a todos aquellos que me han acompañado a lo largo de este año.
Sí, hoy cumplo un añito de andadura, y si los dioses me lo permiten, espero estar muchos más con vosotros. 

Un abrazo a todos los que en menor o mayor medida han pasado por aquí.

By themico

Amarcord.... ¿cuales son tus recuerdos?

"Amarcord" es una monumental película de Federico Fellini. Una Obra Maestra.

En ella el director recuerda su infancia. Un viaje a la memoria en un pequeño pueblo italiano de los años treinta.

Una crónica nostálgica, llena de poesía, surrealista y satírica.

El más sentimental Fellini se adentra en la bruma de sus recuerdos para ofrecernos una visión inolvidable de su infancia y juventud.

Según en propias palabras del director es una infancia algo inventada, pensada para la gran pantalla, es la nostalgia de aquellos recuerdos.

Una maravillosa historia llena de escenas y momentos inolvidables, en donde el tiempo es un elemento clave de la historia. Contada de primavera a primavera, e incluída en los años del fascismo, son muchas las historias que se acontecen con personajes a la cual más entrañables, y sobre todo "fellinianos".

Así tenemos: el padre y la madre,la mítica estanquera, el conde, los maestros de escuela realmente pintorescos, el fascista, la Volpina, prostitutas paseándose en coches de caballos, la Gradisca sexy y romántica, los aristócratas decadentes, el tío de la familia (inolvidable la escena que se sube a un árbol pidiendo a gritos una mujer), el guapo del pueblo totalmente hollywoodiense,...

Inolvidables las comidas familiares,... con bronca incluida. Situaciones cómicas, muy caricaturescas. El padre "comiéndose el sombrero", la madre amenazando con echar veneno en la sopa,etc.

Pero también alberga un retrato muy tierno y angustiado. Escenas memorables y tan emocionantes, como cuando la madre se mira en el espejo, y se siente vieja, mayor y cansada. Y en el hospital, enferma, comprueba como su anillo se sale del dedo, síntoma de una vida que ha perdido, está a punto de morir.

O cuando el padre después de enterrar a su esposa vuelve a la costumbre de sentarse a la mesa y juguetear con unas migas de pan.....Son algunos momentos excepcionales de esta película.

Y que decir del momento hilarante con la estanquera!! 

Una película que no da respiro, excesiva, las historias se suceden unas tras otras.

Es un pueblo en el que hay acontecimientos constantes. Lleno de vida, un tiempo añorado que no volverá a existir. 

Carreras de coches, hogueras, fogatas y celebraciones, la gran nevada, o esa niebla que lo cubre todo, una escuela esperpéntica, el paródico desfile fascista, la iglesia, los curas y el confesionario, el Gran Hotel, la aparición del transatlántico, la boda de la Gradisca que pone punto y final.

Pero "Amarcord" también es Nino Rota. El portentoso compositor siempre estará asociado a Fellini. Compone una hermosísima música, con ciertos toques nostálgicos, inolvidable.

 

Dirigida espléndidamente y con una puesta en escena y escenografía increíble, la película es bastante compleja, en cada nuevo visionado descubrimos algo nuevo que la enriquece aún más.

Un viaje a la memoria onírico. Una historia agridulce, llena de vida y aprendizaje.

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"Amarcord" significa "yo recuerdo", y eso es lo que voy a hacer, y me gustaría que me acompañarais.

¿Cuáles son vuestros recuerdos sobre el cine? ¿Qué película recordáis con más cariño? ¿O cual fue aquella película, actor, actriz, etc que hizo que os empezara a gustar esto del cine?

Mi recuerdo es en mi casa, los fines de semana, en la cama de mis padres. Me despertaba y corriendo me metía en ella. Allí mi padre me narraba muchas películas y actores. Por ahí desfilaban Burt Lancaster, Kirk Douglas, John Wayne, Errol Flynn, Alan Ladd, etc.

De tantas y tantas, siempre guardo el recuerdo de dos de ellas. Dos maravillosas películas que tienen mucho que ver en que lo mucho que me gusta el cine...."El halcón y la flecha" y "Raíces Profundas".

La primera de ellas es una estupenda película de aventuras, rodada por el excelente Jacques Tourneur. 

Ahí está Burt Lancaster! Y le acompaña Virginia Mayo, y su inseparable compañero Nick Cravat. 

Rodada con un pulso impresionante, es el paradigma de la gran película de aventuras. 

Una ocasión para volver a la infancia, emocionarse, y vibrar con esta memorable película. 

Como me gusta Burt Lancaster! Si os fijáis es difícil encontrar una película mala de él. Todas son entretenidísimas y muchas de ellas magistrales. 

Y una del oeste.. un western magistral. Una Obra Maestra de George Stevens.

