Halloween. Terror. Horror. Miedo. Y por supuesto Cine. Muchas recomendaciones o revisiones. Todos tenemos nuestro título. En esta ocasión hay que hacer justicia y desempolvar un título de principios de los setenta. Aquellos en donde se daba mucho mayor importancia a la atmósfera e historia que al derroche de hemoglobina que estamos sufriendo en la actualidad. Messiah of Evil es de esas películas que bordean el peligroso aspecto del ridículo. Es verdad que hay momentos hilarantes, con alguna actuación realmente chirriante que nos saca de la historia, pero en general estamos ante una estupenda película que seguramente haya influenciado a muchos de los grandes directores que conocemos. Por poner un ejemplo, al maestro David Lynch le fascina y al gran Rob Zombie... también.
Messiah of Evil. Director: Willard Huyck & Gloria Katz
¿Por qué hay que verla?
Por su encantadora atmósfera de pesadilla. Un sueño real/irreal narrado de una forma distinta.
Por su estética tan psicodélica como vintage. Posee una imaginación y fotografía excelente. La moda de los 70 tan presente hoy en día. Seguro que a más de un diseñador le parece un dossier de ideas maravillosas.
Por recordarnos a uno de los más grandes: H.P. Lovecraft. Las pesadillas del genial escritor están presentes en cada plano de la película.
Por descubrirnos a Point Dune. Otro de esos lugares ya míticos (como Potters Bluff de Muertos y Enterrados). Un lugar extraño y malsano, con ese aire tan onírico como opresivo.
Por ofrecernos con gran acierto la sensación de que todo parezca un inquietante sueño.
Por su acertadísima banda sonora. Ya sabéis que en muchas ocasiones una mala música estropea hasta la mejor de las películas de terror. Aquí no es el caso, consigue inquietarnos aún más con su partitura.
Por dos de las mejores secuencias del cine de terror, la de supermercado y sobre todo la del cine...
Por descubrir una película tan extraña como perturbadora, tan surreal como bizarra.
Por su primera escena, tan estupenda como tan extraña, ya que no tiene nada que ver con la película. Otra rareza más a añadir.
Por esa estética y esos colores que nos recuerdan al giallo y a DarioArgento. Sin olvidarnos de Lucio Fulci y su gran El más allá.
Por ofrecernos algo más detrás de esta historia. El cine norteamericano cambia sus principios y empieza a analizar la maldad del ser humano. La amenaza y odio a la libertad y modernidad, y por qué no hacia todo lo femenino. Punto donde retomo a Rob Zombie y su magistral The Lords of Salem.
Y porque si la ves en programa doble con su pariente cercano El carnaval de las almas seguro que vas a disfrutar de algo por lo menos... diferente.
Así de rotundo y así de contradictorio. Bienvenidos al particular y a ratos genial mundo de este director especializado en la serie B. Adentrarse en su imaginativa mente es toda una experiencia. Más prolífico como guionista que como realizador,Cohen, por méritos propios, merece ser rescatado de un atípico olvido. Un cineasta destroyer con muchas y buenas ideas que plasmó a su manera en los distintos y variopintos largometrajes que realizó.
God Told Me To es sin duda la cima de su carrera. Una inclasificable película que mezcla terror, ciencia ficción, blaxpotation y policíaco de los años setenta en la cual solo falta Al Pacino apareciendo en esas lúgubres comisarías. Como protagonista tenemos a un estupendo Tony Lo Bianco, un policía confuso en medio de un sórdido y real Nueva York plasmado maravillosamente el cual no tiene nada que envidiar al mejor Scorsese o Ferrara. Sin olvidarnos de la actriz Sylvia Sidney, una de las grandes de los años treinta. En la escena que aparece se come literalmente la película. Algo confusa, con un montaje estrambótico y acelerado que en ocasiones hace que nos preguntemos qué diantres estamos viendo. Mujeres vírgenes inseminadas por extraterrestres, dioses o diablos. Un ser celestial¿? hermafrodita con una vagina monstruosa. Sin olvidarnos de un discurso religioso muy potente. El poder de Dios a través del miedo y el caos. Fanatismo y sátira religiosa. En la ambiciosa God Told Me To hay cabida para todo.