Creo que el actor favorito de mi padre siempre ha sido Alan Ladd. Un actor injustamente infravalorado que aquí interpreta a un inolvidable personaje como el de "Shane". 

La maravillosa Jean Arthur, Van Heflin o un villano tan excelente como Jack Palance, completan el reparto.

 

Este solitario y misterioso pistolero ha sido copiado en muchas ocasiones, la más clara "El jinete pálido" el excelente western de Clint Eastwood.

Una hermosísima película, aparentemente sencilla en su planteamiento, pero llena de matices y valores. 

Un duelo final inolvidable para una de las grandes de este género, mi preferido,.. el western.

Os espero a todos con vuestros recuerdos cinematográficos. Memoria nostálgica que siempre llevaremos con nosotros. 

Camino a la libertad, de Peter Weir.

No se si será una injusticia o no, pero el caso es que creo que nos hemos olvidado de esta película, yo por lo menos. En la pasada lista de lo mejor del año pasado aquí podría haber estado perfectamente. 

Ayer por casualidad, en un canal de televisión, a horas intempestivas (las de las buenas películas), la volví a ver... y que buena es!

Nos estamos acostumbrando a un cine copia/pega. Con montajes que son una auténtica locura. Infinidad de planos. Muy frenético, en muchas ocasiones sin ningún sentido. 

La factura videoclip hay que saber hacerla. Puede haber directores que le sale muy bien y realizan grandes trabajos, ahí esta Tony Scott, que con una filmografía muy desigual tiene magníficas películas. 

Pero en general el abuso, la reiteración en los planos es síntoma de un director mediocre, que como no sabe rodar, oculta sus carencias de esta manera. 

Vamos con la película y con el estupendo Peter Weir.

Camino a la libertad. The Way Back. 2010.   

Director: Peter Weir

Guión: Peter Weir, Keith R. Clarke -Novela: Slavomir Rawicz-

Música: Burkhard von Dallwitz

Fotografía: Russell Boyd

Reparto: Jim Sturges, Ed Harris, Colin Farrell, Saoirse Ronan.

Nos cuenta la historia de como tras la invasión de Polonia por los nazis, nuestro protagonista fue detenido por el ejercito soviético y encarcelado en un gulag de Siberia. 

Poco después junto con otros presos logra escapar y consigue en una gran odisea llegar desde Siberia hasta la India, todo ello recorriéndolo a pie.

Contada en primera persona, es la adaptación de "The Long k: The True Story of a Trek to Freedom" de Slavomir Rawicz.
Una historia impresionante ya que desde Siberia hasta llegar a la India tuvieron que atravesar el Himalaya, el desierto del Gobi y el Tibet. Unos diez mil kilómetros!!!

Como sucede en la misma película, esta clase de propuestas es un verdadero "oasis" dentro del panorama que tenemos. 

(Por cierto os habéis fijado en los estrenos de este fin de semana...lamentable.)

Una película de aventuras, a la antigua usanza

Muy bien realizada, con muchos estupendos momentos.

Los actores están excelentes. Aparte del gran Ed Harris, aquí Colin Farrell está que se sale. Un actor no muy reconocido, que a lo mejor hay que ver con otros ojos. Este irlandés tiene carácter y sabe interpretar. Tan solo tiene que tener un buen director detrás.

Películas de aventuras escasean. Un genero espléndido hace años, ahora nadie se arriesga, además de no ser muy bien tratadas entre crítica y público. 

No ha sido un éxito de taquilla. No hay 3D, efectos especiales, ni "leches en vinagre". Ni falta que hace.

Esta es una odisea que merece mucho la pena. Una historia en donde se pasa mucho frío, mucho calor, mucha hambre (la escena en que roban la comida a unos lobos...), muy entretenida y emocionante.

Excelente música y grandes paisajes a lo David Lean.

  El tiempo la pondrá en su lugar. Magnífica. 

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Filmografía: Peter Weir.

¿Y Peter Weir? Un estupendo director injustamente olvidado.

Yo lo definiría como un artesano. De los de antes. Del club de los Henrys... Hathaway, King.

Catorce películas, y ninguna mala. Todas son producciones interesantes como poco.

Australiano de nacimiento se dio a conocer con la estupenda Gallipoli.

Aquella historia de la Primera Guerra Mundial de dos atletas, de dos amigos.

Segundo éxito de  Mel Gibson tras Mad Max.

Una excelente película con escenas inolvidables. 

Anterior a esta, tiene dos muestras muy interesantes como La última ola (1977) y su ópera prima Picnic en Hanging Rock (1975)

 

La última película que rodó en su país natal fue una Obra Maestra: El año que vivimos peligrosamente (1985).

Tambien con Mel Gibson, con la maravillosa Sigourney Weaver y con la sorpresa de Linda Hunt.

La película es un magistral drama romántico. Un relato de aventuras emocionante, pasional.

Una de las mejores películas de los años 80.

Cuenta con una de las mejores escenas románticas de la historia del cine. 

Y llega el salto a Hollywood. Con,ni más ni menos una magistral película: Único Testigo (1985).

Otra de las grandes del los 80.

La historia de un policía en una comunidad "amish", para proteger a un niño testigo de un asesinato, el romance con la madre, toda la acción que se desencadena...... sensacional.

Un excelente policíaco, rodado maravillosamente, con escenas inolvidables. Harrison Ford, Kelly McGillis en el granero y el maravilloso "Wonderful World" de Sam Cooke, impagable. aquí

 

Después sigue un periodo de siete años, donde hay un bajón de calidad en las películas de Weir.


Son propuestas interesantes, pero que no alcanzan la grandeza de estas anteriores.


Así tenemos la fallida La costa de los mosquitos (1986); la muy interesante, sobre todo con un buen guión, y también sobrevalorada El club de los poetas muertos (1989); la simpática Matrimonio de conveniencia (1990); y un experimento arriesgado que no salió del todo bien Sin miedo a la vida (1993).

Pero cinco años después nos regala otra joya.... El show de Truman (1998).

Una de las propuestas más brillantes de los años noventa. 

Cuenta con un portentoso guión de Andrew Niccol.

Weir hace lo que mejor sabe, dirigir. El resultado una magnífica película.

Posiblemente la única película que me gusta del histriónico e insufrible Jim Carrey. 

Por cierto retomo la injusticia de los Oscars. Ese año gano  Shakespeare in love. 

Entre las otras nominadas estaban: una Obra Maestra como Salvar al soldado Ryan o la magitral La delgada línea roja.

El show de Truman no estaba nominada. Pero al director sí!! De locos!!

Otros cinco años de espera para ofrecernos su penúltima película.

Otra magistral... De aventuras... Master and Commander (2003).

La historia de un navío inglés surcando los mares, con una misión y un destino.

Weir logra una épica película de aventuras, de acción.

Muy arriesgada ya que esta clase de películas ya no se ven. Desde los tiempos de Gregory Peck en la maravillosa El tiempo en sus manos de Raoul Walsh, no habíamos disfrutado de esta clase de cine. Y eso que está Russell Crowe, un actor muy sobrevalorado. Prácticamente es la misma actuación siempre. Aquí, en Gladiator, Robin Hood... siempre con los mismos registros interpretativos.

Bien, bien, está en El dilema, la gran película de Michael Mann.

Me gusta mucho Peter Weir. Tiene una notable filmografía. Películas conocidas, sí. Pero él como director poco. Preguntad a los nuevos espectadores si le conocen.... una pena. Uno de los directores que merecen que pasemos por taquilla.

Si no habéis visto todavía alguna de estas, corred a verlas. Yo os las recomiendo para pasar un rato extraordinario. 

La invención de Hugo, de Martin Scorsese.

Scorsese aparte de ser un excelente director, es un gran cinéfilo.

Es un verdadero placer leer sus críticas y opiniones de los grandes clásicos, cine moderno etc.

En esta película se nota y mucho el amor que tiene al cine.

Reconozco que cuando me enteré que estaba rodando una historia infantil y en 3D, me desconcertó bastante.

La última película suya me dejó bastante frío. No me gustó. Tan solo el estupendo comienzo era lo único salvable de Shutter Island.

Al director de Obras Maestras como Taxi Driver, Toro Salvaje, Uno de los nuestros (Goodfellas), se le debe exigir más.

Tiene una estupenda filmografía ya que aparte de estas obras inmortales ha rodado espléndidas películas como Malas Calles, After Hours, Casino y una cinta que no está reconocida como la gran película que es: Bringind out the dead (me opongo a llamarle por el estúpido título en español... Al límite).

En este caso de Hugo es toda una sorpresa. Por el giro en su filmografía y porque realmente ha salido airoso de ella. 

Hugo (lo de la invención... mejor obviarlo) es una maravillosa película

Hugo. (Hugo Cabret) 2011.  

Director: Martin Scorsese

Guión: John Logan - Novela: Brian Selznick-

Música: Howard Shore

Fotografía: Robert Richardson 

Reparto: Asa Butterfield, Chloe Moretz, Ben Kingsley, Sacha Baron Cohen, Jude Law, Christopher Lee

A través de la historia de un niño huérfano que vive y "trabaja" en una estación de trenes de París, el director  realiza un emotivo homenaje al cine y a sus pioneros. En especial a George Meliés.

Scorsese nos deslumbra de principio a fin con una estupenda historia y con el gran apoyo de unos maravillosos decorados, puesta en escena, dirección artística, etc.