¿Nuestros Dioses son en realidad extraterrestres?
Con todos estos defectos y virtudes la película queda como un excelente film, muy bizarro y setentero, en definitiva muy Larry Cohen. Una historia maravillosamente imaginativa, alocada, con unas buenas interpretaciones y una partitura musical que lamentablemente no pudo realizar el elegido/fallecido, el gran Bernard Herrmann, pero que cumple a la perfección.
Como curiosidad el genial título God Told Me To fue cambiado ante la enfurecida protesta de la comunidad cristiana al de ... Demon. Toda una auténtica aberración. A los que nos gusta el gran John Carpenter seguro que la película nos recordará muchos de sus excelente títulos. Estoy convencido que God Told Me To es una de sus películas favoritas. Esta no es una película fría y calculada. Aquí hay pasión y alma. Pero mejor no contar nada más... Buscadla, corred a por ella, no os dejará indiferentes. Ah, esta película la vi porque.... Dios me lo pidió
Los setenta, fue una década llena de películas diferentes que rompieron con la cierta monotonía que se había generado en la década anterior.
Después de los maravillosos cincuenta, los estudios se empezaron a quedarse sin ideas y el cine atravesó una crisis importante.
Fueron los setenta y una serie de directores los que cambiaron el rumbo de Hollywood, creando nuevas expectativas y sobre todos grandes películas. Ahí tenemos, los Coppola, Scorsese, Spielberg y compañía.
En 1973, un tipo llamado Terrence Malick debutó con una deslumbrante película. No tuvo un gran éxito, pero con los años se ha ido revalorizando, sobre todo al generarse en su figura una cierta polémica, y un halo de secreto y misterio en todo lo que realiza. Tenemos muy reciente su última y discutida Obra Maestra "El árbol de la vida".
"Badlands"......"Malas Tierras"
En esa época tan revuelta y tan convulsa, los americanos siempre han agradecido y les ha gustado la figura del chico malo, del rebelde sin causa que no acata las normas, que se rebela contra todo, con buen corazón y con un encanto especial lleno de lirismo y libertad.
Uno de los mejores ejemplos es este Kit que interpreta Martin Sheen. El inolvidable protagonista de "Apocalypse Now", realiza uno de sus mejores trabajos. La figura de este "James Dean", es inolvidable.
Treinta y nueve años después, "Badlands" continua siendo una gran película y una de las mejores de su director.
Malick, tipo raro donde los haya, el "Salinger cinematográfico", un profesor de filosofía que se pasó al cine, realizó una pequeña película, lejos de sus grandilocuentes obras actuales, con un maravilloso resultado.
"...poco podíamos imaginar lo trágico que pasaríamos, desde un pueblecito tan cateto como Rapid City(Oklahoma), hasta las malas tierras de Montana...".
La historia inspirada en un hecho real, no obtuvo éxito del público, pero a cierta parte de la crítica le llamó la atención, no la dejaron en el olvido y menos el nombre del director. Veían una nueva promesa que sin duda poseía un arrollador talento y un universo propio. Por cierto donde si tuvieron buen ojo, fue en el Festival de San Sebastián otorgándole la Concha de Oro a la mejor película.
La historia es sencilla, el encuentro y huida desesperante de dos jóvenes tras la muerte accidental del padre de ella.
Espléndida dirección de Malick, que realiza una película con su habitual tono poético. Una historia dura, dos jóvenes buscando su propia identidad.
El director tejano retrata excepcionalmente la América profunda, en un entorno, un país a la deriva con un futuro no muy claro.
Uno de los puntos fuertes son las interpretaciones de dos grandes actores, Martin Sheen y Sissy Spacek.
El primero no llegó a ser la gran estrella que prometía, problemas con el alcohol y el error en algunos casting han hecho que Sheen haya perdido mucha fuerza y haya quedado relegado para algún papel secundario o para la pequeña pantalla.
A medio camino también se quedó la espléndida Sissy Spacek. Gran actriz, que no ha tenido la fortuna de tener esa continuidad que les hace diferente del resto. Su carrera está llena de grandes interpretaciones. "Carrie", "Missing", "Aflicción" o "Una historia verdadera" dan buena fe de ello. Es de esas actrices que la vemos y decimos que buena es!
Aquí ambos están soberbios. Un nuevo James Dean y una chica fascinada por él.
Película con un romanticismo claro, pero a la vez muy real y desmitificador.
Son varias las escenas que nos cuentan que esta es otra historia. Ya desde el primer encuentro con el camión de la basura, o cuando ella pierde la virginidad, no encontramos nada placentero en ellas, vemos la tristeza de escapar de un mundo que no es para ellos.
Dos jóvenes introvertidos y desorientados, que se encuentran fuera de esa sociedad.
Su primer delito, hacer el amor bajo el "árbol de la vida".
Me gusta mucho, como narra la historia Holly. Una de las claves del cine de Malick es la voz en off.
Asistimos a una mirada totalmente inocente, inundada por el encuentro del primer amor. Son varias postales donde asistimos al discurso de ella. Bellísimas imágenes de una América desencantada.
"Es preferible vivir una semana con amor, a toda una vida de soledad"
Palabra (Holly) e imagen (Kit), se funden en un retrato hermoso, poético, lírico y sobre todo nada convencional.
El "chico malo" es otro punto fuerte. De buen corazón pero un joven salvaje, que realiza sus actos por impulsos, se cree diferente, de otra época, incluso cuenta con nuestra benevolencia y cariño.
Soprende la admiración de sus propios perseguidores. Magnífico el momento de su captura, con ese diálogo tan especial sabedor que le espera la pena de muerte, pero para él es un éxito, una forma de vida.
"¿Cómo te gustaría que te recordasen, Kit?"
-Vive rápido, muere joven y deja un bonito cadáver-
Una escena bellísima es el momento que bailan en el desierto. De fondo una canción de Nat King Cole. Un momento íntimo y poético. En donde se les ve unidos de verdad. Un instante efímero y etéreo de estas dos personas solitarias.
Lógicamente hay que hablar de la maravillosa música, y sobre todo de Carl Orff, sí el mismo de "Carmina Burana".
Una melodía inmortal, que fue copiada por Hans Zimmer para la excelente "True Romance" (la cuál, daré cuenta de ella proximamente). Seguro que estando Tarantino de por medio algo tendría que ver.
Lo que gusta tanto y suena aquí es "Gassenhauser" perteneciente a "La música poética" de Orff. Y al parecer basado en una danza del Renacimiento.
La elección de esta música no es casual, el genial director la incluye como un canto total a la libertad, a romper con las reglas y con el sistema social establecido. Una música para escuchar a lo grande, recordando esos espacios abiertos que recorren Kit y Holly.
Malick la utiliza como un intérprete más, un acierto que ha quedado grabado para siempre. Maravillosa.
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Por último destacar a Malick, el peculiar director tejano rueda con su habitual elegancia, cercana a la poesía, capaz de sacar todo lo mejor en cada fotograma, un creador diferente que nos regaló esta Obra Maestra.
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Como la canción del Boss, esta "Badlands" (me encanta el título), nos habla de una época diferente, agridulce, triste, de vidas rotas, en busca de algo, del amor, o de la propia identidad.
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"Malas tierras, has de vivirlo cada día
mientras el corazón roto
es el precio que has de pagar
sigue empujando hasta que lo entiendan
y estas malas tierras empiecen a tratarnos bien"
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Sí! es el misterioso director. Una breve aparición en su ópera prima.
A modo de curiosidad un video de la presentación de la película en la 2 de Televisión Española. "Cine Club". Era el año 1996....
"Amarcord" es una monumental película de Federico Fellini. Una Obra Maestra.
En ella el director recuerda su infancia. Un viaje a la memoria en un pequeño pueblo italiano de los años treinta.
Una crónica nostálgica, llena de poesía, surrealista y satírica.