 Visualmente es perfecta

Además, como os decía, nos ofrece un brillante y merecido homenaje unos de los grandes pioneros del cine, y de los más imaginativos que ha habido: George Meliés. 

Se nota el entusiasmo de Scorsese a la hora de rodar esta película. Su amor al cine está presente en cada fotograma de ella. Un París de los años treinta, maravilloso. Además, que esté ambientada en una estación, la hace todavía más especial.

La historia del chico, del autómata, la llave y sobre todo de la aparición del propio Meliés hace que todo el conjunto sea realmente delicioso.

 Sentimiento, ilusión y sueños

Me gusta mucho el tratamiento del personaje de Meliés. Un genio del séptimo arte, que desgraciadamente vive en el anonimato con su tienda de "maquinitas", y antigüedades.

Una historia muy real, ya que tristemente esto pasa a menudo. Son muchos los genios que han quedado en el olvido.

Al parecer Scorsese se inspiró  en el libro de Selznick que habitualmente leía con su hija, de doce años.

Quería rodar una película que pudiese ver su hija. No olvidemos que una de las características del director son sus dosis de violencia en muchas de sus anteriores producciones.

Aquí sin embargo cambia total y radicalmente de registro. Scorsese cambia el chip y nos regala un viaje delicioso desde el 3D en el cual esta rodada la película hasta los orígenes del cine. 

Este 3D, que por cierto esta francamente muy bien, aunque no es primordial para el desarrollo de la película, creo que no es casual.
Hay cierto paralelismo entre los inicios del cine y el 3D.

Ya en 1895 en las primeras proyecciones del corto "Un tren llegando a la estación" de los hermanos Lumière, los espectadores se levantan asustados ante el realismo de las imágenes (imagen que vemos en Hugo).
Sorpresa parecida (creo sinceramente que fue más en aquella época. Un shock sin duda) a la que ofrece ver el 3D. Aunque no siempre con grandes resultados.

En Hugo hay una fantástica escena. El magnífico inicio para mostrarnos la torre del reloj de la estación.

Habría que preguntarse que es realmente el 3D. ¿Los "bichos" y acción de Avatar, que sinceramente poco ha aportado? ¿O los primeros planos que salen de la pantalla para alojarse literalmente en nuestra retina y cerebro?
Este "3D" es el bueno, el que me gusta. El otro... un camelo. 

También hay muchos homenajes. Al cine mudo, a los orígenes. Chaplin, Harold Lloyd, etc. Esa escena de Hugo colgando de la manecilla del reloj!

Otro aspecto de la película que me gusta mucho son las pequeñas y paralelas historias que nos encontramos en la estación. 

Destacan dos sobre todas las demás. La aparición de la chica y las visitas a la biblioteca (otro gran homenaje al maravilloso mundo del libro!), recíprocamente recompensado con el descubrimiento por parte de ella del cine.

Que maravilla este descubrimiento!

La otra historia es la del policía. Aquí tengo mis dudas.
El personaje interpretado por Sacha "Borat" Cohen, me gusta y me disgusta a partes iguales. Un policía chapliniano, pero sin el talento del gran Chaplin.
Supongo que el cierto histrionismo del actor me resulta algo "cargante".
Es el único punto débil que encuentro a la película.

He oído y leído críticas sobre el comienzo. Que si es muy lento, que la historia no avanza, etc. No las comparto, a mi me gusta mucho. Tanto, como el alabado descubrimiento de Meliés.

Por último os quiero lanzar una pregunta. ¿Es una película para niños?

Creo sinceramente que la mayoría de los niños, "endemoniados" por playstation y demás artilugios, no van a percibir el mensaje de la película.

Supongo que soy de una generación perdida, en donde los tebeos, los libros y las maravillosas sesiones de cine en programa doble eran una auténtica delicia.

Hugo es bastante pedagógica. Cine y literatura como grandes pasiones, ni más ni menos!
Los padres que todavía no han inculcado estos valores, lo maravilloso que puede ser un libro o una película en el cine, que cambien el chip cuanto antes!

Hugo más que para niños, es para el niño que llevamos nosotros dentro. (El que lo lleve, claro está. Yo por mi parte, no lo he perdido)

Como os digo siempre, ya sabéis, la tenéis en el cine...

Hugo es pura magia

Por último termino como empezaba. Resaltando el verdadero placer que es escuchar a Scorsese hablando de cine. 

Os recomiendo dos estupendos documentales:

Un viaje personal con Martin Scorsese a través del cine americano. (1995)
Cuatro horas de repaso al cine. Desde sus inicios hasta los setenta, donde el director empezó su carrera

Mi viaje a Italia. (1999)
Otro viaje de cuatro horas a través de todo el cine italiano que tanto fascinó a Scorsese cuando era pequeño.

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El director también aparece brevemente en Hugo.