El más sentimental Fellini se adentra en la bruma de sus recuerdos para ofrecernos una visión inolvidable de su infancia y juventud.
Según en propias palabras del director es una infancia algo inventada, pensada para la gran pantalla, es la nostalgia de aquellos recuerdos.
Una maravillosa historia llena de escenas y momentos inolvidables, en donde el tiempo es un elemento clave de la historia. Contada de primavera a primavera, e incluída en los años del fascismo, son muchas las historias que se acontecen con personajes a la cual más entrañables, y sobre todo "fellinianos".
Así tenemos: el padre y la madre,la mítica estanquera, el conde, los maestros de escuela realmente pintorescos, el fascista, la Volpina, prostitutas paseándose en coches de caballos, la Gradisca sexy y romántica, los aristócratas decadentes, el tío de la familia (inolvidable la escena que se sube a un árbol pidiendo a gritos una mujer), el guapo del pueblo totalmente hollywoodiense,...
Inolvidables las comidas familiares,... con bronca incluida. Situaciones cómicas, muy caricaturescas. El padre "comiéndose el sombrero", la madre amenazando con echar veneno en la sopa,etc.
Pero también alberga un retrato muy tierno y angustiado. Escenas memorables y tan emocionantes, como cuando la madre se mira en el espejo, y se siente vieja, mayor y cansada. Y en el hospital, enferma, comprueba como su anillo se sale del dedo, síntoma de una vida que ha perdido, está a punto de morir.
O cuando el padre después de enterrar a su esposa vuelve a la costumbre de sentarse a la mesa y juguetear con unas migas de pan.....Son algunos momentos excepcionales de esta película.
Y que decir del momento hilarante con la estanquera!!
Una película que no da respiro, excesiva, las historias se suceden unas tras otras.
Es un pueblo en el que hay acontecimientos constantes. Lleno de vida, un tiempo añorado que no volverá a existir.
Carreras de coches, hogueras, fogatas y celebraciones, la gran nevada, o esa niebla que lo cubre todo, una escuela esperpéntica, el paródico desfile fascista, la iglesia, los curas y el confesionario, el Gran Hotel, la aparición del transatlántico, la boda de la Gradisca que pone punto y final.
Pero "Amarcord" también es Nino Rota. El portentoso compositor siempre estará asociado a Fellini. Compone una hermosísima música, con ciertos toques nostálgicos, inolvidable.
Dirigida espléndidamente y con una puesta en escena y escenografía increíble, la película es bastante compleja, en cada nuevo visionado descubrimos algo nuevo que la enriquece aún más.
Un viaje a la memoria onírico. Una historia agridulce, llena de vida y aprendizaje.
"Amarcord" significa "yo recuerdo", y eso es lo que voy a hacer, y me gustaría que me acompañarais.
¿Cuáles son vuestros recuerdos sobre el cine? ¿Qué película recordáis con más cariño? ¿O cual fue aquella película, actor, actriz, etc que hizo que os empezara a gustar esto del cine?
Mi recuerdo es en mi casa, los fines de semana, en la cama de mis padres. Me despertaba y corriendo me metía en ella. Allí mi padre me narraba muchas películas y actores. Por ahí desfilaban Burt Lancaster, Kirk Douglas, John Wayne, Errol Flynn, Alan Ladd, etc.
De tantas y tantas, siempre guardo el recuerdo de dos de ellas. Dos maravillosas películas que tienen mucho que ver en que lo mucho que me gusta el cine...."El halcón y la flecha" y "Raíces Profundas".
La primera de ellas es una estupenda película de aventuras, rodada por el excelente Jacques Tourneur.
Ahí está Burt Lancaster! Y le acompaña Virginia Mayo, y su inseparable compañero Nick Cravat.
Rodada con un pulso impresionante, es el paradigma de la gran película de aventuras.
Una ocasión para volver a la infancia, emocionarse, y vibrar con esta memorable película.
Como me gusta Burt Lancaster! Si os fijáis es difícil encontrar una película mala de él. Todas son entretenidísimas y muchas de ellas magistrales.
Y una del oeste.. un western magistral. Una Obra Maestra de George Stevens.
Creo que el actor favorito de mi padre siempre ha sido Alan Ladd. Un actor injustamente infravalorado que aquí interpreta a un inolvidable personaje como el de "Shane".
La maravillosa Jean Arthur, Van Heflin o un villano tan excelente como Jack Palance, completan el reparto.
Este solitario y misterioso pistolero ha sido copiado en muchas ocasiones, la más clara "El jinete pálido" el excelente western de Clint Eastwood.
Una hermosísima película, aparentemente sencilla en su planteamiento, pero llena de matices y valores.
Un duelo final inolvidable para una de las grandes de este género, mi preferido,.. el western.
Os espero a todos con vuestros recuerdos cinematográficos. Memoria nostálgica que siempre llevaremos con nosotros.
Tengo una especial fascinación por esta película. La primera vez que la vi fue en esos sábados de cine por la noche, cuando todavía "la caja tonta" no era tal, y había grandes dosis de imaginación y calidad. Ya ha pasado tiempo..ya.
Pasados unos años tuve la inmensa fortuna de verla en pantalla grande. Cuando también se reponían grandes títulos, costumbre que desgraciadamente no existe. El caso es que me quedó grabada para siempre.
La historia de este tipo y su relación con las montañas es una de las más preciosas y grandes que he visto en el cine.
Todos los años la recupero, e intento conseguir esa libertad, ese silencio que solo me puede trasmitir las Rocosas.
"Las aventuras de Jeremiah Johnson". (Jeremiah Johnson. 1972)
Director: Sydney Pollack
Guión: John Milius & Edward Anhalt -Novela: Vardis Fisher-
Música: John Rubinstein & Tim McIntire
Fotografía: Duke Callaghan
Reparto: Robert Redford, Will Geer, Allyn McLeire, Stefan Gieraschi, Matt Clark.
Un ex-soldado (Robert Redford), cansado y hastiado de la civilización, desertor de la guerra entre EEUU y México, decide dejarlo todo y adentrarse en las Montañas.Un viaje iniciático donde conocerá la supervivencia, la soledad, la venganza...
Segundo trabajo del tándem Pollack-Redford. En total colaboraron en siete películas, muy interesantes todas ellas, en donde destacan, la romántica "Tal como éramos" (1973), la maravillosa "Memorias de África" (1985), y la infravalorada "Habana" (1990).
Pero por encima de todas esta, una Obra Maestra, un magistral western ecológico con un Robert Redford portentoso y unas Montañas como otro protagonista más.
Basada en la novela de Vardis Fisher, en la historia "Crow killer" de Raymond W. Thorp y Robert Bunker, y en las vivencias de Jeremiah, un personaje real que vivió en las montañas de Utah.
Los guionistas construyen una historia excepcional e inolvidable. Ahí esta el irregular John Milius. Un tipo con muchísimo talento (guionista de "Apocalypse Now"), capaz de realizar películas tan estupendas como "Conan el Bárbaro" (1982), "Adiós al Rey" (1988), o la maravillosa "El viento y el león" (1975), pero también combinarlas con la lamentable "Amanecer Rojo".(1984).
Sydney Pollack es uno de esos directores del que hemos visto prácticamente todas sus películas. Con una década dorada entre los finales sesenta y principios de los ochenta, este actor, director y productor es ya un clásico del cine norteamericano.
En este ocasión Pollack rueda una portentosa película, visualmente muy bella, mezcla del mejor western o de las aventuras más emocionantes.
Unas imágenes llenas de poesía, con la naturaleza como telón de fondo, portentosamente retratada.
Jeremiah es .... Robert Redford. Excelentemente interpretado por este actor. Considero que esta película fue su empujón final para ser la gran estrella que fue.
Muchas veces denostado a causa de su belleza, el caso es que este actor tiene interpretaciones magníficas, solo hace falta recordar títulos como: "Dos Hombres y Un Destino" (1969); "El Golpe" (1973); "El jinete eléctrico" (1979); o "Brubaker" (1980).
Tampoco nos podemos olvidar su faceta como director, con estupendas películas como su ópera prima "Gente Corriente" (1980) o "El río de la vida" (1992).
Excepcional película con muchas escenas y momentos inolvidables. El paso por el cementerio indio (clave en el desarrollo y cambio de la película), el descubrimiento de su familia en la cabaña, la inolvidable escena final ... (aquí os la dejo, si no has visto la película mejor no verla. Si la has visto seguro que recuerdas este momento...)
El otro intérprete es.... La Naturaleza.
Todos los hombres que se han adentrado en ella han caído ante su fuerza invisible y poderosa. Siempre queriendo cambiarla, domesticarla, pero ilusos!, es salvaje, y siempre lo será.
Este adentramiento nos permite volver a nuestro orígenes, buscar dentro de nosotros y comprender el lenguaje de las montañas. Es imprescindible tomar contacto y fluir con ella. Escuchar su sonido. Observar todo lo que acontece. Mientras más profundo sea nuestro contacto, más aprenderemos de ella, la comprenderemos para intentar sobrevivir. En este caso, Jeremiah Johnson ha elegido un camino sin retorno,... ya no volverá a ser el mismo.
Otros aspectos clave de la película son, la impresionante fotografía. Un paisaje bellísimo y majestuoso. Con una especial importancia en la nieve, maravillosamente retratada por Duke Callaghan.
La excepcional banda sonora. El compositor John Rubinstein y Tim McIntire (hijo del estupendo actor John McIntire), recrean una música melancólica mezclada con ese halo country que la hace inolvidable.
Y por último ese ritmo tan magnífico de la película se debe en parte al montador Thomas Stanford.
¿Cuantas veces se olvida mencionar este apartado técnico, tan fundamental a la hora de crear una película?
Una película con dos partes bien diferenciadas. La primera más aventurera, en la que Jeremiah intenta sobrevivir, vivir en familia.
La segunda más gris, más oscura, con un paisaje que cambia radicalmente al son de la venganza, de un tipo buscándose a sí mismo.
Una película llena de silencios
Prácticamente sin grandes dosis de acción, pero con una fuerza y una intensidad como pocas. Llena de soledad y silencios. Un personaje como el Ethan de "Centauros del Desierto", que aparece sin saber prácticamente nada de él para seguirle a los confines de la tierra.
Un film precursor de lo que luego fue, por ejemplo, "Bailando con Lobos" (1990), la excelente película de Kevin Costner.
Jeremiah Johnson tiene un mensaje claro ecologista de amor por la naturaleza, pero que también habla del choque de culturas y civilizaciones, y de como es posible convivir entre ellas. Paradójicamente nos encontramos en ella, con la profanación de territorio indio, o con el matrimonio indio de nuestro protagonista.
Afortunadamente el empeño de Pollack y Redford, surgió efecto, y se rodó en parajes naturales del estado de Utah. Lugares tan maravillosos como Ashley Nacional Forest, Show Canyon State Park, etc., son una muestra de los que aparecen en esta película. La Warner quería rodar en interiores o incluso en España!
"Cuanto en la película es físico, es auténtico. La manera de colocar las trampas, de pescar y preparar el fuego, la vestimenta de las gentes, el sistema de mantenerse caliente durante la noche haciendo un agujero en el suelo, colocando en él trozos de carbón ardiendo y cubriéndolos de tierra, la manera de descuartizar los animales y cómo hacen los cuchillos con que hacerlo es auténtico, al menos de acuerdo a mis informaciones. No hay nada en la película concerniente a los detalles técnicos que no sea auténtico" -Sydney Pollack-
Un choque entre dos mundos. El civilizado, el origen, el inicial.
El otro, el salvaje, el insondable, el indio.
Una Obra Maestra. Una película para entender la condición humana y escapar de la civilización, adentrandose en la más salvaje naturaleza en busca de una identidad.
En la magnífica editorial Valdemar, aparte de títulos de terror, fantástico, gótico, etc, podemos encontrar dos novelas estupendas para entender las historias del western.
"El Trampero" (Mountain Man. 1965). Vardis Fischer.
Novela en la cual esta basada esta película, narra la vida y aventuras de Samson J. Minard, cazador que recorre las Montañas Rocosas, su hogar, y cuya filosofía resume el propio Fisher:
«Admiraba el valor sobre todas las demás virtudes; inmediatamente después venía el temple, y el tercero de sus valores era la compasión por los débiles o indefensos».
«Sam vivía en un mundo de criaturas salvajes, un mundo en el que la primera ley de vida era matar o escapar del que mataba».
En su incesante y solitario deambular, tramperos como Sam, Solomon Silver, Jim Bridger o Cabellera Perdida Dan cazan, construyen sus propios refugios y llegan a emparejarse con indias Crow, Arapahoes o Pies Negros, haciendo de su irrenunciable libertad una forma de vida.
"Indian Country" Dorothy M. Johnson.
Antología de relatos que incluyen "El hombre que mató a Liberty Valance", o "Un hombre llamado caballo" entre otros.
Una escritora especialista en la problemática relación entre blancos y pieles rojas, escenario de aquellas tierras vírgenes que ocasionaron un cruel choque cultural.
Con una prosa inteligente, seca, y dura, la autora nos transmite una veracidad muy contundente.
Dos libros muy recomendables, con una edición estupenda como es habitual en esta editorial. Dirigidas especialmente para todos aquellos amantes de estas historias del lejano oeste.
¿Como definiría Nueva York? Dejadme pensar... lo tengo claro y lo puedo resumir en una frase. "No hay día en que no me acuerde y piense en ella, forma parte de mí".
Así de rotundo. Tengo un "mono" terrible de esta ciudad, de Manhattan. Porque Nueva York es esta isla maravillosa. Sí, también está Brooklyn, Queens, etc. Pero sin duda
NY es.... Manhattan
Perderse por el SoHo con esos edificios tan maravillosos y recordar los 60-70 con el éxodo de artistas a sus calles, caminar por la Quinta Avenida con todas sus tiendas y excesos, cruzar el puente de Brooklyn (no sin antes comer una pizza en la mítica Grimaldi´s), pasear y disfrutar de Central Park, subir al Empire State recordando a Cary Grant y Deborah Kerr en la maravillosa "Tu y Yo (An affair to remember. 1957)", disfrutar de la bohemia Bleecker Street, ver por primera vez La Estatua de la Libertad y sentir la emoción de los inmigrantes tal cual personaje de "El Padrino", comer sus famosos Hot Dogs que siempre me recuerdan a Harry el Sucio, perderse en algún restaurante de Chinatown, recorrer el mítico metro como un "Warrior" de Walter Hill, entrar en FAO y tocar el piano como Tom Hanks en "Big", y por supuesto disfrutar de toda su oferta cultural asombrosa, etc, etc, etc.
Es una ciudad única
La ciudad que nunca duerme, doy fe. A cualquier hora siempre hay algo que ver y que hacer.
Luego está la amabilidad de los neoyorkinos que es total. Te hacen sentir muy a gusto.
Es la ciudad que más veces hemos visto en el cine. Además sin trampa ni cartón. Lo que vemos habitualmente ahí lo tenemos.
Un paseo por Manhattan, hace que recordemos innumerables películas. En esta ocasión el cine no engaña.
¿Y qué película puede ser la mas representativa? .. uf! muy difícil elección. ¡Hay tantas!
Estuve a punto de elegir "Taxi Driver" de Martin Scorsese, pero no quería el lado oscuro y amargo.
Qué otro podría ser?... Sin duda el gran Woody Allen.
El espléndido autor de Brooklyn ha realizado un montón de películas en esta ciudad, y por encima de todas hay una que demuestra el verdadero amor hacia ella. Con todos ustedes...Manhattan.
“Capitulo primero. Adoraba Nueva York…era su ciudad y siempre lo sería”
Así comienza esta extraordinaria película. Sin duda uno de los mejores y más recordados comienzos de la historia del cine.
Las maravillosas imágenes de Manhattan, acompañadas de la inolvidable "Rhapsody in blue" de George Gershwin han hecho que sean un icono del cine moderno. Aquí
Estamos ante una de las más conocidas obras de su director. Un homenaje y un amor a una ciudad como pocos.
Una historia sencilla, el típico "chico conoce a chica", pero que incluye todos los gustos, fobias, manías, aficiones y la vida de este genial autor.
No hay grandes escenas, pero si planos inolvidables. Sin duda el más recordado es la imagen de Woody Allen y Diane Keaton debajo del puente de Queensboro. Sí! No es el puente de Brooklyn!
Es el estupendo puente que une Queens con la isla, y que normalmente es lo que primero vemos y pasamos si venimos del aeropuerto JFK. Otro icono inmortal.
Construida a base de planos secuencias, no hay un hilo narrativo claro. Allen nos habla de amores y desamores, dudas y desengaños, todo ello con la habitual ironía y reflexion de todos los temas que se tratan.
Digo se habla, porque los personajes no paran de hablar. Más bien los consideraría discursos personales.
Acompañamos a los protagonistas por escenarios como el MOMA, Planetariun, Central Park, el legendario restaurante Elaine´s (que por cierto cerró el año pasado)...
Vemos esta ciudad, grandiosa, hermosa, moderna, acogedora, pero también ruidosa y agobiante.
Como es habitual la película rebosa personajes femeninos, para mí los más interesantes de su cine.
Manhattan es otro protagonista más de la película.
Desde esta película la vemos con otro ojos. El maravilloso blanco y negro de Gordon Willis y la excepcional música de George Gershwin, tienen la culpa.
"Siento verdadera pasión y una gran devoción hacia la ciudad de NY. Creo que en la película se la ve de la forma mas hermosa que se ha visto nunca en el cine.”(Entrevista a Woody Allen)
Una de las películas más inteligentes y precisas de su director. Llena de frases y diálogos estupendos.
"Tracey es un desvío en la autopista de la vida”... genial frase del personaje de Allen.
También Allen tiene sus detractores. Siempre con el mismo discurso: que si no ocurre nada, que los personajes no paran de hablar y hablar, que si son pedantes, pretenciosos y neuróticos, etc. Bueno, allá ellos, comparto lo neurótico pero nada más. En la mayoría de casos son películas estupendas.
En este caso, a mi desde las primeras imágenes Manhattan me atrapa y seduce.
Allen nos ofrece lo que se puede llamar un "psicodrama" autobiográfico excepcional.
Tiene una estupenda filmografía. La que más me gusta y que considero su Obra Maestra es "Hannah y sus hermanas (1986. Hannah and her sisters)". Y luego tiene otra joya que pasa totalmente desapercibida. De esas obras excepcionales que no se le dan la importancia que requieren, "Acordes y Desacuerdos. (1999. Sweet and Lowdown)"... mi capricho Allen.
En los últimos tiempos ha bajado el nivel. Fiel a su cita anual, nos ofrece su película pero con diferentes resultados.
Por cierto, resulta muy simpático el doblaje español de Allen, pero a mi no me gusta nada, con todos los respetos me da "grima". Siempre en VO, por favor.
Nostálgica, reflexiva y divertida. Así es Manhattan de Woody Allen.
Por último una recomendación para quien ame esta ciudad, le guste Woody Allen o el cine en general: "El Nueva York de las películas de Woody Allen".
Un estupendo libro, que nos lleva por todos esos lugares de sus películas, con unas excelentes fotografías.
Comenzando por "Annie Hall", nos muestra las escenas y el lugar exacto de su localización.
También nos puede valer como guía de viaje.
Un buen regalo.
Frases de Woody Allen.
"Creo que el cerebro es el más sobrevalorado de los órganos."
"Muchísimo es mi número favorito."
"Mi psicoanalista me advirtió de tu bisexualidad, pero eras tan guapa que cambié de psicoanalista."
"Yo estoy chapado a la antigua, no creo en las relaciones extramatrimoniales. La gente debería aparearse para siempre como las palomas... o como los católicos."
.jpg "God told me to.")
